de basisprincipes leren
Het aquarelboek van David Dewey – Dit is een van mijn absolute favoriete kunstboeken, een toonbeeld van beknopte instructies, wijze raad, bedrieglijk eenvoudige oefeningen en een compact ontwerp. Zoals ze op tv zeggen: als je maar één aquarelboek koopt, laat het dan deze zijn.
Dewey legt evenveel nadruk op materialen, theorie, techniek, ontwerpprincipes en de praktische uitvoering. Hij ziet de kunst als geheel. Hij begint met een overzicht van verffabrikanten, penselen, papier en andere benodigdheden, en sluit af met een uitnodiging om gemengde technieken uit te proberen en een stapsgewijze uitleg van hoe je een groot atelierschilderij maakt. Er zijn diepgaande discussies over kleuren en verf, over het kiezen van het kleurenpalet voor elk schilderij en over het opbouwen van een schilderij vanuit waardeschetsen.
Het technische advies in dit boek is buitengewoon nauwkeurig en gemakkelijk te begrijpen. De vier pagina's die bijvoorbeeld uitleggen hoe je verschillende soorten aquareltechnieken gebruikt, vermijden de fouten of weglatingen die vaak voorkomen in inleidende boeken. Dewey gaat ook in op een schat aan specifieke technieken die in andere teksten zelden aan bod komen: aquareltekeningen met pen en inkt, het gebruik van een schetsboek, monochrome schilderkunst, kleurstaven of kleurakkoorden die gebruikt worden in kleurontwerp, de 'kleur' grijs, en nog veel meer. Alle onderwerpen worden geïllustreerd met talrijke afbeeldingen, die altijd informatie bieden in plaats van alleen maar de pagina te versieren. Het boek is zo compact vormgegeven dat veel waardevolle adviezen verborgen zitten in de bijschriften bij de afbeeldingen; het boek kan herhaaldelijk bestudeerd worden en toch steeds weer iets nieuws leren.
Dewey heeft zelf de lessen voor studenten en de technische voorbeelden in het boek geschilderd. Het is fascinerend om te zien hoe de eenvoudigste oefeningen – het schilderen van een aquarel of geometrische vormen – bijdragen aan een grotere schildervaardigheid. Hij heeft een groot aantal voorbeelden van zijn schetsboektekeningen in de buitenlucht opgenomen en maakt duidelijk hoe belangrijk het schetsboek is voor artistieke ontwikkeling en creativiteit.
De meer geavanceerde lessen bouwen voort op eenvoudige demonstratieschilderijen (mijn favorieten zijn het stilleven op een patroonkleed en de Niagarawatervallen). Deze oefeningen passen de lessen uit eerdere hoofdstukken over kleurenharmonie, waardebereik en penseeltechnieken toe: de principes worden in de praktijk gebracht. En ze leiden vanzelfsprekend naar Deweys subtiel weergegeven plein-air landschappen en een demonstratie van zijn ongerepte architectuurschilderijen van New England. Om ons een compleet beeld te geven van de aquarelkunst, voegt Dewey onderweg een aantal prachtige reproducties toe van werken van John Marin , John Sell Cotman , Charles Demuth , Joseph Raffael en anderen, waardoor we naar meer aquarelschoon verlangen.
Alles komt samen in een harmonieuze visie op de aquarelkunst, een referentie en inspiratiebron voor vele uren plezierig experimenteren en leren. Een welgemeend eerbetoon is op zijn plaats aan Marian Appellof, Candace Raney en Areta Buk, redacteuren en vormgevers van de serie waartoe dit boek behoort, voor hun uitstekende normen en artistiek inzicht.
Watercolor School: A Practical Guide to Painting in Watercolor by Hazel Harrison – De productieve Hazel Harrison heeft diverse boeken over acryl- en aquarelschilderen gepubliceerd, en deze bestseller van Reader's Digest is een van de meest nuttige aquarelhandleidingen die er zijn.
Het boek begint met een hoofdstuk getiteld "Waarom aquarel?", waarin de vloeiendheid, spontaniteit en individuele vrijheid van het medium worden beschreven. Harrison besteedt slechts acht pagina's aan de materialen en de inrichting van het atelier, waarna 34 pagina's worden gewijd aan de basisvaardigheden: het aanbrengen van een aquarelverf, paletontwerp en kleuren mengen, het opbouwen van glazuur en aquarelverf, het creëren van highlights, het beheersen van randen en het plannen van een schilderij. Vervolgens is er een sectie over "Je vaardigheden ontwikkelen" die de meer complexe technieken van nat-in-nat schilderen, textureren, oplichten en resisttechnieken behandelt. De laatste sectie, "Schilderijen maken", gaat in op specifieke problemen die zich voordoen bij het schilderen van landschappen, stadsgezichten, stillevens, dieren, mensfiguren en portretten; elke sectie bevat een galerij met contrasterende schilderijen die de toepassing van verschillende technieken illustreren.
Harrisons basisopzet is het 'hoofdstuk van twee pagina's', waarbij elk onderwerp wordt beschreven en geïllustreerd over de twee tegenover elkaar liggende pagina's van een open boek dat plat op de werktafel ligt. Dit maakt het boek effectief als visueel hulpmiddel of geheugensteun tijdens het werken, maar dwingt onderwerpen soms wel tot een willekeurige behandeling van twee of vier pagina's. Er zijn voldoende illustratieve foto's en de tekst en bijschriften zijn beknopt zonder essentiële informatie weg te laten.
Een bijzonder fraaie vondst is de dubbele demonstratie van basistechnieken in de schilderkunst, aan de hand van de stapsgewijze oefeningen van twee schilders, aangeduid als "kunstenaar één" en "kunstenaar twee". Hierdoor zien we verschillende benaderingen voor het plannen van penseelstreken, het modelleren van schaduwen en het opbouwen van een compleet schilderij – vergelijkbaar met de ervaring in een workshop, waar veel cursisten dezelfde oefening uitvoeren. De lezer krijgt een indruk van de mate van vrijheid en individuele variatie die is toegestaan in de schildertechnieken, iets wat bijzonder moeilijk over te brengen is in een boek van één auteur. (In de latere hoofdstukken suggereren de galerijen met schilderijen van contrasterende kunstenaars de variatie in zowel technieken als schilderstijlen.)
Reader's Digest Press heeft meer dan genoeg gedaan voor beginnende aquarelschilders. Onder hetzelfde label staat Anne Elsworths Watercolor Workbook: A Complete Course in Ten Lessons , dat een zeer solide en traditionele basis voor de schilderkunst legt in tien uitstekend opgebouwde hoofdstukken, gebaseerd op Elsworths jarenlange ervaring als workshopleider; en Stan Smiths ambitieuze, zij het enigszins onsamenhangende, Watercolor: The Complete Course . Ik vind Harrisons boek het beste van de drie.
Aquarel voor de serieuze beginner van Mary Whyte – Dit is de kortste en in sommige opzichten minst informatieve van de basishandleidingen die ik aanbeveel. De waarde van Whyte's boek ligt echter niet in de hoeveelheid informatie, maar in de heldere communicatie van de verwachtingen. Aquarelhandleidingen hebben soms een encyclopedische hang naar een overvloed aan afleidende details: Whyte kiest voor een toegankelijke aanpak en beperkt de hoeveelheid informatie, zodat je je kunt concentreren op het grotere geheel.
Het overkoepelende thema van het boek is "geduld, oefening en serieuze inspanning" — van de inleiding (waarin het "somber ogende, slecht uitgevoerde" studentenschilderij van een aquarellist wordt beschreven die door jarenlang gestaag werk beroemd werd) tot haar afsluitende gedachten ("de mate van je succes hangt af van de hoeveelheid oprechte inspanning die je levert"). Volgens Whyte is "talent" niet wat beginners tot professionele schilders maakt, en is "gebrek aan talent" meestal een excuus om te stoppen met groeien.
Een tweede dimensie van het grote geheel is vormgeving: na een korte inleiding van negen pagina's over materialen (penselen, verf, papier en studio-inrichting) wijdt Whyte meer dan 40 pagina's aan tekenvaardigheden, compositie, licht-donkercontrast en kleur. Elders geef ik mijn bedenkingen over compositie- en vormgevingsprincipes weer , maar Whyte's handleiding is beknopt, helder en pragmatisch. Door de conceptuele vaardigheden vóór de schildertechnieken te plaatsen, belichaamt Whyte zijn bewering dat "Dit boek niet alleen over techniek gaat. Het gaat ook over zien en denken."
De resterende 80 pagina's zijn gewijd aan de basistechnieken en een verscheidenheid aan specifieke problemen die, waar nodig, worden behandeld onder de genre-categorieën stilleven, landschap en portret/figuur. Zo worden lichteffecten gedemonstreerd als onderdeel van het opzetten van een stilleven, het mengen van groentinten komt aan bod in het landschapsgedeelte en het mengen van huidtinten in portretten. Deze manier van werken, waarbij techniek alleen wordt besproken wanneer het essentieel is voor het schilderen, geeft het boek een verfrissende vaart en houdt de instructies tot een minimum beperkt. Whyte benadrukt herhaaldelijk, in verschillende contexten, dat oefening, experimenteren en vallen en opstaan de zekerste weg naar artistiek inzicht zijn. Dat betekent niet dat Whyte je alleen maar aanspoort om te oefenen. Veel pagina's lijken op het eerste gezicht wat informeel en elementair, maar blijken, naarmate je meer ervaring opdoet, gericht te zijn op de essentiële informatie en het uiteindelijke doel om jezelf te leren zien .
Hoewel ik op een aantal punten vond dat Whyte's specifieke informatie onjuist of misleidend was, deed dit niets af aan het boek, aangezien dergelijke "onjuistheden" deel uitmaken van de gangbare kennis onder aquarellisten. In plaats van oppervlakkige workshoptrucs die slechts mechanische hulpmiddelen zijn, heeft Whyte het gezonde en wijze besef dat schilderen volgens een stappenplan niet de weg is naar persoonlijke artistieke groei. Als je een penseel kunt vasthouden, kun je schilderen, en als je kunt schilderen, kun je beter leren schilderen. Hoe snel je leert en hoe ver je komt, hangt er alleen van af of je ervoor kiest om zo vaak en zo intensief te schilderen als nodig is.
Complete Guide to Watercolor Painting van Edgar Whitney – Edgar Whitney (1891-1987) was decennialang de meest productieve, invloedrijke en populaire aquarelleraar in Amerika, zowel als docent aan het Pratt Institute als rondtrekkende (en voor zijn vrouwelijke studenten seksueel intimiderende) workshopleider. Whitney's schilderstijl – een mengeling van gestileerde ontwerpen, haastige weergave en zwierige penseelstreken, typisch voor commerciële en reclamekunstenaars uit de jaren 50 – is allang uit de mode geraakt. Maar zijn instructieboek is een klassieke introductie tot de ontwerpuitdaging van een schilderij, en daarmee het idee dat een goed ontwerp in wezen de essentie van schilderen is.
Wacht eens even, gaat schilderen niet over het overtrekken van een omtrek van een foto en het opbouwen van kleuren en schaduwen met zorgvuldige glazuurlagen en kleine penselen? Whitney heeft weinig geduld voor die trage aanpak. Hij gebruikt een plat penseel van 5 cm, veel water, en is binnen twintig minuten klaar met zijn schilderijen, hup! Hij beweert dat een goede schilder met bijna elke soort verf, papier of gereedschap een goed schilderij kan maken. (Whitney spuugt soms in zijn demonstratieverf om te laten zien dat alles artistiek kan worden gebruikt.) De kunstenaar is alleen geïnteresseerd in ontwerpconcepten en doet alles wat nodig is om die concepten op papier te realiseren.
Whitney omarmde met volle overgave de intellectuele beperkingen van de meeste workshopdeelnemers door voor zichzelf een buitenproportionele, norse, bombastische persoonlijkheid te creëren die elke schildermoeilijkheid kon reduceren tot simpele ideeën die nadrukkelijk werden geformuleerd: Je bent niet dom – je bent bang, lui of onwetend. ... Kunst is de nadruk op de essentie. Bedenk symbolen om die essentie uit te drukken. ... Ontwerp eerst vormen en pas de natuur of objecten daarin aan. ... Ontwerpwaarden moeten in je schilderijen worden verwerkt, anders gooi je met dobbelstenen in een rechthoek. ... en zo gaat het ook met dit boek. Whitney begint met "zes patroonschema's" (de basisstrategieën voor het rangschikken van licht en donker op de pagina) en de "regel van goede vormen" (dat wil zeggen: "een vorm met variatie in lengte- en breedtedimensies, met een dynamische schuine richting en met incidenten aan de randen die in elkaar grijpen met negatieve gebieden" ). En hij eindigt met de zeven ontwerpelementen en de acht ontwerpprincipes van de 19e eeuw — eenheid, contrast, dominantie, herhaling, afwisseling, balans, harmonie en gradatie — zoals die grotendeels door John Ruskin werden uiteengezet , maar zonder Ruskins scherpe oog voor natuurlijke vormen en ritmes. Leer hoe deze elementen het meest effectief gecombineerd kunnen worden, en je hebt het raamwerk voor een oneindig aantal schilderijen.
Technisch advies is hier wel aanwezig, maar beperkt tot willekeurige trucjes, veel handige tips voor landschaps- en portretschilderen, en de algemene aanbeveling om nat-in-nat te werken en veel gebruik te maken van 'gereedschapssporen' – sponsen, schrapen, spatten, deppen. Er is een zeer goed hoofdstuk over tekenen als fundament van de beeldende kunst, en de laatste pagina's, over 'Een ambachtelijke filosofie en kunst vandaag de dag', sporen de kunstenaar aan tot individualiteit en een afwijzing van technologische waarden. Hij verwijst naar de filosofische doelen van kunst; hij identificeert empathie als de essentie van artistieke emotionele betrokkenheid; en hij benadrukt voortdurend hard werken, doorzettingsvermogen en studie als essentieel voor artistieke groei.
Ik vind Whitney's schilderijen theatraal en platvloers, zelfs als demonstratiestukken. Ze laten zien wat er gebeurt als je vertrouwt op kookboekprincipes en technische trucjes in plaats van een zoekende geest en zintuigen. Maar het is Whitney de goeroe, niet Whitney de kunstenaar, die je door dit boek en de verwante ontwerpboeken van zijn leerlingen gaat waarderen en bewonderen – met name Strengthen Your Painting With Dynamic Composition van Frank Webb en The Artist's Guide to Composition van Frank Webb (beide niet meer verkrijgbaar in de boekhandel, maar gemakkelijk te vinden via online tweedehands boekhandels en veel betere bronnen voor de hedendaagse schilder). Uiteindelijk moet je je eigen schilderstijl en artistieke visie ontdekken. Whitney's populaire klassieker is een eerbetoon aan het belang van goede ontwerpprincipes in die zoektocht.
Basisvragen over aquarelverf van Catherine Anderson – Een fantastisch beginnersboek dat de FAQ-structuur gebruikt om een opmerkelijk grote hoeveelheid basisinformatie over aquarelverf te behandelen.
Doordat de hele discussie is opgebouwd als een reeks vragen en antwoorden, met veel bijschriften bij de afbeeldingen en kanttekeningen, kan Anderson vrijelijk van het ene aspect van de schilderkunst naar het andere springen, terzijdes invoegen of met afbeeldingen iets toelichten. Dit geeft het boek een ontspannen, onderzoekende sfeer die dicht bij de fysieke handeling van het schilderen ligt. Maar Anderson dwaalt niet af en raakt de weg niet kwijt. Alle essentiële informatie is aanwezig, zorgvuldig en helder gepresenteerd, met een uitstekende index om je naar specifieke informatie te leiden.
Ze begint met aquarelpapier – een mooie vondst, aangezien papier meestal het verwaarloosde aspect van schilderen is. Vervolgens komen penselen aan bod, en dit hoofdstuk eindigt met een klein aquarelproject waarin alle verschillende penseelstreken samenkomen. Nadat deze basisprincipes zijn behandeld, besteedt het boek meer tijd aan de onderwerpen verf, kleuren en toonwaarden. Het laatste hoofdstuk is getiteld "Is dit een fout of een creatieve kans?". Dit is een briljante zet: in plaats van compositieregels te onderwijzen, leert Anderson je gewoon naar je schilderij te kijken, te ontdekken wat er niet werkt en het te verbeteren. Het oplichten van verf en het aanbrengen van glazuur zijn de belangrijkste hulpmiddelen, aangezien de meeste "fouten" die ze bespreekt, kunnen worden hersteld door de waardestructuur van het schilderij te verbeteren.
Het aantrekkelijke aspect van Andersons aanpak is de zachte steun die ze de student biedt. Fouten maken is een leerervaring; het is belangrijk om een beginnersmentaliteit te behouden en gewoon van het schilderen te genieten; en de mantra "er zijn geen regels" wordt in de eerste pagina's vaak herhaald. Ik verliet het boek vol energie en enthousiasme om te gaan schilderen, vertrouwend op mijn schilderervaringen als leidraad.
Aquarel: Een nieuw begin door Ann Lindsay – Alweer een boek dat zo sterk vertrouwt op de schilderervaring dat technische begeleiding vrijwel volledig ontbreekt. En dat is in lijn met Lindsays overtuiging dat kunst een bezigheid is die bijna volledig op intuïtie berust.
Het probleem waar Lindsay mee worstelt, en dat veel kunstenaars van alle niveaus treft, is dat compositieregels, technische principes, esthetische theorieën en de verwachtingen van docenten, studenten of collega's kunnen veranderen in pijnlijk kritische innerlijke stemmen — je hebt een lelijk schilderij gemaakt, jij worm, zie je dan niet dat je nooit een kunstenaar zult worden! — met een waanzinnige kracht om angst te voeden en artistieke vrijheid te verstikken. Het is verbijsterend dat kunst en angst samengaan, maar het is iets waar elke kunstenaar mee te maken krijgt. Lindsay wil de therapeut zijn die de zaken rechtzet door ons in contact te brengen met de naïeve en speelse aspecten van het schilderen (ja, ze heeft het over haar innerlijke kind).
Lindsay behandelt alleen de technische basisprincipes: het gebruik van je penseel, verf en palet; primaire en secundaire kleuren; washes en glazes; neutrale en donkere tinten; tekenen; waardecompositie; schilderen in series; vervaagde en gevonden randen; negatieve ruimte. Er zijn geen regels of technische trucjes – Lindsay beschrijft alleen het algemene doel, begint met een eenvoudige demonstratie om je op weg te helpen, bewondert haar resultaten en die van jou... en dat is alles.
"En dat is het dan" is haar punt. Ze beschrijft de technische vaardigheden die je met oefening kunt verbeteren, maar vermijdt het om te praten over wat een schilderij "goed" of "slecht" maakt. Lindsay ruimt de conceptuele rommel van het lesgeven op, zodat je vrij bent om precies te doen wat je wilt met je schilderij, plezier te hebben en niet kritisch te zijn over het resultaat. Het resultaat is prima en komt vanzelf – het gaat erom dat je plezier hebt! Ze zorgt er bij elke stap voor dat je aandacht teruggaat naar wat er gebeurde en hoe je je daarbij voelde, zonder dat je innerlijke stemmen van oordeel de creatieve ervaring verstoren.
De ondertitel "een nieuw begin" suggereert dat haar aanpak geschikt is voor zowel ervaren kunstenaars als beginners. Maar het is het probleem waar de meeste kunstenaars elke dag mee worstelen: schilderijen maken op de manier die hen het meeste plezier en voldoening geeft, in plaats van op de manier die hen is verteld, aangeleerd of waarvan ze zichzelf hebben wijsgemaakt dat het de enige juiste manier is waarop hun kunst zou moeten zijn.
Stapsgewijze handleiding voor het schilderen van realistische aquarellen door Dawn McLeod Heim – Dit is een beginnersboek dat zich onderscheidt door de precisie van de technische instructies. En hoewel het boek in naam over 'realistisch' schilderen gaat, is Heims doel eigenlijk vergelijkbaar met dat van Lindsay: de cursist comfortabel en vol vertrouwen laten schilderen, en zo de angsten verminderen die kunnen uitgroeien tot pijnlijke remmingen.
De training in realistisch schilderen vindt plaats aan de hand van demonstratieschilderijen die de leerling natekent volgens Heims gedetailleerde uitleg. Alle verfsoorten en verfmengsels zijn voorzien van letteraanduidingen, met instructies zoals "meng B en E en schilder hier". Heim illustreert elke term die ze gebruikt met foto's met bijschriften, zodat je bijvoorbeeld weet dat "licht deppen" betekent dat je de kwast even op een papieren handdoekje dept, terwijl "goed deppen" betekent dat de kwast en het handdoekje flink inwerken. Veel schilderijen zijn zo ontworpen dat ze direct op het aquarelpapier kunnen worden overgetrokken, waardoor je echt het gevoel krijgt dat je op nummer – of letter – schildert.
De onderwerpen zijn allemaal vignet-stillevens: een wijnglas, een tros druiven, een truffel en een wenskaart, twee eendjes, een mat van dode bladeren. Dit lijkt aanvankelijk beperkend, totdat je beseft dat het miniatuurrealisme ervoor zorgt dat Heims zorgvuldige aanwijzingen onopgemerkt blijven, ongeacht hoe klein je beslissing ook is. Het is bijna alsof ze je bij de pols houdt en elke beweging begeleidt.
De ontwikkeling van de hand-oogcoördinatie, het praktische gevoel voor kleurmenging en het zelfvertrouwen bij het maken van een schilderij, dat is waar dit boek echt om draait. Er is niets conceptueels aan – geen kleurentheorie, compositieregels, waardeschalen, perspectieflessen. Je neemt de voorbeeldafbeelding en kopieert die. Heim beschouwt schilderen als een eenvoudige, handmatige vaardigheid in plaats van een abstracte intellectuele taak, en legt kleurmenging of penseeltechniek net zo nauwkeurig uit als ze je zou uitleggen hoe je een klok in elkaar zet.
Het klopt dat beginners meer moeite hebben met de fysieke vaardigheden dan met de theorie. Heim heeft terecht ingezien dat deze expliciete instructie de student in staat stelt de fysieke schildervaardigheid te ontwikkelen zonder angst of afleiding. En hoewel ze dit niet expliciet als haar doel aankondigt, is het blijvende effect van haar lesmethode het aanleren van de gewoonte om het eigen schildergedrag nauwlettend te observeren, als een manier om dit verder te verfijnen.
De meeste kunstenaars leren zichzelf precies op deze manier!
Het tijdschrift The Palette, onder redactie van William Lawrence en Christopher Schink – Hoewel boeken onmisbare leermiddelen zijn, vormen tijdschriften een waardevolle aanvulling door een breed scala aan docenten, technieken en hedendaagse schilderstijlen te presenteren. Ik heb elders mijn teleurstelling geuit over de meeste kunsttijdschriften , die in feite weinig meer zijn dan marketinginstrumenten voor kunstenaars en adverteerders. Maar ik beveel The Palette Magazine (voorheen Watermedia Focus Workbook ) van harte aan, onder redactie van en grotendeels geschreven door Skip Lawrence en Christopher Schink, en dat vier keer per jaar verschijnt als een zakelijke samenwerking met Cheap Joe's Art Stuff .
De nadruk van The Palette Magazine ligt volledig op de thema's design, stijl, creatief proces en kunstgeschiedenis. (Ik voelde me geroepen om de titel hier te vermelden na het lezen van een prachtig en inzichtelijk eerbetoon aan enkele schilders uit de California Scene .) Ik zou graag meer discussie zien over specifieke kunstmaterialen of -technieken, omdat ik geloof dat kunstenaars schilderen met pigmenten, niet met kleuren. (Abstracties, zoals visgraten, staan meestal in de weg van de kern van de zaak.) De helft van de artikelen is echter van het elementaire of "terug naar de basis"-type, wat ik prettig vind: de meeste onwetendheid is eigenlijk het negeren van wat voor de hand ligt of het vergeten van wat belangrijk is.
De 'design first'-school leidt onvermijdelijk tot schilderijen die hun loyaliteit tonen met opvallende kleuren, grote contrasten en gestileerde, iconische beelden. Palette levert geen fotorealisme, naturalisme of Richter-achtige technische complexiteit op zich. Ik zie dit niet als een beperking, want wat overblijft is een enorm scala aan artistieke stijlen – en de beste manier om fundamentele problemen te illustreren is met schilderijen die nadrukkelijke oplossingen bieden. Nuance en subtiliteit zijn slechte leermiddelen.
De geniete nummers zijn voorzien van drie perforaties voor gemakkelijke opslag in een ringband en voor snelle raadpleging. Dit weerspiegelt de redactionele nadruk op continu leren, fundamentele visuele problemen en ontwerp- en oplossingen. Commerciële advertenties ontbreken volledig, met uitzondering van aankondigingen van workshops van Lawrence en Schink. Andere kunstenaars leveren specifieke artikelen aan, maar doorgaans zonder de zelfingenomen houding die in de door advertenties ondersteunde tijdschriften wordt getolereerd. Ook hier draagt de redactionele focus bij: kunstenaars onderscheiden zich door hun gebruik van föhns, glazuren, resisttechnieken, verf, druppels en alle andere gereedschappen en trucs van het vak, maar ze worden verenigd door hun worsteling met de problemen van ontwerp en proces.
De teksten zijn over het algemeen informatief, accuraat en leuk, zonder oppervlakkig, glad of afleidend te zijn; de lay-out en afbeeldingen zijn kleurrijk maar visueel logisch. (Er is een duidelijke gelijkenis met de marketingstijl van Cheap Joe's.) Als iemand die karmisch gedoemd is te lijden onder de spanning tussen een analytische en een sensuele benadering van het leven, lees ik hun directe en toegankelijke stijl met bewondering en jaloezie. Er valt veel te leren van deze 'eenvoudige' publicatie.
Tekenen is een van de basisvaardigheden voor effectief schilderen, maar het krijgt zelden veel aandacht in boeken over aquarel ( David Dewey en Marilyn Simandle zijn uitzonderingen). Sterker nog, het overtrekken van foto's wordt vaker genoemd, alsof dat een acceptabel alternatief is. De oplossing is om een echt goed tekenboek aan te schaffen en dat door te nemen terwijl je schildert.
Het nieuwe boek 'Tekenen aan de rechterhersenhelft' van Betty Edwards – Het boek van Edwards is een klassieker in de basisvaardigheden van het tekenen. Deze nieuwe editie is uitgebreid met kleurenafbeeldingen en bijgewerkte tekenvoorbeelden, en de tekst is verfijnd om bepaalde punten beter te verduidelijken.
Tekenen is zowel een manier om het schilderij vast te leggen als te ontdekken, om de plaats ervan op het papier te bepalen en om de specifieke details van waarde, compositie en karakterisering te onthullen. Tekenen stimuleert het kijkproces door de handeling van het gebruik van de handen. Deze dynamiek is ook terug te vinden in het tekenboek van Cathy Johnson , maar Edwards ontwikkelt het systematisch verder. Toen ik eenmaal begreep hoeveel tekenen kan bijdragen aan de ontwikkeling van alle aspecten van de kunst, stortte ik me er met plezier op.
De theorie over de linker- en rechterhersenhelft waarop Edwards voortbouwt, is een karikatuur van het huidige psychologische onderzoek, maar ze gebruikt deze slechts als metafoor om los te komen van zelfkritische, logische en plichtsgetrouwe artistieke gewoonten (linkerhersenhelft) en een "naïeve" waarneming te omarmen (rechterhersenhelft). Edwards legt een stimulerende verscheidenheid aan kijk- en schetsmethoden uit (zoals contourtekeningen of waardeschetsen), ondersteund door voorbeelden van tekeningen van studenten en professionele kunstenaars, om de hand-oogcoördinatie van de student te ontspannen en vervolgens te verfijnen. Ze geeft het goede voorbeeld van een gezonde houding van "openheid voor ervaring" die de kunstenaar in staat stelt om van spontaan schetsen over te gaan naar nauwgezet tekenen zonder de kritische innerlijke stemmen te prikkelen.
Edwards heeft haar lesmethoden door jarenlange ervaring verfijnd. Een van mijn favorieten is haar opdracht om een lijntekening ondersteboven na te tekenen; de uiteindelijke tekening is beter dan een kopie die op de normale manier is gemaakt! Dergelijke demonstraties laten de leerling zien hoe concepten het echt zien in de weg staan en helpen haar het verband te voelen tussen nauwkeurig zien en goed tekenen. De rest is een verfijning van deze doorbraak.
Een meer diepgaande inleiding is Keys to Drawing van Bert Dodson . Dit is een uitstekend overzicht van tekenen dat materialen en weergavemethoden grotendeels negeert en zich concentreert op tekenen als een handmatige vaardigheid en als een proces van zien.
De belangrijkste hoofdstuktitels van Dodson — het tekenproces, het handschrift van de kunstenaar, proporties, de illusie van licht, de illusie van diepte, de illusie van textuur, patroon en ontwerp, tekenen en verbeelding — suggereren zijn praktische, tactische en stapsgewijze benadering van tekenvaardigheden. Tekenen is "een daad van buitengewone coördinatie tussen hand, oog en geest", en elk van de drie moet worden getraind in zijn specifieke tekentaken. De toon is didactisch en sommige hoofdstukken eindigen met een checklist om je begrip van de stof te toetsen.
Het boek demonstreert een aantal belangrijke tekenstijlen (omtrek, contour, toonwaarde) en legt effectieve strategieën uit om verhoudingen en vormen te beoordelen , evenals fundamentele technieken met potlood of pen voor het opbouwen van waarde en vorm. Het introduceert de basiskennis die nodig is voor effectief portret-, perspectief- of figuurtekenen en behandelt enkele elementaire ontwerpprincipes. Ik vond deze conceptuele onderwerpen de zwakste punten van het boek, maar ze dienen als een soort inleiding op de intensieve training die de geest nodig heeft om de tekenvaardigheden te kunnen beheersen.
Een interessant aspect van Dodsons benadering is zijn beschrijving van de psychologische aspecten van het tekenen: het gebruik van 'triggerwoorden' om de aandacht te richten, de beheersing van de hand, het besef van tijd of afleidingen als vroege waarschuwingen voor vermoeidheid, de ontwerptactieken om het vertrouwde vreemd te maken of 'twee zakken samen te voegen', en de belangrijke spanning tussen zien en weten. (Zijn veelvuldige gebruik van het woord 'illusie' suggereert de invloed van kunsthistoricus Ernst Gombrich .)
Het tempo en de beknoptheid van Dodsons boek, dat is opgebouwd als een reeks tekenopdrachten en -technieken, maken het een ideale handleiding voor zelfstudie. Wat het boek bijzonder maakt, is Dodsons uitleg van tekenen als het proces van kijken, vasthouden en tekenen, waarbij oog, geest en hand in volkomen harmonie samenwerken.
Een geavanceerd en zeer specifiek naslagwerk is The Artist's Complete Guide to Figure Drawing van Anthony Ryder . Ryder, een leerling van Ted Seth Jacobs aan de Art Students League en afgestudeerd aan de New York Academy of Arts, doceert de klassieke Europese kunstacademiebenadering van figuurtekenen, die hij aanbiedt als "de levende traditie van de grote meesters" en vanuit zijn persoonlijke overtuiging dat de kunstenaar zich altijd moet houden aan wat hem is geleerd.
De belangrijkste stappen zijn: eerst de figuur schetsen met behulp van de "sluitende envelop"-methode om de verhoudingen aan te passen en de houding van een figuur vast te leggen; vervolgens zorgvuldig de individuele rondingen en bollingen van de contouren tekenen en de belangrijkste interne kenmerken van de figuur toevoegen; en ten slotte texturen en waarden rondom deze kenmerken opbouwen om het spel van licht en de driedimensionale illusie van een menselijke vorm vast te leggen. Er zijn geen anatomielessen of handleidingen voor het tekenen van specifieke onderdelen zoals de mond of handen – Ryders methode lijkt zelfs ontworpen om sterke figuurtekeningen te maken zonder enige anatomische training. Toontekenen met grafiet is de enige weergavetechniek die wordt gedemonstreerd. Je leert een tekenmethode, geen details van de menselijke figuur of een verscheidenheid aan tekengereedschappen.
Ryders methode is nauwgezet — hij besteedt "twaalf sessies van drie uur aan elke voltooide figuurtekening" — en zijn stapsgewijze strategie om de figuur in te pakken is vergelijkbaar met het inpakken van de figuur in krimpfolie. Het levert gepolijste, klassiek evenwichtige, perfect geproportioneerde en enigszins stijve tekeningen op die doen denken aan Ingres en andere academische tekenaars. Ryders aanpak lijkt echter tekenen in slow motion te presenteren, en zodra je de flow en tactieken van het tekenen onder de knie hebt, is het gemakkelijk om de methode aan te passen aan je persoonlijke stijl en geschikt te maken voor botanische, dierlijke of portrettekeningen.
Edwards, Dodson en Ryder lijken op elkaar in hun summiere bespreking van tekenmaterialen en de verscheidenheid aan visuele texturen die daarmee kunnen worden gecreëerd. Deze ambachtelijke kant van het tekenen wordt prachtig gedocumenteerd in The Drawing Book van Richard McDaniel . Dit boek maakt deel uit van dezelfde reeks als David Deweys fantastische aquarelboek en volgt hetzelfde recept: een uitgebreide (50 pagina's!) bespreking van materialen, de basisprincipes van tekentechnieken, demonstratie- en instructietekeningen, een kijkje in mixed media en voorbeelden van fraaie tekeningen van andere kunstenaars.
Het hoofdstuk over materialen is een genot om door te bladeren. McDaniel behandelt alles tot in detail en met enthousiasme, van enorme Sennelier houtskoolblokken en vintage tekenpapier tot vulpennen en houtkrijt. Er is zelfs een hoofdstuk over computergegenereerde kunst. Alle basis (en vele exotische) tekentechnieken worden gepresenteerd in zeer heldere tekst met zeer duidelijke foto's; ik vond het geweldig hoe voorbeelden van de verschillende soorten schetstexturen werden aangegeven door het tekeninstrument dat de textuur produceerde in de rechterbenedenhoek van de afbeelding te plaatsen. Een boek dat met zoveel zorg is ontworpen, is op zichzelf al een kunstwerk.
McDaniels bespreking van tekentechnieken is eveneens zeer uitgebreid. Hij demonstreert de belangrijkste tekenstijlen – contour, stippel, arcering, mengen – meestal in twee verschillende materialen, zoals pen en potlood. Hij legt een verband tussen tekenen en schilderen door middel van bepaalde tekentechnieken (zoals droge washes met grafietpoeder of nat mengen met aquarelpotloden), tekenmaterialen met schilderkunstige eigenschappen (zoals olieverfstiften) en het gebruik van voorbereidende tekeningen om de opzet van een schilderij te bepalen. Er is dan ook veel informatie te vinden die specifiek interessant is voor de schilder. Daarnaast wordt er positief ingegaan op gummen als tekengereedschap (om lichteffecten of de textuur van lijnen aan te passen) in plaats van als uitwisgereedschap (dat alleen gebruikt wordt om "fouten" te verwijderen).
Deze vier boeken hebben zeer verschillende doelen en behandelen zeer uiteenlopende onderwerpen. Ik raad u ten zeerste aan ze alle vier door te nemen (of te beginnen met Edwards of Dodson). Tekenen is de basisvaardigheid voor zowel het zien als het schilderen van wat je ziet, en de diversiteit in deze boeken is een indicatie van de rijkdom van de tekenkunst. Zelfs met een bescheiden investering in tijd en moeite zul je enorm veel artistiek voordeel behalen door de uitdagingen en beloningen van het tekenen te onderzoeken. (Voor tekenen in de buitenlucht, zie ook The Sierra Club Guide to Sketching in Nature .)
Alles wat je ooit wilde weten over aquarelverf, samengesteld door Marian Appellof – Bijna alles wat ik over dit 400 pagina's tellende kunstboek wil zeggen, wordt samengevat door het woord 'ooit' in de titel. Dit is alles wat je ooit over aquarelverf wilt weten, en nog veel meer. Misschien is het zelfs wel te veel.
Het redactionele concept was om een beroep te doen op de grote groep auteurs van Watson-Guptill voor een hoofdstuk of twee over onderwerpen die aansloten bij hun expertise, georganiseerd als een reeks hoofdstukken die functioneert als een handleiding of complete cursus aquarel. Stephen Quiller legt basiskleurtermen en 'kleurentheorie' uit; Jeanne Dobie beschrijft een palet van 'zuivere pigmenten' en hoe je groen en lichtgrijs mengt; Don Rankin legt glazuurtechnieken en eenvoudige textuurmethoden uit; Maxine Masterfield legt ongebruikelijke media en complexe textuurtechnieken uit; en Charles Reid , Don Andrews en Alex Powers leggen de compositie en weergave van figuren en portretten uit.
Mijn grootste beginnersfout was dat ik met dit boek begon ("ach, als het alles bevat, dan heb ik maar één boek nodig"). Met een lijst van meewerkende kunstenaars die helemaal tot aan de voorkant doorloopt, en hoofdstukken over alles van verfkeuze tot dertig verschillende manieren om huidtinten te mengen, is Appellofs bloemlezing overweldigend door de enorme hoeveelheid en diversiteit aan informatie. Ik raakte de weg kwijt, verloor mijn interesse en heb meer dan een jaar niet meer met aquarelverf gewerkt.
Toen ik eenmaal een gevorderd niveau had bereikt, bleek dit een geweldig naslagwerk te zijn voor gereedschap, kunststijlen en oplossingen voor specifieke problemen. De opmaak is overzichtelijk met veel illustraties en de tekst is zorgvuldig geredigeerd om het advies van verschillende kunstenaars (en hun boeken) in een consistente toon te presenteren. Een paar hoofdstukken, bijvoorbeeld de pagina's van Irving Shapiro over papier en penselen, halen niet hetzelfde niveau als de rest; en sommige basistechnieken, zoals aquarelwashes , worden summier of gefragmenteerd uitgelegd.
Appellofs bloemlezing laat de lezer de enorme verscheidenheid aan effecten zien die mogelijk zijn met aquarelverf. Alle kunstenaars in Appellofs werk zijn echter meesters in hun vak, geen amateurs zoals de meesten van ons. Tenzij je zeker bent van de richting die je kunst opgaat en openstaat voor nieuwe perspectieven, kan de hoeveelheid advies die Appellof samenbrengt je artistieke zelfvertrouwen overweldigen.
