boeken

Wunderlich legt de basiselementen uit die nodig zijn voor het maken van overtuigende plantenportretten: de keuze van het onderwerp, het inrichten van een werkruimte, hoe je planten tekent, het schilderen van planten met waterverf, en het monteren en inlijsten. Zoals Wunderlich aangeeft, werden sommige van deze basistechnieken al eeuwen geleden ontdekt en gestandaardiseerd.

Het hoofdstuk over het tekenen van planten, dat op zichzelf al ongeveer een kwart van de tekst beslaat, lost perspectiefproblemen op met een analyse van de geometrische vormen van blad en bloem. Met behulp van de Euclidische hulpmiddelen passer en liniaal laat Wunderlich zien hoe je de veelhoekige omtrek van een complexe vorm nauwkeurig kunt vastleggen, de regelmatige geometrische vormen (ellipsen of spiralen) die erin herhaald worden kunt schetsen, en vervolgens de details van individuele bloemblaadjes of onderdelen kunt uitwerken. De tekenproblemen die ontstaan ​​door de textuur van planten en verstrengelde of overlappende stengels worden uitgebreid besproken. Ze is een uitstekende tekenaar en haar methoden zijn uitermate geschikt om een ​​nauwkeurig tekenoog en -hand te ontwikkelen .

Het boek bevat een groot aantal demonstratieschilderijen, die laten zien hoe je veel verschillende soorten fruit en groenten, bloemen, varens en klimplanten, paddenstoelen, bollen en wortels, boomschors en dode bladeren kunt schilderen. De kern is om meerdere lagen verf aan te brengen om geleidelijk de juiste waarde en tint voor de plant op te bouwen. Dit kan een beginnende schilder afschrikken, die beter kan beginnen met het boek van Jan Kunz (zie boven) — maar het is de beproefde methode om een ​​plantafbeelding precies goed te krijgen.

Belangrijke aspecten van het ambacht worden onvoldoende besproken, te beginnen met een teleurstellend oppervlakkig overzicht van artistieke materialen. Het hoofdstuk over kleuren mengen bestaat uit weinig meer dan een kleurencirkel en een lijst met verfsoorten; de lezer zal een goed kleurencirkelboek nodig hebben om de twee te combineren. Het vastleggen van de ontwikkelingsgeschiedenis van een plant is een van de belangrijkste thema's in botanische illustraties, een aspect dat deze afbeeldingen vaak tot zulke aangrijpende meditaties over tijd, seizoenen en de vergankelijkheid van schoonheid maakt, maar dit alles wordt slechts terloops genoemd.

Desondanks worden de meeste hoofdpunten zeer goed behandeld: en door dit boek door te werken, verwerft u een goede basiskennis van botanische illustratie, waardering voor het ambacht en het geduld dat het vereist, en een solide basis voor de levenslange studie die het biedt en ruimschoots beloont.

Kristal en bloemen schilderen in aquarel door Susanna Spann – Waar Paul Jackson vaag blijft over het aanbrengen van meerdere lagen verf om donkere en perfect gecontroleerde tinten te bereiken, neemt Spann alle mysterie weg. Controle (wat vroeger afwerking werd genoemd ) staat centraal, en Spann oefent al haar controle uit door middel van nauwgezette camera-instellingen (ze schildert blijkbaar geen bloemen die in het veld zijn gefotografeerd) en zorgvuldige gelaagdheid van de tinten. De rest is geduld, lichte penseelstreken – en een spectaculaire beheersing van de randen. Het resultaat is prachtig om naar te kijken, aantrekkelijk om na te bootsen en leuk om van te leren.

Spann (net als Jackson, Carolyn Brady of Joseph Raffael ) is een meester in het maken van kleurrijke, contrastrijke en licht gestileerde schilderijen, gebaseerd op foto's. Dit soort schilderijen is de afgelopen jaren ongewoon populair geweest op aquareltentoonstellingen en onder verzamelaars. Haar formule is vrij eenvoudig: kies een simpele schikking van bloemen en kristal, plaats deze tegen een effen donkere achtergrond, manipuleer de belichting om doorschijnende en sprankelende contrasten te creëren, fotografeer de foto, snijd hem vervolgens bij en vervorm hem om dramatische details en een dynamische compositie te verkrijgen. Maak een nauwgezette aquarelkopie (in het grootst mogelijke formaat) en doe mee aan een jurytentoonstelling. Elk van deze stappen wordt zorgvuldig uitgewerkt in een fraaie en overzichtelijke lay-out. De demonstratieschilderijen zijn bijna net zo gedetailleerd als die in het boek van Dawn Heim ; er is weinig aan het toeval overgelaten. Vooral gevorderde beginners zullen grote vooruitgang boeken door Spanns eenvoudig te volgen instructies.

Dit is het tegenovergestelde van de losse aanpak van Charles Reid of Skip Lawrence . Elk spoor van uitlopende verf, druppels, pigmenttextuur en penseelstreek wordt weggelaten. Helaas beschrijft Spann niet de trucs om perfect egale verflagen te creëren (afgezien van het gebruik van ongebruikelijk kleine penselen), maar ze is wel de remedie voor wat je de angst van beginners voor vloeiende verf zou kunnen noemen. Wat Spann zelf motiveert om honderden soortgelijke schilderijen te maken, is haar liefde voor de uitstraling van bloemen en kristal. Deze onderwerpen laten haar schildermethode zeker het best tot zijn recht komen.

De kunstenaar van North Light en haar redacteur ( geboren Jennifer Lepore) raden nu alleen nog lichtechte pigmenten aan (geen woord over alizarinekarmijn of aureoline). De volgende uitdaging is het onderscheid te maken tussen pigmenten, verf en "kleuren" . Sommige verf-"kleur"namen ("gele oker", "Pruisisch blauw") zijn namen van gangbare pigmenten die doorgaans erg op elkaar lijken, ongeacht de fabrikant of de tijd waarin ze gebruikt zijn. Andere "kleur"namen ("sapgroen", "Indiaas geel") zijn historische namen van pigmenten die niet meer in gebruik zijn, maar vervangen door moderne, enkelvoudige pigmenten of mengsels van verschillende pigmenten, waardoor de verfkleuren van verschillende fabrikanten verschillen. Weer andere namen ("Winsorrood", "Thalorood") zijn merknamen of handelsmerken die fabrikanten behouden, hoewel ze in de loop der tijd de pigmenten in de verf kunnen veranderen, waardoor het uiterlijk en de eigenschappen van de "kleur" veranderen.

Spann en Lepore-Kardux proberen dit probleem op te lossen door te stellen dat ze uitsluitend verwijzen naar verf van Winsor & Newton en Daniel Smith. Maar de juiste oplossing is om de pigmenten in elke verf te identificeren aan de hand van de kleurindexnaam, zodat kunstenaars kunnen controleren wat het etiket betekent en zo nodig vervangende kleuren kunnen vinden. Of, indien nodig: Spann neemt "rose carthame" op in haar "basiskleurenpalet" – een kleurnaam (en een verf) die Winsor & Newton jaren geleden uit het assortiment heeft gehaald. (Het lijkt wel of elke redacteur in slaap valt.) Hoe zag de oude rose carthame-verf eruit? Waarschijnlijk een soort roze substantie... maar zonder de kleurindexnaam van de pigmenten waaruit het gemaakt was, zul je het nooit weten.

Het creëren van schitterende aquarellen door Judy Treman – Wat je ook mag denken van de kunststijl van Barbara Nechis of haar ideeën over creativiteit, het is zeer informatief en stimulerend om haar boek en dat van Judy Treman tegelijkertijd te lezen.

Treman staat stilistisch gezien lijnrecht tegenover Nechis of Skip Lawrence : haar schilderijen zijn nauwkeurig omlijnd, zorgvuldig ingevuld en tonen veel respect voor de lokale kleuren. Ze gebruikt violet voor al haar schaduwen en geeft haar bloemen een porseleinachtige stijfheid. Wanneer Nechis spreekt over de methodische "directe schilders" die elk gebied omlijnen en vervolgens invullen volgens een masterplan, dan past Treman zeker in dat plaatje.

Het is dus fijn om te zien dat Treman net zo dol is op schilderen, creativiteit en de vrijheid van kunst als Nechis. Treman is gek op heldere kleuren en beheerst de glazuurtechnieken die nodig zijn om ze te creëren. Het technische advies dat ze geeft is zeer effectief en goed georganiseerd. Ze leidt de lezer door het proces van het kiezen van verf, het maken van teststalen voor kleur, het beitsen, dekkendheid en mengen, en het maken van een kleurencirkel (ze gebruikt voornamelijk Winsor & Newton-kleuren). Dit leidt tot het mengen van kleuren, het gebruik van glazuur en washes (de eerste om kleur op te bouwen, de tweede om basisschaduwen of "verdwijnend paars" te schilderen die draperie en volume modelleren), en het uitvoeren van grote ontwerpen.

Treman behandelt haar onderwerpen in hoofdstukken of hoofdstuksecties met pakkende titels zoals 'Waarden bieden structuur' of 'Verzacht buisgroen'. Haar besprekingen van waarde en compositie zijn zeer grondig; zwart-wit reproducties helpen ons de waardestructuur van de schilderijen te zien. De algehele opbouw van de onderwerpen is effectief en natuurlijk.

Treman heeft alleen haar schilderstijl om over te brengen; als je van sfeervolle kleuren, losse penseelstreken of schilderachtige washes houdt, dan zal dit boek je niet veel helpen. Maar elk onderwerp dat Treman behandelt, wordt helder en gezaghebbend uitgelegd, waarbij haar diepe liefde voor schilderen op elke pagina duidelijk merkbaar is. Deze ene les – dat je je schilderplezier in de gaten moet houden – is er een waar de beste kunstenaars het over eens lijken te zijn.

De Sierra Club-gids voor schilderen in de natuur van Cathy Johnson – Schilderen in de buitenlucht is een heerlijke bezigheid, en dit boek laat de geneugten ervan beter zien dan welk ander boek dan ook dat ik ken. Johnson beschrijft elk detail met enthousiasme en eenvoud, met zoveel aquarelillustraties dat het lijkt alsof we in haar schetsboek kijken.

Het boek begint met een algemene bespreking van de geneugten en problemen van schilderen in de buitenlucht, duikt vervolgens in verfsoorten en het mengen van kleuren, en ten slotte in het gebruik van aquarelverf in het veld. Schilderen wordt besproken in de context van schetsen en het observeren van de natuur, waarbij specifieke schilderproblemen worden gekoppeld aan de zichtbare aspecten van de landschapsstructuur, het vastleggen van de veranderende lichteffecten en de inspirerende relatie tussen een individuele kunstenaar en een specifieke buitenomgeving. Het boek sluit af met enkele richtlijnen voor het analyseren van natuurlijke vormen – de texturen van wolken, de vormen van bloemen of verschillende boomsoorten, de anatomische details van dieren.

De Gids voor Schilderen is bijna geschreven (en geredigeerd) in de stijl van een persoonlijke brief of een geïmproviseerde toespraak tot de lezer, waarbij onvoorspelbaar wordt gesprongen van persoonlijke anekdotes naar technische adviezen en illustratieve voorbeelden. Ik voelde me soms ongeduldig door het gebrek aan meer nuttige en diepgaande informatie.

Johnsons The Sierra Club Guide to Sketching in Nature is een onmisbaar aanvullend boek. In dit eerdere werk biedt Johnson meer praktische informatie. Ze begint met gereedschap en materialen en legt duidelijk de basisverschillen uit tussen penselen, papier, potloden en gummen. Vervolgens komt het schetsen aan bod: hoe je een potlood vasthoudt en verschillende lijnen en texturen creëert. In het hoofdstuk "Alles samenbrengen" biedt Johnson oefeningen in gebarentekenen, het bevrijden van creativiteit, het zien van negatieve vormen en andere elementen van artistieke waarneming. Vanuit hier begint ze de principes van het observeren van wilde dieren – plantanatomie en diervormen – te verweven, waardoor het boek evenzeer een gids is om de natuur te bekijken als een les in het tekenen of schilderen ervan.

De bijbehorende illustraties in beide boeken hebben een ontspannen, ietwat onprofessionele uitstraling, zoals die hobbyboekjes voor basisschoolleerlingen waarin wordt uitgelegd hoe je kikkervisjes vangt of een vlieger bouwt. Maar haar woorden zijn vaak levendig en poëtisch, vol inzicht, waardoor je nieuwsgierig wordt naar wat ze nog meer te vertellen heeft.

Het gaat niet om de studio: het draait erom buiten te zijn en de natuur te observeren. Wat ik zo bewonder aan Johnsons prachtige boeken is haar grote aandacht voor de details van planten, dieren en wolken, en haar overtuiging dat het genieten van kunst en de liefde voor het observeren van de natuur complementaire passies zijn.

Carlsons gids voor landschapsschilderkunst van John F. Carlson – Landschap is een van de belangrijkste genres in diverse media, maar om de een of andere reden zijn er weinig uitgebreide boeken over landschappen in aquarel (veel zijn inmiddels uitverkocht). Carlsons gids, voor het eerst gepubliceerd in 1929, vele malen herdrukt en veelvuldig gebruikt door kunstdocenten in de VS, gaat ervan uit dat de schilder met olieverf werkt ("aquarel is een medium voor meesters," waarschuwt hij), maar de meeste tekst is algemeen genoeg om ook voor aquarelschilders van pas te komen.

Carlson wil het 'landschapsgevoel' van de schilder ontwikkelen, het vermogen om de sensuele schoonheid van de natuur vast te leggen – het 'zweven' van een wolk, de zwaarte van de aarde. Om dit te bereiken, analyseert hij de landschapstexturen van licht, wolken, bomen en grond tot op de basisprincipes. Het uiterlijk van wolken varieert afhankelijk van hun soort en positie in de lucht. De helderheid van de grond varieert afhankelijk van de hoek ten opzichte van het licht en de kijker. De kleur van de lucht verandert richting de horizon in een reeks kleuren, zoals een regenboog. Begrijpen hoe je een boom schildert, betekent begrijpen hoe een boom groeit.

In vergelijking met recente kunstboeken maakt Carlson veel gebruik van tekst: er zijn geen foto's of stapsgewijze instructies ("om boomtakken te maken, houd je een paletmes zo vast! "). De meeste illustraties zijn potloodschetsen. Maar ik heb nergens anders perspectief (lineair en atmosferisch) of de effecten van licht op de waarde zo goed uitgelegd zien worden. Het ogenschijnlijke nadeel van de editie die ik heb – alle illustraties zijn in zwart-wit – draagt ​​juist bij aan de nadruk op de waarde in Carlsons schilderijen.

Carlson is van mening dat de schoonheid van een landschap voortkomt uit onze waardering voor de fysische en biologische wetten van de natuur – een benadering die voor het eerst werd gepropageerd door Thomas Eakins . De vaardigheid om deze wetten weer te geven door middel van licht, kleur, vormen en perspectief in een schilderij, wordt "het landschapsgevoel" genoemd. Het is opmerkelijk dat een kunstenaar fysische wetten presenteert als de wetten van de kunst, maar Carlson laat zien hoe nuttig deze benadering kan zijn.

Trevor Chamberlain: Licht en atmosfeer in aquarel door Trevor Chamberlain & Angela Gair – Het is niet verwonderlijk dat 'het schilderen van licht' een terugkerend thema is in boeken over aquarel, omdat aquarel voor zijn effecten afhankelijk is van het licht op wit papier.

Ik heb Marilyn Simandles prachtige boek over dit thema al eerder genoemd, en Trevor Chamberlain is een andere kunstenaar in dezelfde geest. Net als Simandle, Lucy Willis of Rita Derjue heeft Chamberlain een verleidelijk eenvoudige stijl van aquarel en penseelvoering die zijn wonderbaarlijk precieze gevoel voor waarde en kleur verbergt. De gemoedelijke, beschouwende toon – in de geest van een kunstleerlingschap, waarbij de meester ons zijn geheimen leert – is de consistente redactionele stijl van andere delen in de Atelier-serie van de uitgeverij.

De tekst bevat een aantal zeer interessante technische tips, verweven in Chamberlains persoonlijke verhaal. Het grootste deel van de discussie gaat over landschaps- en zeeschilderkunst, en we krijgen Trevors advies over het afschrikken van toeschouwers, het aanpassen aan veranderingen in getijden of licht, schilderen in de buitenlucht en de keuze van verf en papier. Voor Chamberlain hangt de transparantie van aquarelverf af van het exact goed krijgen van de toonwaarden in één keer, in plaats van de kleuren te vertroebelen door correcties. Dit maakt zijn schilderijen des te opmerkelijker, omdat ze ter plekke worden voltooid, met zeer weinig nabewerking.

Het meeste wat ik uit dit en soortgelijke boeken heb geleerd, komt voort uit een zorgvuldige bestudering van de vele voltooide schilderijen – landschappen, zeegezichten, naakten en bloemstukken. Als je de basisprincipes van aquarel kent en Chamberlains kleurenpalet in gedachten houdt, is het niet moeilijk om te achterhalen hoe elk schilderij is gemaakt, aangezien alles in de penseelstreken te zien is. Maar probeer zelf een paar van deze schilderijen na te schilderen, en je zult al snel de geheimen van kleur en licht-donkercontrast gaan waarderen die Chamberlain tot ingetogen perfectie heeft ontwikkeld.

Aquarelportretten schilderen door Al Stine – Portretten vereenvoudigen het schilderen tot een handvol belangrijke taken. De artistieke uitdaging is om een ​​herkenbare gelijkenis te creëren die tegelijkertijd een interessant schilderij is. De menguitdaging is om de kleur van de huid, in al zijn raciale en temperamentvolle variaties, in licht of schaduw weer te geven. De ontwerpuitdaging is om het gezicht in een interessante omgeving en met de juiste belichting te plaatsen. En de belangrijkste tekenuitdagingen zitten in de gezichtsuitdrukking en -kenmerken – neus, mond, ogen, oren. (Handen worden meestal niet weergegeven.) Beheers deze dingen, en je bent op de goede weg.

Het mooie van Stine's presentatie van deze basisprincipes is dat hij niet alles tot in de kleinste details uitwerkt. Hij legt net genoeg uit zodat we de essentie van de oplossingen begrijpen. Hij beschrijft voldoende verschillende recepten voor huidtinten om ons het basisidee te geven dat het een kwestie is van het mengen van een koel rood, een aardgeel en een blauw. Hij analyseert gelaatstrekken in componentvormen en wijst op een paar subtiliteiten bij het tekenen van het oog of de mond. De rest kunnen we zelf wel uitzoeken.

Er zijn veel demonstratieschilderijen die ons laten zien hoe we het gezicht van het onderwerp het beste kunnen belichten, het aandachtspunt kunnen bepalen, de vormen kunnen ontwerpen en het schilderij als geheel kunnen opbouwen vanuit de basis van huidtinten. De impliciete les is dat een portret één geheel vormt. Stine gebruikt een soort slordige achtergrondtechniek die ik niet mooi vind, maar deze nonchalante aanpak heeft als voordeel dat de focus (en het grootste deel van de schilderinspanning) op het gezicht blijft.

Hoewel Stine veertig verschillende portretten presenteert als demonstratieschilderijen of voltooide werken, verschilt elk schilderij in zekere zin van de andere. Dit komt wellicht doordat er in het boek geen eenduidige 'regel' of een reeks gestandaardiseerde technische instructies te vinden is. Stine wil dat we flexibel zijn in onze schildermethoden, zodat we een individuele benadering kunnen kiezen voor de personen die we schilderen.

Basistechnieken voor het schilderen van texturen in aquarel, samengesteld door Rachel Rubin Wolf – Ik ben nooit echt geïnteresseerd geweest in boeken die je leren hoe je allerlei alledaagse texturen kunt nabootsen. Het lijkt me een vreemde ambitie om kattenvacht of een gedeukte, roestige emmer zo te schilderen dat mensen zeggen: "Wow, die kat in de emmer ziet er zo echt uit!" Maar mensen willen het graag... er zijn talloze boeken over 'hoe je texturen schildert'.

Aquarellen zijn in het genre van de botanische schilderkunst altijd nauw verbonden geweest met realisme , waardoor boomschors en gras centraal staan ​​bij het nabootsen van natuurlijke texturen in aquarel. De uitdaging is altijd om de artistieke impuls te laten prevaleren boven het verlangen naar letterlijke imitatie.

Het boek van Wolf is zeker de moeite waard, omdat haar idee van textuur erg eclectisch is. Het is een compilatie van textuurtechnieken van drie kunstenaars en gaat niet zozeer over het imiteren van texturen (hoewel de roestige emmer er wel in voorkomt), maar meer over de rol van textuur in ontwerp en compositie, en de verschillende texturen die je kunt maken met penseel, papier, paletmes, scheermesje, huishoudfolie, zout, schuurpapier... je snapt het wel.

Het meeste boerenwerk in Wolfs boek (messing bed, slowcooker, oude schuur, roestige dorsmachine, droog gras, en dan is er die verdomde emmer!) is van de hand van de overtuigde realist Michael Rocco. Wolf combineert deze letterlijke texturen met schilderijen van Eric Wiegert en Judi Wagner, die juist de tegenovergestelde richting opgaan: impressionistisch en met een zeer vrije penseelvoering. Dit geeft het boek een soort gespleten persoonlijkheid – de ene kant gericht op de roestige emmer, de andere op bloemen en landschappen, geschilderd in uitbundige kleurspatten.

Wolf erkent dat de aantrekkingskracht van kunst schuilt in de mogelijkheid om totaal verschillende stijlen te omarmen. Door diverse technische methoden samen te brengen, hoopt ze dat de variatie stimulerend zal werken. Zoals ze in haar inleiding schrijft: "We werken allemaal met een vrij vergelijkbare en basale set hulpmiddelen voor het maken van kunst... dit boek geeft je tientallen ideeën en technieken om je creativiteit een boost te geven."

Het boek Painting Realistic Watercolor Textures van Michael Rocco is veel stelliger in zijn visie op wat textuur kan doen: het kan realisme creëren. In zijn inleiding maakt Rocco duidelijk dat hij de impressionisten en dergelijke waardeert, maar dat realisme blijvend is. (Een blik op hedendaagse aquarelschilders laat zien dat velen het met hem eens zijn.) Dus er is niets anders te doen dan aan de slag te gaan en die bladnerven te schilderen.

Rocco's lessen bieden de student aandachtige begeleiding. Het eerste deel ("Het schilderen van zesentwintig populaire texturen") is zeer overzichtelijk opgebouwd: elke textuur wordt getoond in een voltooid werk, in een close-up die enkele details van de textuur verduidelijkt, en ten slotte in stapsgewijze afbeeldingen die laten zien hoe de penseelstreken en glazuurtechnieken worden toegepast. De bijschriften wijzen op specifieke aspecten van de penseelvoering, kleurkeuze, belichting en waarde.

Het tweede deel, bestaande uit elf demonstratieschilderijen, richt zich op de organisatie van het gehele beeld – de volgorde van het schilderen van grote verflagen, het balanceren van de waarden van de belangrijkste vormen – en laat, zonder het expliciet te zeggen, zien dat realisme afhankelijk is van een solide basis van waarden en tinten voor de microscopische details van blad en roest.

Je moet ambitieus zijn om Rocco's boek aan te pakken. Als je echt van plan bent om hoog gras te schilderen – in het gras en als silhouet tegen vergrijsde, kale planken – dan ben je een heel eind op weg. Maar Rocco wekt de wens op om de ervaring van het realisme te proberen, omwille van het realisme zelf en vanwege de hoge mate van vaardigheid en geduld die nodig is om het goed te doen.

Voor een beginnershandleiding over het textureren van citrusvruchtenschillen, bladeren, veren en vacht, kun je het boek van Dawn McLeod Heim raadplegen .

Hoe je zelf aquarelverf maakt door Nita Engle – Het thema van dit bestverkochte aquarelboek draait eigenlijk om "experimentele technieken om realistische effecten te bereiken". Het belangrijkste verschil tussen Engles aanpak en die van Rocco is haar passie voor de willekeurige patronen die mogelijk zijn met losjes gecontroleerde verflagen, gespoten water en verf, en verf aangebracht met stokjes, touw, stijve penselen, plasticfolie en andere hulpmiddelen.

Engles geheime wapen is maskoid (of geschilderde resist), waarmee ze belangrijke witte tinten op het papier behoudt totdat de meeste kleurvlakken zijn aangebracht. Haar 'twaalfvoudige' washes zijn zeer uitgebreide procedures waarbij drie of meer verschillende kleuren worden gemengd in een complex proces van weken, spuiten en rondklotsen. Ze creëren fijne regenboogsluiers en wervelingen die zonlicht door wazig water of mistige bossen nabootsen. Voeg wat zout toe, kras wat takken met een gerafelde stok, verwijder alle maskoid... en daar is je schilderij.

Halverwege het boek zou je tot de conclusie kunnen komen dat Engles methode eigenlijk alleen werkt voor brekende golven, mistige landschappen, wazige zonsondergangen en ijzige sneeuwlandschappen. Maar tegen het einde van het boek zul je wellicht het gevoel hebben dat niemand deze sentimentele vergezichten beter schildert dan zij.

Nou, bijna niemand. Ik moet de spiegelbeeldige overeenkomsten noemen tussen de schilderijen, methoden en thema's van Engel en die in Fill Your Watercolors with Light and Color van Roland Roycraft – dat 9 jaar vóór Engel's boek verscheen. Deze overeenkomsten zijn zo talrijk en zo intiem (tot aan de exacte plaatsing van exact dezelfde Winsor & Newton-verf op exact hetzelfde witte slagerspalet) dat het overduidelijk is dat een van deze kunstenaars de ander schaamteloos imiteert, zonder de eer te geven die hem toekomt. (Bezoekers van deze site getuigen dat de volgorde waarin de boeken zijn gepubliceerd mogelijk niet de werkelijke prioriteit aangeeft.)

Laatst herzien 08.1.2015 • © 2015 Bruce MacEvoy