aquarelkunstenaars
​

Emil Kosa jr. (1903-1968) , de oudste schilder die met de groep geassocieerd werd en nauwer verwant was aan de vorige generatie kunstenaars, werd geboren in Parijs, groeide op in Tsjecho-Slowakije en volgde met tussenpozen een kunstopleiding aan de Academie voor Schone Kunsten in Praag, het California Art Institute (Los Angeles), L'École des Beaux-Arts (Parijs) en ten slotte aan de Chouinard School of Arts, waar hij Millard Sheets ontmoette , die zijn carrière richting een professionele kunstcarrière stuurde. Kosa werd in de jaren 30 een actief exposerend lid van de California Watercolor Society, maar nam een ​​baan aan bij de afdeling speciale effecten van Twentieth Century Fox Studios, waar hij werd gepromoveerd tot art director voor grote films zoals Cleopatra (1964). Hij bleef schilderen, exposeren, lezingen geven en prijzen winnen gedurende zijn filmcarrière, en vond zelfs tijd om les te geven aan het Otis Art Institute (1939) en Chouinard (1947). Old Berg (ca. 1940, 80x98 cm) is typerend voor Kosa's figuratieve stijl van stadsgezichten en landschappen, vaak geschilderd contrejour (tegen het licht in) met sterke contrasten tussen licht en donker. Kosa gaf de voorkeur aan een complexere beeldtaal dan tijdgenoten zoals Edward Hopper , met een specifieke focus op de effecten van licht op kleur en waarde.

Phil Dike (1906-1990) , die wordt beschouwd als een van de oprichters van de groep, werd geboren in Redlands, Californië, in een kunstenaarsfamilie. In 1924 ontving hij een beurs voor Chouinard, waar hij studeerde onder Clarence Hinkle en kennismaakte met Millard Sheets , Hardie Gramatky, Phil Paradise en Lee Blair. Hij werd in 1927 lid van de California Watercolor Society en ging het jaar daarop studeren aan de Art Student's League in New York City, waar hij les kreeg van George Luks en exposeerde op belangrijke aquareltentoonstellingen. Na een jaar les te hebben gegeven aan Chouinard, studeerde Dike muurschilderkunst en lithografie in Europa (1930-1931) en vestigde zich vervolgens in Los Angeles. Hij was tekenleraar en kleurcoördinator bij Walt Disney Studios (1935-1945), waar hij werkte aan grote animatieprojecten zoals Fantasia en Sneeuwwitje. Daarna was hij docent aan de Brandt-Dike Summer School of Painting in Corona del Mar (1947-1950) en aan Scripps College in Claremont (1950-1970). Een van de tientallen schilderijen die hij tijdens zijn Europese tournee voltooide, Siciliaanse Huizen (1930, 33x41 cm), won de eerste prijs op de tentoonstelling van de California Watercolor Society in 1931. Zoals veel van Dikes schilderijen, neemt het een perspectief aan van bovenaf op de scène, begrensd door een brede horizon aan de bovenkant van het blad. Zijn stijl combineert op vrije wijze rijke aquarelverf, textuurrijke penseelstreken en kalligrafische lijnen voor boomtakken en dakpannen, met nerveuze witte papiervlekjes die de afzonderlijke penseelstreken in het hele beeld accentueren.

Millard Sheets (1907-1989) , algemeen beschouwd als de leider en drijvende kracht achter de California Group, groeide vrijwel vanaf zijn geboorte op de paardenboerderij van zijn grootouders in Pomona, Californië. Hij ontving in 1925 een beurs van Chouinard en ontwikkelde zich snel, wat leidde tot zijn eerste solotentoonstelling in 1929. Met het prijzengeld van een schilderstentoonstelling in San Antonio reisde hij door Zuid- en Centraal-Amerika en Europa, waar hij lithografie studeerde in Parijs. Hij werd in 1929 lid van de California Watercolor Society en groeide al snel uit tot het meest invloedrijke lid. Hij schilderde etnische buurten en stadsgezichten in een dramatische, kleurrijke en impressionistische stijl, losjes gebaseerd op de "Ashcan"-school. Na 1931 vereenvoudigde en zuiverde hij echter zijn schilderkunst. Hij gebruikte beperkt kleurgebruik om sterke contrasten en duidelijk omlijnde vormen vast te leggen, die contrasteerden met elkaar in elkaar grijpende kleurvlakken. Zijn focus verschoof naar het Californische landschap. Zijn Zwarte Paard (1934, 37x56cm) is een fraai voorbeeld van dit soort werken, bijna een herinnering aan de boerderij van zijn grootouders en een eerbetoon aan de eenzame kracht van het paard, dat voor Sheets bijna een totemdier werd. Deze verschuiving weerspiegelde Sheets' groeiende nadruk op abstract ontwerp, dat hij "inherent aan de structuur van het leven" noemde, en het is grotendeels dankzij Sheets, en de invloed die hij uitoefende op andere Californische schilders, dat "abstract ontwerp" zo belangrijk werd in de werkplaatsstijl van aquarelschilderkunst uit het midden van de 20e eeuw, zoals die bijvoorbeeld door Edgar Whitney werd belichaamd .

Sheets exposeerde actief gedurende de jaren dertig – jaarlijks op de aquareltentoonstellingen van de California Watercolor Society en het Art Institute of Chicago – en trad in 1932 toe tot het Scripps Institute in Claremont, Californië. Hij was directeur van de kunstafdeling van 1936 tot 1955 en bouwde de faculteit uit tot een nationaal gerenommeerd instituut. In 1943 werd hij oorlogscorrespondent voor Life Magazine, gestationeerd in India, waar hij de verschrikkelijke hongersnood meemaakte die zijn latere werk een nieuwe ernst gaf. Afterglow Nebraska (1936, 56x76cm) laat echter zien dat Sheets zich al eerder tot een meer elegische of mystieke stijl wendde. Hij ontwikkelde een meer zorgvuldige omgang met de verf, waardoor veel van zijn aquarellen lijken op zijn olieverfschilderijen, die hij beheerst door een uniforme textuur binnen elk belangrijk kleurvlak te creëren. De witte wolken in de lucht en de vleugjes oranje in het struikgewas geven het schilderij een innerlijke warmte en rust, ondanks de drukke visuele textuur, en de waardestructuur blijft sterk aanwezig. Deze stijl leende zich ook uitstekend voor muurschilderingen, en Sheets maakte in de jaren vijftig meer dan honderd muurschilderingen voor banken, scholen en andere openbare gebouwen. Hij werd later directeur van het Otis Art Institute in Los Angeles (1953-1959) en gaf van 1965 tot 1985 talloze schilderworkshops over de hele wereld.

Barse Miller (1904-1973) , een van de meest wereldwijze en begaafde kunstenaars van de groep, werd geboren in New York City en groeide op in een sportief en intellectueel gezin. Hij begon op elfjarige leeftijd met zijn studie aan de National Academy of Design en schreef zich vervolgens in bij de Pennsylvania Academy of Fine Arts in Philadelphia (1920). Dankzij een reisbeurs kon hij twee jaar in Europa studeren, waar hij in 1923 exposeerde op de Salon d'Automne. In 1924 verhuisde hij naar Los Angeles en bouwde daar al snel een succesvolle artistieke carrière op. Hij wijdde zich steeds meer aan aquarelschilderen en muurschilderingen, waaronder diverse voor gebouwen in de omgeving van Los Angeles. Hij doceerde aan de Art Center School in Los Angeles (1932-1942) en werd vervolgens oorlogscorrespondent voor het tijdschrift Life en een gedecoreerde oorlogsveteraan. In 1944 behoorde hij tot de eerste aquarellisten die werden toegelaten tot de National Academy of Design en won in 1947 een Guggenheim Fellowship. Daarna verhuisde hij naar New York, waar hij een lange carrière begon als docent aan Queens College en schilderde hij het landschap van New England. Miller was een begenadigd colorist, maar De Walnootboom (1938, 55x68cm) toont zijn even grote talent voor krachtige compositie als voor subtiele stilering van natuurlijke vormen. De contrasten tussen de geploegde grond, de golvende boom, de gebogen boer en de robuuste schuur zijn zeer geslaagd, en de nuances in de donkere bladeren, aangebracht door perspectiefverkleining, zijn subtiel en precies.

Rex Brandt (1914-2000) , tegenwoordig vooral bekend als een productief auteur van aquarelhandleidingen, werd geboren in San Diego en groeide op in Riverside, Californië. Brandt begon in 1928, toen hij nog op de middelbare school zat, met zaterdagse kunstlessen aan Chouinard. In 1934 schreef hij zich in aan de Universiteit van Californië, Berkeley, waar hij in aanraking kwam met modernistische docenten zoals John Haley en Margaret Peterson (beiden leerlingen van Hans Hofmann ). Vervolgens voltooide hij een postdoctorale studie in de pedagogiek aan Stanford University. " Midday at Kellers" (1935, 41x47cm) is afkomstig uit een serie zomerse aquarellen die hij in en rond Laguna Beach, Californië, maakte tijdens zijn jaren in Berkeley. Het schilderij toont zijn nadruk op toonwaarden in plaats van decoratieve kleuren, zijn ongebruikelijke combinatie van figuratie en abstract ontwerp, en de uitbundige weergave van licht die kenmerkend is voor veel schilders van de California Group. Teruggekeerd naar Zuid-Californië, sloot Brandt zich in 1937 aan bij de California Watercolor Society, gaf hij leiding aan de kunstafdeling van Riverside Junior College (1938-1943) en werd hij in 1939 benoemd tot supervisor van het Federal Art Project in de districten Riverside en San Bernardino. Hij doceerde in 1940 aan de Universiteit van Vermont samen met Barse Miller en Paul Sample, waarna hij terugkeerde naar Californië om aquarellessen te geven aan de Fine Arts Gallery in San Diego en aan de USC in Los Angeles, en om in 1943 een solotentoonstelling te houden in het Los Angeles County Museum. In 1947 richtte hij samen met Phil Dike de Brandt-Dike Summer School of Painting op, die in de zomer buitenschilderlessen gaf in Corona Del Mar, Californië. In 1948 publiceerde hij het eerste van vele boeken over aquarelschilderen, het immens populaire Watercolor With Rex Brandt (dat tot 1965 vele malen werd herzien en herdrukt), waarmee hij zijn nationale reputatie vestigde als een van de meest vooraanstaande aquareldocenten en -kunstenaars. De plein-air schildermethode die door de Brandt-Dike-school werd bepleit, werd door de meeste kunstenaars van de California Group omarmd en werd zeker gestimuleerd door het heerlijke, gastvrije klimaat en de gevarieerde geografie van Californië. Het voedde ook de algemene neiging van deze kunstenaars om snel te werken met grote penselen en nat-in-nat-technieken, en om in krachtige statements te schilderen in plaats van in genuanceerde details.

Verschillende kunstenaars uit de Californische kunstscene hebben hun opleiding genoten en gewerkt in de San Francisco Bay Area. George Post (1906-1997) werd geboren in Oakland, Californië, en groeide eerst op bij zijn grootouders, daarna bij zijn moeder en stiefvader, in Nevada en San Francisco. Hij begon al vroeg met schilderen en schreef zich met een beurs in aan de California School of Fine Arts (1924-1926), waar hij in 1931 zijn eerste solotentoonstelling hield. Hij werkte als goudzoeker in de Sierra Nevada (1933-1935), gaf les aan de Art Students League en kreeg van de WPA de opdracht om bijna twee jaar lang door Californië te reizen en te schilderen wat hij maar wilde, tegen het minimumloon. Zijn stijl ontwikkelde zich in deze jaren en oogstte veel lof van critici. Inmiddels gaf hij de voorkeur aan de "directheid en snelheid" van aquarelverf. Confidence Mine, Tuolumne Co., Californië (ca. 1940, 46x56 cm) geeft een indruk van Posts unieke stijl, waarbij een bijna speels cartooneske tekening in balans is met een sterk gevoel voor visuele patronen. Hij verbindt puur ontwerp en ingetogen kleurenharmonieën met heldere en behendige penseelstreken. Met het geld dat hij had gespaard met zijn WPA-werk, maakte Post in 1937-1938 een rondreis door Mexico en Europa. Begin jaren 40 verbleef hij in de omgeving van Seattle. Tijdens de Tweede Wereldoorlog diende Post als bevoorradingsplanner in Fort Mason, San Francisco. In 1947 werd hij docent aan het California College of Arts and Crafts (Oakland), een functie die hij tot 1972 bekleedde. In 1965 werd een retrospectieve tentoonstelling van zijn werk gehouden in het California Legion of Honor in San Francisco. Decennialang was hij een van de meest actieve en geliefde docenten in aquarelworkshops.

Over geliefde leermeesters gesproken, geen geschiedenis van de Californische schilderkunst zou compleet zijn zonder Dong Kingman (1911-2000) te noemen, de zelfbenoemde "in Oakland geboren inwoner van Hongkong". Zijn geboortenaam was Dong Moy-Jow, maar een kunstleraar in Hongkong gaf hem de schoolnaam King Man (Chinees voor "landschapsstijl"), die hij als zijn publieke alter ego aannam. Kingman, die in Hongkong was opgeleid door de in Parijs opgeleide Szetu Wei, hoofd van de Lingman Academie, keerde in 1929 als tiener terug naar de Bay Area en studeerde aquarel aan de Fox and Morgan Art School. Hij werd in één klap een succes met een solotentoonstelling in de San Francisco Art Association in 1936, waarbij critici zijn werk "gedurfd, vrij en vrolijk" noemden. Look Down the Island (1937, 51x69cm) toont de stijl die zij zo aantrekkelijk vonden. De tekening is heerlijk spontaan, alles gezien vanuit een ietwat dwaas perspectief, het ontwerp opgebouwd uit vloeiende, lange stroken in ingetogen koele of warme okerkleuren, doorsneden door verticale lijnen van helderdere, warme tinten, het geheel samengebracht met texturen van hekpalen, gevelbekleding, ramen en kabbelend water. Elk detail, van die drukke bruine sedan tot de vreemd scheefstaande figuur op de stoep, heeft een eigenzinnige individualiteit en een eigen plek in het verhaal; het schilderij tovert een glimlach van dankbaarheid op mijn gezicht. Kingman schilderde bijna 500 werken voor de WPA en diende tijdens de Tweede Wereldoorlog bij de Office of Strategic Services (de voorloper van de CIA) in Californië. Hij ontving twee Guggenheim-beurzen (1941 en 1956) en vestigde zich na de oorlog in New York om les te geven aan Columbia University en Hunter College (1946-1956). Daarna bouwde hij een carrière op die zich over beide kusten uitstrekte, met jaarlijkse tentoonstellingen in New York City en (na 1970) in San Francisco, diverse adviesopdrachten voor grote Hollywoodstudio's, een periode als cultureel ambassadeur voor het Amerikaanse ministerie van Buitenlandse Zaken (1954), de oprichting van een correspondentiekunstschool en een veelgevraagde workshopleider.

Voor elk van deze kunstenaars heb ik representatieve werken uit de periode 1930-1940 geselecteerd, om een ​​indruk te geven van het soort schilderkunst dat destijds als zo opmerkelijk werd beschouwd. De meeste van deze schilders bleven zich ontwikkelen in de jaren 50 en daarna, hun kunst gevormd door hun individuele ervaringen met militaire dienst, oorlogsprojecten en een dieper besef van menselijk lijden en de verlossende kracht van kunst. Ik wil ook nog vermelden dat veel andere interessante schilders van 1930 tot 1960 verbonden waren aan de California Group: u zult wellicht veel plezier beleven aan het leren kennen van het werk van Lee Blair, Tom Craig, Hardie Gramatky, Tom Lewis, Erle Loran, Phil Paradise, Charles Payzant, Paul Sample en Milford Zornes.

Uiteindelijk werd de kunst van de California Group het slachtoffer van haar eigen populariteit – gelijkgesteld aan trivialisering door ateliers, amateuristische imitatie en de bekrompen mecenaat van conservatieve aquareltentoonstellingen. En de tijden waren veranderd: het gevoel van nationale eenheid en Europese samenwerking dat door de Tweede Wereldoorlog was ontstaan, deed de vele vormen van Amerikaans regionalisme oppervlakkig en provinciaal lijken. Toen de abstract expressionisten in New York op het toneel verschenen, werden de schilderijen van de California Group in vergelijking daarmee teruggebracht tot de status van commerciële illustratie.

Naar mijn mening heeft de California Group een gemengde erfenis achtergelaten voor latere generaties aquarelschilders. De beoefenaars leken vaak te vertrouwen op opzichtige, technisch oppervlakkige effecten en wekten de indruk van improvisatorische virtuositeit door de vele schilderijen die met spetterende en snelle technieken niet tot hun recht kwamen, weg te gooien. Ik heb het gevoel dat ze de ambities van schilders verlaagden van een sterke artistieke visie naar een sterke visuele impact, en dat ze de moeilijke observatie van de wereld verruilden voor de gemakzucht van abstracte ontwerpen . Een paar van de latere docenten van de workshop vervaagden de grens tussen het evangeliseren van populistische kunst en het cultiveren van een goeroe-status.

Dat gezegd hebbende, de California Group bracht hun tijd niet door in New Yorkse bars, waar ze sterke drank dronken, klaagden over Picasso en pathetische uitspraken over hun eigen diepzinnigheid op papier zetten. Ze hadden vaste banen, stichtten gezinnen, hielpen mee aan de opbouw van de Hollywood-filmindustrie, ondersteunden hun gemeenschappen, verfraaiden openbare gebouwen, dienden in de strijdkrachten en werden onvermoeibare en geliefde docenten. Ze waren technisch avontuurlijk en nieuwsgierig en maakten optimaal gebruik van de veelzijdigheid van aquarelverf om nieuwe dingen uit te proberen. Als ware burgerkunstenaars was schilderen voor hen een gemeenschappelijke en collectieve bezigheid en een viering van het regionale licht en landschap waar ze zo van hielden. Ze verdienen het ten volle om in die geest geëerd te worden.

Het beste naslagwerk over de schilders van het Californische landschap, dat inmiddels niet meer verkrijgbaar is, is American Scene Painting: California, 1930s and 1940s , samengesteld door Ruth Lilly Westphal en Janet Blake Dominik (Westphal, 1991).

Laatst herzien 08.1.2015 • © 2015 Bruce MacEvoy