Het verbaast me dat John Marin (uitgesproken als "MARE-in", 1870-1953) vrijwel niet voorkomt in commercieel verkrijgbare kunstboeken; je zult waarschijnlijk naar de bibliotheek moeten gaan om hem te vinden. De belangrijkste publicatie over Marins kunst (de catalogus van de National Gallery uit 1990 van Ruth E. Fine) is niet meer verkrijgbaar en buitengewoon moeilijk te vinden. Het lezen van deze prachtige monografie laat de verbazingwekkende verbeeldingskracht en technische spontaniteit zien die Marin tentoonspreidde in etsen, olieverfschilderijen en vooral aquarellen – die 80% van zijn bekende werken uitmaken.
Marin werd in 1870 geboren in Weehawken (New Jersey), waar hij werd opgevoed door zijn grootouders van moederskant en twee artistiek begaafde, ongehuwde tantes. Zijn moeder overleed kort na zijn geboorte en zijn vader, een onbekwame accountant, was altijd op zakenreis. Marin begon op zevenjarige leeftijd met schetsen en op achttienjarige leeftijd met aquarellen. Tijdens zomerse visreizen naar de Catskills (New York) en schetsreizen door het Midwesten maakte hij vele landschapsschilderijen. In 1892 begon hij als zelfstandig architect, maar in 1899, op 28-jarige leeftijd, stopte hij met dit beroep om zich in te schrijven aan de Pennsylvania Academy of Fine Arts (1899-1901) en de Art Students League (New York, 1902-1903). Zijn carrière begon in 1905 met zijn eerste reis naar Parijs, waar hij vele schilderijen en een prachtige serie etsen maakte, beïnvloed door James McNeill Whistler . Van 1907 tot 1910 exposeerde hij op de jaarlijkse Salon d'Automne , werd lid van de New Society of American Artists in Parijs en ontmoette Amerikaanse critici en verzamelaars, waaronder de fotograaf en kunsthandelaar Alfred Stieglitz (1864-1946) in 1909. Marin keerde eind dat jaar terug naar New York, maar zeilde in de zomer van 1910 terug naar Europa om te schilderen in de Tiroolse Alpen. Stieglitz organiseerde tentoonstellingen van Marins aquarellen in zijn 291 Gallery in New York in 1909, 1910 (Marins eerste solotentoonstelling) en nog vijf keer voordat de galerie in 1917 sloot. Marin trouwde in 1912 en bracht de daaropvolgende jaren door met schilderen in New York City en in de Hudson River Valley, de Adirondack Mountains en de Berkshire Mountains, waarbij hij een zeer individuele landschapsstijl ontwikkelde, geïnspireerd door Paul Cézanne , het Duitse expressionisme en het vroege kubisme. Hij maakte zijn eerste reis naar Maine in 1914 en, gefascineerd door het landschap van Maine, kocht hij een klein, onbewoonbaar eilandje voor de kust van Small Point Harbor, waar hij kampeerde en schilderde tijdens de zomers van 1914, 1915 en 1917; van 1919 tot 1928 bracht hij de zomers door in Penobscot Bay (Deer Isle en Stonington, Maine; nu onderdeel van Acadia National Park). Gedurende deze periode fungeerde Stieglitz als Marins agent en organiseerde hij vele tentoonstellingen en verkopen van zijn werken; deze vroege financiële steun en zakelijke begeleiding stelden Marin in staat zijn artistieke instincten vrij te volgen. (Van 1929 tot zijn dood in 1946 beheerde Stieglitz An American Place, een galerie in New York gewijd aan werken van Marin, Arthur Dove , Georgia O'Keeffe , Charles Demuth , Paul Strand en Marsden Hartley)(en anderen.) Marin bezocht Taos (New Mexico) in 1929 en 1930, maar kocht in 1934 een zomerhuis in Cape Split (Maine). Marin was in de jaren 30 vertegenwoordigd in tientallen publicaties en tentoonstellingen, waaronder de eerste (1933) Biënnale van het Whitney Museum; hij werd in 1942 verkozen tot lid van het National Institute of Arts and Letters en in 1943 tot lid van de American Academy of Arts, en was de belangrijkste kunstenaar die de Verenigde Staten vertegenwoordigde (naast Willem de Kooning en Jackson Pollock) op de Biënnale van Venetië in 1950. Marin kreeg in 1946 een hartaanval en werd vanaf 1951 verschillende keren opgenomen in het ziekenhuis vanwege prostaatkanker, maar bleef werken tot zijn dood in 1953 op 73-jarige leeftijd.
aquarelkunstenaars |
|
Gedurende zijn leven waren stad en natuur Marins favoriete thema's; hij schilderde slechts een handvol portretten of stillevens. Marin was onafhankelijk, grotendeels autodidact en uiterst methodisch in alle technieken die hij gebruikte. Hij componeerde vaak schilderijen of etsen in series, variaties op hetzelfde motief, met een marathonuithoudingsvermogen (vier of meer per dag). Deze snelle uitvoering van verwante ontwerpen lijkt zijn vermogen te hebben gevoed om visuele oplossingen te improviseren voor elke denkbare uitdaging. 
Verschillende series werken hebben betrekking op specifieke bezienswaardigheden of stadsgezichten van New York, in het bijzonder een fascinerende reeks etsen en schilderijen van de Brooklyn Bridge (1912, 47x39 cm). In deze interpretatie combineert Marin donkere kleuren met wit papier met energieke diagonale en transversale penseelstreken; een latere ets van deze afbeelding laat zien hoezeer deze penseelvoering lijkt op de kracht van gekraste lijnen. Toch straalt deze energie een uitnodigende gloed uit, met ultramarijn en roze meekrap, de blauwtinten licht vergrijsd door gebrande sienna, waardoor de brug lijkt te baden in verse regen en het plaveisel glinstert in het licht van de wolken die zich in de late namiddag openen. De grillige straatlantaarns en de oplichtende hemel doen me denken aan Parijs (waar Marin veel van zijn etsen maakte), maar de statige vorm van de brug, haar naïeve en onceremoniële kracht, zijn grootser dan de academische Arc de Triomphe ooit zou kunnen zijn. De omringende rand van aardse grijstinten is kenmerkend voor veel schilderijen van Marin, die vaak worden afgesneden door geometrische randen of banden van losse kleuren die het vage perifere gezichtsveld suggereren dat onze aandacht isoleert en stabiliseert. Deze elementen geven een gevoel van diepte en focus aan het centrale beeld en verwijzen naar de cognitieve en instinctieve onrust die zich altijd aan de randen (en onder de oppervlakte) van de wereld die we zien bevindt.
In 1914 'ontdekte' Marin Maine, en gedurende de daaropvolgende drie decennia bracht hij vele zomers door met het schilderen van de sobere schoonheid van New England. Bijna al deze afbeeldingen tonen de ontmoeting van lucht, zee en rotsachtige kust – de combinatie van noorderlicht, opzwepende beweging en rotsachtige massa, thema's die ook terugkomen in Marins stadsgezichten van New York. De vroege schilderijen gemaakt in West Point (Casco Bay), Maine (1914, 41x49 cm) tonen Marins penseeltechniek op zijn meest verfijnde en vangen tevens de romantische passie van Marins eerste kennismaking met Maine. 
Elke penseelstreek lijkt een expressieve relatie te hebben met alle andere, en de vele penseeltexturen – van brede luchtlagen tot krassen van dennennaalden en droge penseelstreken op stenen – zijn meer suggestief dan beschrijvend voor de texturen in de natuur die ze weergeven. De technische subtiliteit van de kleurmenging op papier, en het contrast in kleurtemperatuur tussen het warme land en de lucht en de koele zee, maakt het eenvoudige beeld des te indrukwekkender. De kwaliteit van het licht dat door de schaduwrijke wolken heen schijnt, over de donkere zee naar het bleke strand op de voorgrond, is verfijnd en subtiel. Tegelijkertijd laat de kinderlijke letterlijkheid van de neerwaartse lichtstralen en de golvende lijnen zien hoe onschuldig en spontaan onze verbondenheid met de natuur werkelijk is. Om Marin te waarderen, moet je de technische details van elk schilderij bestuderen op dezelfde manier als je de woorden van een gedicht zou overdenken. In elk van zijn aquarellen lijkt Marin nieuwe visuele codes te bedenken voor zijn emotionele reactie op de scène, organiseert hij deze codes als elementen van beeldende representatie en vertaalt hij het resultaat in directe, energieke en gemakkelijk leesbare penseelstreken.
De meest indrukwekkende schilderijen van Marin benaderen zowel de stad als de wildernis met een verheven eerbied, vaak door zijn veranderende reacties op een nieuwe omgeving vast te leggen. Woolworth Building No. 28 (1912, 47x40cm) is een van de meer dan dertig schilderijen die Marin van dit gebouw maakte toen de bouw van de toren – bijna twee decennia lang de hoogste ter wereld – bijna voltooid was. 
Marin was net teruggekeerd na vele jaren in het buitenland; het Woolworth-gebouw en de reeds voltooide Brooklyn Bridge waren de New Yorkse bezienswaardigheden die zijn aandacht het meest trokken. Elk schilderij in de reeks toont het Woolworth-gebouw in verschillende bouwfasen, met een toenemende mate van opwinding, lyriek en abstractie. De penseelstreken lijken spontaan, bijna haastig, maar de algehele emotionele impact is wonderbaarlijk scherp. De toren rijst op door de afgewerkte witte stenen buitenkant en de grijze terracotta bekleding naar de roestige top van nieuw ijzer. Het straatniveau bruist van leven en productiviteit, die via perspectieflijnen naar de wortels van de toren vloeien. De hemel trilt van alle mogelijke dageraad en het gebouw straalt de adembenemende ambitie en vernieuwing van het snel voortschrijdende moderne tijdperk uit. Het effect is zalig romantisch en laat zien hoezeer Marin, na enkele jaren in de Oude Wereld te hebben doorgebracht, onder de indruk was van de vruchtbare grootsheid van Amerika.
Drie afbeeldingen kunnen onmogelijk de reikwijdte van de visuele effecten en technieken die Marin in zijn kunst toepaste, weergeven. Eind jaren veertig wees de invloedrijke kunstcriticus Clement Greenberg Marin en Jackson Pollock aan als de twee grootste levende Amerikaanse schilders, maar – in vergelijking met de uitgestrekte doeken en de stijl van de abstract expressionisten en de hippe, jeugdige koelheid van de popart – nam de populariteit van Marins kleine, technisch miniaturistische werken na zijn dood snel af. Maar dat maakt niet uit: de enorme reikwijdte, de emotionele directheid en de technische beheersing van zijn visie zorgen ervoor dat hij ooit weer tot de meest originele kunstenaars van de 20e eeuw gerekend zal worden. Als u eenmaal de omvang en de passie van zijn schilderijen hebt gezien, zal niets te oprecht of te gewaagd lijken om in uw eigen werk te proberen. Ik moedig u aan om de onbegrijpelijk verwaarloosde kunst van deze gepassioneerde Amerikaanse meester op te zoeken en te bestuderen.
De gezaghebbende studie is John Marin van Ruth E. Fine (Abbeville Press, 1990). Momenteel niet meer verkrijgbaar en moeilijk te vinden (het kostte me acht maanden en $150 om er een te bemachtigen), maar uw bibliotheek heeft er wellicht een exemplaar van. De Richard York Gallery in New York heeft een uitstekende kleine catalogus uitgegeven ( John Marin: The 291 Years ) met een scherpzinnig essay van Barbara Rose. In 1987 publiceerde de Kennedy Gallery een mooie kleine tentoonstellingscatalogus, John Marin Watercolors 1929-39, met een essay van John IH Baur. Een recentere aanwinst is Sam Hunters Expression and Meaning: The Seascapes of John Marin (Eaton Fine Art, 1999), die weliswaar beperkt is maar zeker de moeite waard; zijn vergelijkende selectie van aquarellen en olieverfschilderijen van zeegezichten is leerzaam. John Marin's Watercolors: A Medium for Modernism van Martha Tedeschi en andere auteurs is een wonderbaarlijk gedetailleerd overzicht van Marins artistieke carrière en schildertechnieken, hoewel bijna alle schilderijen op kaartformaat zijn afgedrukt. Een biografie van Marin is online te vinden bij de Sheldon Memorial Art Gallery.
