Joseph Raffael (geboren in 1933) groeide (net als John Marin) op als een teruggetrokken en fantasierijk kind in een gezin met alleen vrouwen. Hij begon met tekenen op zevenjarige leeftijd en volgde kunstlessen op de middelbare school en aan het Brooklyn Museum. Van 1951 tot 1954 studeerde hij aan de Cooper Union for the Advancement of Art and Science in New York, en van 1954 tot 1956 behaalde hij een BFA aan de Yale University School of Art onder Joseph Albers (wiens enige commentaar op Raffaels werk blijkbaar was: "Aachh!! Jongen!! SHIT!!!"). Hij werkte als freelance textielontwerper bij de Jack Price Textile Studio, samen met kunstenaars als Carolyn Brady , Audrey Flack en anderen. Van 1958 tot 1960 studeerde hij in Florence met een Fulbright-beurs en begon hij met het schilderen van complexe, kleurrijke aquarellen van bloemvormen. In 1963 hield hij zijn eerste tentoonstelling in New York, met zijn aquarellen van Umbrië. Nadat hij bijna was overleden aan hepatitis, schakelde hij over op 'realistische' afbeeldingen gebaseerd op foto's. In 1966 doceerde hij aan UC Davis en verhuisde in 1969 definitief naar de San Francisco Bay Area. In 1972 begon hij aan zijn serie 'waterverfschilderijen', waarbij hij foto's van lelievijvers van William Allen gebruikte. In 1973 stopte hij met lesgeven om zich volledig aan de schilderkunst te wijden en won hij in 1974 de eerste prijs op de Internationale Biënnale van Tokio. De dood van zijn zoon en zijn scheiding in 1980 brachten hem ertoe zich meer te richten op spiritualiteit, waaronder beelden gerelateerd aan het boeddhisme en het werk van Carl Jung. In 1984 begon hij een relatie met zijn spirituele raadgever, Lannis Wood; ze trouwden in 1986 en verhuisden naar Europa (Provence), waar hij nu woont en werkt met aquarel en acrylverf.
De schilderijen van Raffael zijn vrijwel allemaal op een zeer groot formaat uitgevoerd, beïnvloed door de omhullende verflandschappen van de abstract expressionisten en zijn vroege ervaringen in textielontwerp. Zijn methode is altijd sterk gebaseerd geweest op fotografie – terugkerende thema's zijn onder andere Japanse karpers, water, bloemen, tuinen en lelievijvers – maar de foto's worden altijd zo geïnterpreteerd dat ze schilderkunstige kwaliteiten, in plaats van rauw realisme, naar voren brengen. Veel van zijn vroege schilderijen benadrukken de abstracte patronen van verf die in water tot bloei komt en subtiele en spontane mengsels van waarden en tinten produceert, vaak als achtergrond of decoratief effect rond een letterlijk weergegeven thema. 
Listening Lily (1976, 76x102cm) mengt doffe violet- en bruintinten met helderdere accenten van groen en blauw in zwaar gelaagde achtergrondverf, die elkaar overlappen en vermengen in een subtiele verticale richting die doet denken aan water dat langs een glasplaat stroomt, of de stroming van water in een vijver. De leliebloem is in een meer ingetogen stijl weergegeven, met zorgvuldig gegradueerde kleurovergangen, waardoor ze zich onderscheidt van de achtergrond (Victoriaanse aquarellisten bereikten een vergelijkbaar effect door figuren op de voorgrond in gouache te schilderen tegen een transparant aquarellandschap). De achtergrond en de bloesems zijn niet louter decoratief (hoewel ze bijdragen aan het algehele decoratieve effect): ze symboliseren de aard van water en de complexe lagen materie waaruit de fysieke wereld is opgebouwd. Boven deze complexiteit zweeft de lelie in sereen vloeiende pastelkleuren, een symbool van de spirituele energie die door alle levensvormen stroomt.
aquarelkunstenaars |
|
In 1969 begon Raffael zijn olieverfschilderijen voor te schilderen met tien of meer lagen witte gesso, waarbij hij tussen elke laag schuurde en de olieverf verdunde met terpentine om de verf een doorschijnende glans te geven. (Victoriaanse schilders zoals Arthur Melville bereikten vergelijkbare resultaten door hun papier voor te behandelen met zinkoxideverf.) Vervolgens zocht hij naar aquarelpapier dat een soortgelijk effect zou opleveren. Tijdens een vluchtvertraging op de terugweg van Hawaï in 1976, als onderdeel van een programma ter gelegenheid van het tweehonderdjarig bestaan van Amerika, 
stuitte Raffael toevallig op een lelievijver en fotografeerde deze. In The Color of Transition (1994, 113x173cm) zien we Raffaels stijl in zijn meest letterlijke vorm, met minimale pigment- en watertexturen ten gunste van een kristalhelder, bijna cloisonné-achtig oppervlak. Hij analyseerde de fotografische afbeelding in puzzelstukjes toen hij de potloodtekening maakte; elk stukje werd vervolgens gevuld met een verzadigde laag pure aquarelverf. Hij vulde het hele schilderij, cel voor cel, met een extreem gevarieerd kleurenpalet; soms gebruikt Rafaël wel 40 of meer verschillende verfsoorten in één werk. Nauwelijks zichtbaar in de kleine reproductie die hier wordt getoond, verfraait deze techniek de kleinste details en verheft het beeld door de intense kleuren, waardoor het de grenzen van fotorealisme overstijgt en een mystieke schoonheid bereikt. De compositie is tevens een prachtige combinatie van groen en blauwviolet, met accenten van geel in de centrale bladergroep en een contrasterend textuurpatroon tussen de verticale rietstengels en de wigvormige krans van ronde waterlelies. Alle aspecten van kleur en visuele textuur vloeien samen in een bevredigend monumentaal ontwerp.
Omdat dit enorme werken zijn – vaak in de lengte uit rollen aquarelpapier van ruim een meter breed gesneden – lost het web of raster van prismatische kleuren van dichtbij op in een illusie van visueel realisme vanaf een afstand van enkele meters. Op deze manier vieren de schilderijen zowel het sensuele oppervlak van de visuele wereld als een spirituele intensiteit die eronder schuilgaat. 
Het adembenemende 'Vernal Equinox After the Blooming ' (1995, 178x114cm) lijkt misschien op een verzadigde fotoafdruk of een acrylverfschilderij, maar het is een zorgvuldig uitgevoerde, grote aquarel, gedetailleerd tot aan de individuele dauwdruppels. Geen enkele reproductie kan recht doen aan de krachtig verzadigde kwaliteit van het schilderij, dat van achteren lijkt te worden verlicht, een effect dat aquarelverf bij uitstek kan creëren. Een terugkerend thema in veel van Raffaels schilderijen is het actieve effect van licht – reflecties van dauwdruppels, glinsterend water, de doorschijnendheid van herfstbladeren door het tegenlicht, iriserende kleurovergangen – die Raffael vaak op een onbeschaamd decoratieve, maar tegelijkertijd natuurlijke manier presenteert, passend bij zijn veelzijdige, pure kleurschilderstijl. Helaas verzacht Raffael dit effect door ook de artefacten van de cameraoptiek (de onscherpe bladeren op de achtergrond) weer te geven, en door een enigszins willekeurig kleurgebruik dat voor mij de kracht van het algehele beeld verzwakt. Wat al deze variaties verenigt, is de poging om de wereld in een spirituele zin te zien, waarbij hij vertrouwt op kleurintensiteit en de fysieke grootte van het formaat om onze blik voorbij het materiële oppervlak van de dingen te tillen.
In de Verenigde Staten zijn de werken van Raffael te bezichtigen in de Nancy Hoffman Gallery in New York. Een redelijk goede visuele en bibliografische documentatie van zijn werk, met helaas een zwakke tekst, is te vinden in Reflections of Nature: Paintings by Joseph Raffael van Donald Kuspit en Amei Wallich (Abbeville Press, 1998). Biografisch materiaal, met een overzicht van vroegere en huidige tentoonstellingen, en afbeeldingen van Raffaels atelier, werken in progress en recente schilderijen en prenten, is beschikbaar op de website van Joseph Raffael .
