aquarelkunstenaars
​

Tijdens de Regency-periode werd de status van een schilder steeds meer beïnvloed door de markt voor verzamelbare kunst onder de welvarende stedelijke middenklasse. De verenigingen organiseerden jaarlijkse aquareltentoonstellingen die op hun hoogtepunt nieuwswaardig en drukbezocht waren, en winstgevend voor de leden. Bezoekers konden schilderijen rechtstreeks van de kunstenaars kopen, vaak tegen redelijke prijzen; door hun exclusieve lidmaatschapsbeleid en tentoonstellingspraktijken probeerden de verenigingen de artistieke status (en marktwaarde) van de schilderijen van hun leden te bevorderen en te beschermen. In deze periode begonnen ook de meest vooraanstaande kunstenaars hun eigen tentoonstellingen te organiseren in particuliere kunstgalerieën of gehuurde ruimtes, en samen te werken met een klein aantal kunsthandelaren. Deze tentoonstellingen en marktinnovaties definieerden een nieuw kunstproduct tussen goedkope lithografieën en dure olieverfschilderijen, en vormden een overgang tussen het mecenaatssysteem van de 18e eeuw en de consumentenmarkt van professionele galerieën en kunstveilingen die dominant werd in de Victoriaanse periode.

Binnen dit systeem is er geen groter succesverhaal dan dat van Anthony Vandyke Copley Fielding (1787-1855), die in 1810 lid werd van de Old Society en er een kwart eeuw lang voorzitter van was (van 1831 tot zijn dood). Copley Fielding, geboren in Halifax maar opgegroeid in Londen en het Lake District, was al in 1807 tekenleraar in Liverpool. In 1809 vestigde hij zich in Londen en studeerde bij John Varley , met wie hij trouwde met Varleys schoonzus. Vanwege de slechte gezondheid van zijn vrouw verhuisde hij in 1831 naar de modieuze badplaats Brighton en voegde zeegezichten toe aan zijn repertoire. Hij werd rijk door zijn enorme productie van schilderijen, die ondanks hun vaak clichématige kwaliteit en repetitieve thema's allemaal snel verkocht werden. Het schilderij 'Het einde van de dag' (1853, 55x96 cm) bevat veel clichés uit de klassieke landschapstraditie, zoals die door Claude Lorrain is ontstaan , en voegt daar Turners kenmerkende intensiteit van het late middaglicht aan toe (waardoor zelfs de meeste schaduwen op de voorgrond verdwijnen). Maar Turners vermogen om ons mee te voeren in het moment van het beeld ontbreekt volledig. Copley Fieldings werk bezit in extreme mate de eigenschap van afwerking , de nauwgezette en verstikkende perfectie van oppervlak en visueel effect die zeer gewaardeerd werd door kunstliefhebbers in de Regency- en Victoriaanse tijd. Een sterk geïdealiseerd uitzicht op Richmond Castle in Yorkshire (dezelfde locatie werd tien jaar eerder, op hetzelfde tijdstip maar vanuit een tegenovergesteld perspectief, geschilderd door J.M.W. Turner ), alles aan dit beeld is geconstrueerd als een artistiek meesterwerk – vooral die gloeiende lucht, opgebouwd uit vele lagen Indisch geel, roze meekrap en kobaltblauw, een van Copley Fieldings meest bewonderde specialiteiten. Copley Fielding vraagt ​​ons niet om emotioneel in dit schilderij te duiken; het glanzende oppervlak en het irreële licht duwen ons in plaats daarvan naar een geconventionaliseerde esthetische reactie, versterkt door de afgezaagde visuele clichés die ontworpen waren om de statusbewuste kunstkoper aan te spreken. Met dat bekrompen verlangen naar respectabiliteit van de oude maatschappij wil hij dat we bewonderen wat hij heeft gemaakt – net zoals de Victoriaanse verzamelaar van dit werk, vaak behorend tot de nieuwe middenklasse die arbeid en vakmanschap zeer waardeerde, zou willen dat we het fraaie product bewonderen dat hij dankzij zijn eigen ijver en slimheid had verworven.

Hoewel de klassieke stijl vaak werd gebruikt om de nieuwe kunstverzamelaar te behagen, werd deze door enkele kunstenaars ook doordrenkt met oprechte poëzie. William Havell (1782-1857), de zoon van een tekenleraar uit Reading, was in 1804 een van de oprichters van de Old Water-Colour Society. Hij reisde in 1802-1803 door Noord-Wales en vestigde zich in 1807 een jaar in het Lake District (noordoost-Engeland). Hij leverde illustraties aan verschillende tijdschriften en een reeks van zijn schilderijen werd in aquatint gepubliceerd als Picturesque Views of the River Thames (1812). Hij ging in 1816 mee met de ambassade van Lord Amherst naar China, maar gaf dit avontuur op tijdens een tussenstop in Macau. De volgende acht jaar bracht hij door in India, waar hij portretten en landschappen in aquarel schilderde. Hij sloot zich weer aan bij de Old Society toen hij in 1827 terugkeerde naar Londen, maar schilderde na 1830 uitsluitend met olieverf. Havell is een classicistische schilder met meer individualiteit en romantische neigingen dan de meeste van zijn tijdgenoten. Zijn Windermere (1811, 25x34 cm) is een herkenbaar poëtisch landschap in de traditie van Claude, maar krijgt een bijzondere aantrekkingskracht door Havells beperkte en ongebruikelijke kleurenpalet van oranje, groen en blauwviolet – een kleurenschema dat ook terugkomt in sommige prerafaëlitische schilderijen. Veel van de clichés van Claude zijn nog steeds te herkennen – donkere voorgrond, aanwezig; kleine figuren, kronkelende rivier, glooiende heuvels, mistige horizon, aanwezig – maar deze zijn verzacht en geïntegreerd op een manier die het schilderij origineel maakt in plaats van flauw en afgeleid. Havell opent het palet voor rijkere groen- en oranjetinten door het licht van de zijkant van het schilderij te laten komen in plaats van van de achterkant, en gebruikt een vaardige afwisseling van gedempte warme en koele tinten (enigszins vergelijkbaar met het klassieke systeem van afwisselende licht- en donkervlakken, maar toegepast op aangrenzende objecten zoals de bomen in de middellange afstand) om de vormen te definiëren door middel van het perspectief vanuit de lucht. De energieke weergave van de bomen en de smaakvolle variatie in hun silhouetten geven het schilderij individualiteit en dynamiek. De eenzame reiziger die zich bukt om te drinken uit een zuivere beek en de opstijgende rij vogels hoog in de lucht suggereren een verkwikkende sfeer van avontuur en vrijheid in de band tussen mens en natuur.

Een hemel die meer bekend is van de landschappen van Duitse en Scandinavische romantische schilders, verschijnt in het werk van William Turner uit Oxford (1784-1849). Turner verliet zijn geboorteplaats Oxfordshire in 1804 en studeerde enkele jaren bij John Varley . Hij exposeerde kort bij de Royal Academy voordat hij in 1808 lid werd van de Old Water-Colour Society. Zijn vroege werken zijn donker en meeslepend dramatisch, en bevatten prachtige ontwerpen die doen denken aan renaissancetapijten en de schilderijen van Salvator Rosa . Terwijl hij een succesvolle carrière opbouwde als tekenleraar in Oxford, breidde hij geleidelijk zijn scala aan onderwerpen uit door vele schetsreizen door Engeland: van de rivierweiden langs de Cherwell in Oxford tot de valleien van de Avon en de Thames, het Lake District (1814), het New Forest in Hampshire (jaren 1820) en de Sussex Downs (jaren 1830). Tegelijkertijd veranderde zijn stijl en werd deze rustiger. Veel van zijn latere schilderijen lijken te zweven in een tijdloos moment van een zomermiddag of late namiddag. Halmaker Mill, nabij Chichester, Sussex (ca. 1837, 52x75 cm) is een van deze late werken en toont Turners late stijl op zijn best. Niets van de Claudeaanse landschapsclichés is overgebleven, maar de sfeer is nog steeds ingetogen en contemplatief. Een subtiel elegisch effect ontstaat door de vlakke horizon, de gecomprimeerde landschapsvlakken en de ingetogen kleurcontrasten tussen violet, geel en rossig bruin. De hoeveelheid ruimte die aan de lucht is gewijd, de aanwezigheid van een rustiek 'monument' (de windmolen) en het gebrek aan visuele variatie in de voorgrond, het verre landschap of de lucht suggereren een nostalgie, niet naar een klassiek verleden, maar simpelweg naar open ruimte en schone lucht – zaken die een hedendaagse stedelijke kunstliefhebber steeds vaker zou willen overdenken in de beslotenheid van zijn of haar stedelijke woning.

Ik heb een bijzondere genegenheid voor John Varley (1778-1842), een sleutelfiguur in de ontwikkeling van de Engelse aquarelkunst. Geboren in een groot en arm gezin (hij was de jongere broer van de architect en aquarelschilder Cornelius Varley), ging John in de leer bij een boekhandelaar, maar leerde zichzelf tekenen tijdens rebelse en blootsvoetse wandelingen buiten Londen. 's Avonds studeerde hij tekenen bij Joseph Barrow, die hem meenam op een schetsreis naar Peterborough (Oost-Anglia) en in die paar weken van intensieve studie Varley lanceerde in zijn artistieke carrière. Hij exposeerde voor het eerst in de Royal Academy in 1798, maakte schetsreizen door Wales tussen 1798 en 1802, sloot zich in 1800 aan bij de Munro-academie en was in 1804 een van de oprichters van de Old Water-Colour Society. Tegen die tijd had Varley een grote reputatie opgebouwd als tekenmeester en schilderde hij in een stijl die sterk beïnvloed was door Thomas Girtin . Al vroeg in zijn carrière leidde hij de verandering in smaak naar meer bescheiden onderwerpen, die afweken van de grootse sfeer van romantische landschappen en de architectonische overblijfselen van het pittoreske. Varley richtte zich in plaats daarvan op alledaagse stedelijke en dorpse locaties, vol details uit het dagelijks leven. Zijn Marktplein in Leominster, Hereford (1801, 28x40 cm) toont een stadsplein dat dienstdoet als speelveld voor kinderen en honden. Het palet van gedempte, stoffige aardetinten, die zelfs doorlopen in de grauwe lucht (ooit getint met indigo, dat volledig is vervaagd), benadrukt het gebrek aan topografische monumentaliteit en pittoreske sentimenten. Varley brengt de scène tot leven met een bijzonder behendige weergave van de scheve gevels langs de straat, gebruikmakend van het lage perspectief en de precieze lineaire perspectief die hij leerde van de etsen in A Picturesque Tour through the Cities of London and Westminster, gepubliceerd in de jaren 1790 door de topograaf Thomas Malton Jr. (1748-1804). Hij creëert meesterlijke variaties in tint en waarde binnen zijn beperkte kleurenpalet (bijvoorbeeld het warme sienna van het verste gebouw in contrast met de groenachtige en donkerbruine tinten van de gebouwen aan weerszijden), en zorgt voor visuele aantrekkingskracht door het complexe patroon van ramen, straatstenen en daken aan beide kanten van de straat. De sierlijke gevel van het centrale gebouw geeft het schilderij een pittig accent van lokale kleur: Varleys benadering vertoont veel overeenkomsten met die van Samuel Prout in zijn schilderijen van historische steden op het vasteland van Europa.

Varley was een opmerkelijke persoonlijkheid – alom bekend om zijn imposante gestalte en ongeremde enthousiasme voor astrologie en spiritualisme, en ook om zijn koortsachtige productiviteit voorafgaand aan grote aquareltentoonstellingen. (Hij produceerde tientallen schilderijen in een paar weken, wat bekend kwam te staan ​​als "Varley's hot rolls".) Maar hij was ook een opmerkelijke vernieuwer. Zijn Harlech Castle and Tygwyn Ferry (1804, 39x52cm) vertoont gelijkenissen met Girtins landschapsstudies van Wales uit circa 1800, maar de belangrijkste kenmerken van Girtins stijl zijn vereenvoudigd en gesystematiseerd om eer te betonen aan de atmosferische ruimtelijkheid van het landschap. Varley perfectioneerde de methode van brede, vlakke verfstreken die Girtin had ontwikkeld en die blijkbaar een zeer sterke invloed had op de middenstijl van John Sell Cotman en vele schilders van de Old Society. Maar hij was niet alleen maar bezig met simplificatie, en een van zijn zomerschetsen van een zonsopgang in de bergen van Wales (gedateerd met het uur "3 uur 's ochtends") getuigt van zijn levenslange interesse in schilderen in de buitenlucht om waarheidsgetrouwe observaties van de natuur te verkrijgen. Varley staat bekend om zijn kernachtige aforismen over lesgeven — "Elk schilderij moet hier even kijken" of "De natuur heeft een kookwens" — die hem doen klinken als Ed Whitney in een vorig leven, en hij publiceerde enkele van de eerste handleidingen voor aquarelschilderen, waaronder het belangrijke Verhandeling over de principes van landschapsontwerp (1816-1818), waarin Varley's schematische benadering van schildertechniek en compositie wordt uiteengezet. Centraal in zijn leer stond de focus op licht: "Grote principes van eenheid dwingen ons ertoe het effect van zonnig daglicht te beschouwen als het onderwerp, waarbij het landschap hier fungeert als een tweede overweging en drager van het licht." Hij runde ook een rumoerige lesstudio, enigszins in de stijl van zijn mentor Dr. Munro, maar met veel minder fatsoen: de meeste dagen eindigden in een boksduel waarin de werkelijk kolossale Varley het op de een of andere manier aflegde tegen zijn beste tekenleerlingen. Er hangt een onrustig, Dickensiaans sfeertje rond Varleys latere leven – hij zat herhaaldelijk in de gevangenis vanwege schulden, werd overweldigd door lesverplichtingen, had acht kinderen en een eerste vrouw die hem verachtte (zij stierf in 1824), en als klap op de vuurpijl brandde zijn studio in 1825 af. Maar hij herstelde zijn carrière met een gelukkig tweede huwelijk met Delvalle Lowry (die half zo oud was als hij) en een overdreven, classicistische schilderstijl die in moderne ogen kitscherig lijkt, maar destijds behoorlijk succesvol was. (Ah, Micawber in Australië!) Door zijn onvermoeibare werk als organisator van aquarelverenigingen, zijn populaire en frequente bijdragen aan jaarlijkse aquareltentoonstellingen, zijn inspirerende rol als leraar voor honderden tekenleerlingen en duizenden lezers van schilderhandleidingen,en zijn persoonlijke vrijgevigheid en begeleiding van tientallen aspirant-professionele schilders (waaronder John Sell Cotman ,Naast kunstenaars als Anthony Copley Fielding , William Turner , Peter De Wint , David Cox , William Henry Hunt en John Linnell, was Varley in veel opzichten een van de belangrijkste kunstenaars van zijn tijd. Zijn gave was geven.

Met het Verdrag van Amiens in 1802 kwam er een einde aan het decennium van sociale onrust en oorlog dat begon met de Franse Revolutie in 1789, en brak het tijdperk van het moderne toerisme aan. Meer dan 6000 Engelse toeristen stroomden naar Europa om de steden, de lokale bevolking in klederdracht en de geplunderde Italiaanse kunst in het Louvre te bewonderen. Deze stormloop (en een soortgelijke toestroom na de definitieve Franse nederlaag bij Waterloo in 1815) ging gepaard met een grote belangstelling voor boeken die buitenlandse bestemmingen beschreven, geïllustreerd met gravures van aquarellen die ter plekke waren gemaakt, voor de professionele en zakelijke lezers van de nieuwe Britse industriële economie. Samuel Prout (1782-1857) was vooral bekend om deze reisschilderijen. Prout, geboren in Plymouth, werd door de antiquair John Britton overgehaald om naar Londen te verhuizen en bij te dragen aan diens Beauties of England and Wales (1803-1813). Prout verwierf een reputatie als tekenmeester in Londen en publiceerde in zijn carrière verschillende handleidingen voor aquareltekenen. Hij werd in 1817 lid van de Old Water-Colour Society; in datzelfde jaar bezocht hij voor het eerst het vasteland van Europa op zoek naar topografische onderwerpen. Van 1820 tot 1846 schilderde hij, ondanks frequente migraineaanvallen, met grote energie alle bekende topografische locaties in Normandië, de Lage Landen, het Rijndal, Zwitserland en Venetië in een stijl die zijn hele leven onveranderd bleef. Zijn werken waren zeer populair ( John Ruskin was een fervent bewonderaar), verkochten goed en werden op grote schaal verspreid als gravures en lithografieën. Een Gezicht op Straatsburg (ca. 1822, 62x48 cm) is een goed voorbeeld van zijn aanpak: het gemakkelijk herkenbare historische monument (de enorme rode zandstenen toren van de Notre-Dame ) dient als achtergrond voor een focus op het dagelijks leven. De mensen op straat zijn bezig met alledaagse activiteiten (water halen, boodschappen doen, brandstof dragen), het geheel voornamelijk weergegeven in oker, omber en lichtpaars, subtiel geaccentueerd door glimpen van verzadigd rood, geel en blauw in de kostuums. Prout stond vooral bekend om zijn kronkelige, nerveus gemanierde tekenstijl, die bijzonder effectief was in het weergeven van de gehavende, afbrokkelende oppervlakken van oude stenen en houten constructies. In een periode waarin het gezicht van Londen ingrijpend werd veranderd door de moderne stucgevels van de stadsvernieuwingsprojecten van de koninklijke architect John Nash (1752-1835), boden Prouts middeleeuwse gevels en pittoreske regionale kostuums een smakelijke afsluiting van de charme van pittoreske ruwheid en diversiteit .

Zie ook Victoriaanse aquarellen .

Martin Hardie wijdt een heel boek aan de hier genoemde schilders en hun collega's in zijn voortreffelijke studie over aquarelschilderkunst: Water-Colour Painting in Britain: II. The Romantic Period (Batsford, 1967). Een prachtige selectie schilderijen is te vinden in The Great Age of British Watercolours van Andrew Litton en Anne Lyles (Prestel, 1993). Twee uitstekende overzichten met enkele van de hier genoemde kunstenaars zijn Victorian Landscape Watercolors van Scott Wilcox en Christopher Newall (Hudson Hills, 1992) en Victorian Watercolors van Christopher Newall (Phaidon, 1987). Al deze teksten verwijzen naar vele andere monografieën en tentoonstellingscatalogi over de schilders en tekenmeesters uit deze periode.

Laatst herzien 08.1.2015 • © 2015 Bruce MacEvoy