Botanische illustratie is een van de oudste aquarelgenres en is door de geschiedenis heen verbonden geweest met het belang van planten voor de menselijke gezondheid, recreatie en waardering van schoonheid. Tegenwoordig is het een van de weinige kunstgenres die aquarellisten over de hele wereld verenigt in een gedeelde liefde voor de natuur en een gemeenschappelijke reeks schildermethoden en beeldconventies.
Botanische schilderkunst is ontstaan uit het natuurlijke plezier dat we beleven aan het kijken naar bloemen en planten, met als voordeel dat de geduldige en onbeweeglijke plant een zorgvuldige weergave van vorm en kleur mogelijk maakt. Aquarel werd al snel het medium bij uitstek: het werd oorspronkelijk gebruikt als een vorm van tekenen (vaak in combinatie met pen en inkt), en er is een overeenkomst tussen de doorschijnende kleuren van bloemen en bladeren en die van aquarelverf op perkament. Een van de vroegste moderne aquarellen is een botanisch werk: Albrecht Dürers ' Het grote stuk gras' (1503, 21x13 cm), gemaakt met aquarel en gouache, toont elk grassprietje met de precisie van renaissance zilverwerk of borduurwerk, maar laat tegelijkertijd de levendigheid van het gras doorschijnen. We willen er met onze vingers doorheen gaan en kunnen de tijdloze zomergeur bijna ruiken. En ondanks alle verfijning en naturalisme is dit duidelijk een demonstratie van technische bekwaamheid: Dürer heeft zijn zeer commercieel aantrekkelijke geduld, precisie en behendigheid tentoongesteld voor potentiële opdrachtgevers.
Om te slagen als botanische illustratie, moet een aquarel nauwkeurige observatie, sierlijke tekenstijl, zorgvuldige penseelvoering en een slimme kleurmenging combineren. Deze eigenschappen komen voor het eerst samen in werken over wetenschap en geneeskunde. De anoniem geschilderde Zwarte Bessenboom (ca. 1580, 31x23 cm) is een van een grote collectie aquarellen die als lesmateriaal werden gebruikt aan een Nederlandse medische faculteit. Omdat artsen in die tijd afhankelijk waren van medicinale middelen zoals zwarte bessenthee, hielden medische scholen vaak toezicht op tuinen waar de meest nuttige bomen, kruiden en bloemen werden gekweekt. Artsen leerden de planten te oogsten en te verwerken, en de onderscheidende kenmerken van elke soort te herkennen. De vroege botanische schilderijen, die voornamelijk bedoeld waren als lesmateriaal, tonen het exemplaar vaak in geïdealiseerde vorm (ziekte of beschadiging wordt weggelaten) en combineren op slimme wijze aanzichten van de plant in verschillende seizoenen – de bloeiende zwarte bessenstengel in het midden en de vruchtdragende tak eromheen. Veel andere beeldconventies werden door deze vroege botanische kunstenaars vernieuwd, als manieren om de wortels en bloemen van knollen, de peulen en zaden van peulvruchten, de knoppen, schors en bladeren van bomen, en de daarin levende insecten of slakken, allemaal binnen één elegant beeld weer te geven.
aquarelkunstenaars |
|
De botanische illustratie ontwikkelde zich op een manier die de verwantschap tussen de amateur-tuinier en de amateur-aquarellist weerspiegelde. Beiden moesten oplettend, geduldig en verliefd zijn op de kleuren en vormen van de natuur. In Engeland en Schotland (vooral in de achttiende eeuw) waren tuinieren en aquarelleren complementaire bezigheden voor gecultiveerde dames en meisjes. Een lange geschiedenis van mode droeg bij aan deze populariteit. Tegen de tijd van de beruchte tulpenbollencrisis in 1637 waren nieuwe en zeldzame bloemen, net als nieuwe en zeldzame kunstwerken, statussymbolen geworden van welvaart en verfijning. Dit creëerde op zijn beurt een markt voor hoogwaardige botanische illustraties. 
In de achttiende eeuw bereikte de illustratie van planten een opmerkelijke verfijning (en een brede verspreiding) in de werken van Johann Jakob Walther (ca. 1604-1677), Georg Dionysus Ehret (1708-1770) en Pierre-Joseph Redouté (1759-1840). In de volgende eeuw verwierf William Henry Hunt (1790-1864) bekendheid met zijn kleine landschappen van vogelnesten en bloesems. Tot Redouté's belangrijkste collecties behoren de driedelige Les Roses (1817-24) – 170 handgekleurde portretplaten van bloemen in de tuinen van keizerin Josephine in Malmaison (Versailles). Zijn Opiumpapaver (1827, 30x22 cm), in feite een gedrukte afbeelding, toont de nauwkeurige details en sierlijke compositie die Redouté's aquarellen beroemd maakten. Idealisering is duidelijk zichtbaar in het sierlijke ontwerp en de zwierige weergave van bladeren en bloemblaadjes, maar deze stileringen werden eerder om decoratieve dan om wetenschappelijke redenen toegepast. De steun van de aristocratie was essentieel voor de productie van deze rijkelijk geïllustreerde en kostbare werken. Maar Ehret, Redouté en andere botanische meesters waren ook vernieuwers op het gebied van druk- en graveertechnieken die het mogelijk maakten om levendig gekleurde botanische afbeeldingen op grote schaal te produceren. Deze boeken vonden een groeiende markt onder lezers uit de middenklasse die graag deze symbolen van welvaart in hun bezit wilden hebben.
De beste botanische illustraties voegen symboliek toe aan het beeld: ze suggereren smaak door dauwdruppels, tastzin door textuurdetails zoals doornen of schors, geur door levendige en weelderige kleuren. Vogels en insecten (wier leven net zo kort is als dat van de bloemen en bomen waarin ze leven) dwalen vaak de compositie binnen, als herinnering aan ecologie, klimaat en seizoenen. 
De spanning tussen de werkelijke plant die als model diende en de geïdealiseerde vervormingen die in het uiteindelijke beeld verschijnen, wordt benadrukt in de vele culturele variaties in botanische kunst – die in de 19e eeuw een wereldwijde kunstvorm was geworden, nuttig voor wetenschap, handel en recreatie. Deze Onbekende Plant (Leguminosae-familie) (ca. 1810, 22x17 cm) werd geschilderd door een anonieme Chinese aquarellist die waarschijnlijk botanische illustratie leerde van westerse plantenhandelaren en natuuronderzoekers die graag exotische Aziatische flora wilden vinden en exporteren. De weergave is enigszins solide en vlak, en wordt gedomineerd door twee of drie kleuren, allemaal conventies van de Aziatische kunst die door de schilder werden geaccepteerd. Sporen van verval of insectenschade zijn toegevoegd als tekenen van realisme, maar in werkelijkheid is de plant zo sterk veranderd door de cultureel gevormde verbeelding van de kunstenaar dat wetenschappelijke identificatie van de soort niet mogelijk is. De kunstenaar begreep terecht dat een botanische afbeelding geïdealiseerd is, maar kende de conventies niet die een afbeelding wetenschappelijk bruikbaar maken. In plaats daarvan, wetende dat hij beloond zou worden voor de mate waarin zijn afbeelding verlangen opwekte, maakte hij de plant zo mooi mogelijk door gebruik te maken van Chinese esthetische aannames.
Misschien wel meer dan enig ander genre, belicht botanische illustratie deze evenwichtsoefening tussen waarheid en schoonheid, een balans die de beste kunstenaars weten te benutten voor een schitterend visueel effect. Van de Renaissance tot het nieuwe millennium is botanische illustratie een van de belangrijkste methoden gebleven waarmee planten werden getaxonomiseerd, geanatomiseerd en gepubliceerd in wetenschappelijke naslagwerken. De rozen van Redouté documenteerden de vooruitgang in de tuinbouw die leidde tot de ontwikkeling van moderne rozenvariëteiten uit middeleeuwse plantensoorten. Ook nu nog worden botanische illustratoren gevraagd om wetenschappelijke afbeeldingen en natuurgidsen te maken, zelfs in een tijdperk van fotografie. Moderne illustratoren zoals de overleden Margaret Mee staan vaak bekend om hun vasthoudende verkenning van jungles en afgelegen gebieden om zeldzame planten te verzamelen, te schetsen en te schilderen. Bijzonder indrukwekkend is de serie aquarellen van de Australische banksia van Celia Rosser, die een integraal onderdeel vormden van een wetenschappelijk boek over deze bijzondere woestijnplant. Haar schilderij van Banksia serrata (1995, 76x51cm) is met ongelooflijke precisie weergegeven – elk zaadhaartje, elk minuscuul bloemdeeltje en elke bladvlek is vastgelegd met een onwrikbare blik en een feilloze penseelstreek. Toch zijn de algehele compositie, de evenwichtige kleuren, de ritmische rondingen van de bladeren en de gevarieerde plantentexturen op zichzelf al een lust voor het oog en slagen ze erin droge wetenschap om te zetten in pure kunst.
Gill Saunders' Picturing Plants: An Analytical History of Botanical Illustration (University of California Press, 1995) is een breed maar beknopt overzicht dat vroege houtsneden, Victoriaanse lithografieën en de plantenafbeeldingen op commerciële zaadverpakkingen omvat, evenals prachtige voorbeelden van aquarelschilderkunst. Shirley Sherwoods Contemporary Botanical Artists (Cross River Press, 1996) en A Passion for Plants (Cassell Academic, 2001) bieden een wonderbaarlijk gevarieerde selectie van hedendaagse botanische illustratoren over de hele wereld, die bijna allemaal aquarelverf gebruiken. Een werkelijk uniek boek voor zowel tuinliefhebbers als kunstenaars is Flora: An Illustrated History of the Garden Flower van Brent Elliott (Firefly Books, 2001), dat de geschiedenis van gedomesticeerde bloeiende planten volgt aan de hand van eeuwenlange, schitterende botanische illustraties in de collectie van de Royal Horticultural Society (Engeland). De boekrecensiesectie van deze website beveelt een aantal handleidingen aan voor het schilderen van bloemen in aquarel, botanische illustraties en de natuur in de buitenlucht. Rose Prints by Pierre-Joseph Redouté is een selectieve online galerij met handgekleurde prenten van dit zeer beroemde werk, te vinden op de website van Rosarian. Voor prachtige hedendaagse botanische illustraties kunt u terecht op BotanicalArtists.com , waar werken van diverse professionele botanische kunstenaars worden getoond, met links naar tentoonstellingen, cursussen, botanische verenigingen, websites van kunstenaars en online kunstleveranciers.
