het effect van kunst

Ik merkte dat ik meer ging nadenken over wat kunst is en wat het voor mij betekent. Niet conceptueel of intellectueel, maar als een ervaring, een proces, een aspect van het leven.

Ik dacht hierover na om duidelijkheid te krijgen over hoe ik verder moest gaan en hoe ik de situatie waarin ik me bevond kon begrijpen.

Op mijn ietwat belezen manier (met een bachelordiploma in vergelijkende literatuurwetenschap) was ik bekend met de belangrijkste metaforen voor kunst en was ik op de hoogte van de huidige galerie- en museumwereld en hedendaagse geschriften over schilderkunst.

Dat alles leek irrelevant.

Terugkijkend op mijn eigen leerproces, besefte ik dat de worsteling om mijn vaardigheden te ontwikkelen niet onbelangrijk was voor het eindresultaat van mijn schilderijen, maar juist essentieel. De strijd om vaardigheid, het menselijke mechanisme van ambitie en doorzettingsvermogen, was een van de onzichtbare, maar essentiële aspecten van de schilderkunst, zoals de onopgemerkte vernislaag op een olieverfschilderij die het hele beeld laat stralen.

We willen dat onze schilderijen ergens over gaan — het landschap, het gezicht, het katje in de roestige emmer — maar wat ze laten zien is de poging van een individu om de wereld te begrijpen.

De afbeeldingen die ik als geschenk ontving, vormden de basis van de kunst. Mijn schilderij was op elk punt getekend door beelden die ik voorheen niet had leren zien: aquarelluchten, onmogelijke banken, enorme fonteinen, regenboogrozenbomen. Mijn betrokkenheid bij kunst had me een nieuwe manier van kijken naar de wereld geboden.

Deze manier van kijken was doordrenkt met verbeelding, die de realiteit niet weergeeft, maar erdoorheen kijkt. In mijn ervaring is schilderen een activiteit die, in het proces van het creëren van één ding (een geschilderd beeld), iets belangrijkers creëert: het vermogen tot verbeelding.

Deze indirecte effecten van schilderen lijken sterk op de indirecte effecten van lichaamsbeweging, die direct zorgt voor fysieke kracht en vitaliteit, maar indirect de weerstand tegen ziekten verbetert, ontspanning bevordert en de mentale helderheid vergroot.

De kunstpraktijk vereist in essentie dat we met een verbeeldingsvolle aandacht kijken . We moeten de essentiële visuele code uit het motief halen en de technische procedures toepassen om die code op papier te zetten. De waarde van kunst schuilt in de manier waarop de ontwikkeling van de visuele verbeelding en het handmatig creëren van beelden met elkaar verbonden zijn. Ik vat dit complexe proces samen in één zin: mezelf leren kijken .

Wij zijn visueel ingestelde wezens. Ons zicht vervult vele psychologische functies en is afhankelijk van het grootste deel van onze mentale vermogens. Het beïnvloedt ons denken veel sterker dan taal. Denk bijvoorbeeld aan hoe je de route naar een nieuwe bestemming visualiseert, of de oplossing van een mechanische puzzel, of je interpretatie van je verleden, of het vragen om een ​​gunst. Visuele verbeelding speelt een rol bij al deze mentale activiteiten.

De voortdurende oefening van de schilder bevordert de gezondheid van ons verbeeldingsvermogen, wat op zijn beurt andere psychologische vermogens zoals intuïtie, inzicht, esthetisch oordeel en gevoel voor schoonheid verbetert.

De meeste mensen ervaren kunst als passieve toeschouwer: ze kijken gewoon naar het schilderij of de foto en reageren. Het beeld dicteert zijn eigen voorwaarden; het icoon dringt door in de verbeelding van de toeschouwer, gehuld in de vorm van een collectief symbool.

Deze passieve ervaringen beperken in feite de verbeeldingskracht van de kijker, omdat het beeld van de kunstenaar nu in de gedachten opkomt voordat de individuele verbeelding de kans krijgt om effect te sorteren. De verbeeldingskracht van de kijker moet dus op andere manieren worden gestimuleerd, voornamelijk door persoonlijke ervaringen. Kunst, gepresenteerd aan een groep, is totalitair, autoritair: het verbindt visuele symbolen met gevestigde betekenissen en versterkt deze. Religieuze en bestuurlijke instellingen hebben deze totalitaire methode in de menselijke geschiedenis vele malen herontdekt.

Kunst, bezien vanuit het perspectief van het individu als een individuele ervaring zonder vooroordelen, kan de verbeelding prikkelen en uitdagen, en deels het creatieve proces van de kunstenaar voor de kijker reconstrueren. Maar zonder besef van de handvaardigheid die nodig is om het beeld te creëren, lijkt kunst eerder een bevestigde waarheid te verkondigen dan een waarheid zoals die wordt ontdekt.

Dit is de meest fundamentele tegenstelling in de kunst: kunst die vooroordelen en dogma's bevestigt, versus kunst die de waarheid onthult in het pijnlijke proces van ontdekking.

Kunstenaars creëren actief beelden vanuit een verbeeldingsvolle bron die ze niet begrijpen; ze vangen een glimp op van beelden die vervolgens een eigen leven leiden en leggen deze vast. Ze volharden in hun artistieke discipline om de vaardigheden te leren en de materialen te beheersen die nodig zijn om het vastleggen van beelden zo effectief mogelijk te doen.

Alle kunstenaars beseffen dat ze niet echt begrijpen hoe dat tot stand komt. Kunst is ontdekking, geen herhaling. Als verbeelding versmelt met vaardigheid, kunnen schilderijen niet worden gerecreëerd, ze kunnen niet een tweede keer worden gemaakt; het tweede schilderij is altijd anders dan het eerste. De kern van de schilderkunst is de subjectiviteit ervan – de vraag: waarom ben ik hiertoe in staat? – een vraag die de kunstenaar niet kan beantwoorden. Dit is wat de passieve kijker van een visueel beeld niet kan zien. De blindheid van de kijker voor het schilderproces maakt hem vatbaar voor de illusie dat schilderkunst een onveranderlijke waarheid is.

Kunstenaars kijken verder dan de collectieve beelden van instellingen, omdat ze op een frisse manier kijken naar de manier waarop de wereld hun verbeelding beïnvloedt. Dit komt vooral doordat ze zich gedurende lange perioden moeten concentreren op de materialen en instrumenten die beschikbaar zijn voor het analyseren en visueel weergeven van de wereld.

Het is de worsteling met de schildermaterialen die de kunstenaar ervan weerhoudt om simpelweg geaccepteerde waarheden na te papegaaien.

De verbeeldingskracht en methoden van de kunstenaar leiden hem ertoe de wereld op een vergelijkbare manier te observeren als wetenschappers en jagers – met nieuwsgierigheid en zonder vooroordelen – en door deze intense blik op de wereld zien kunstenaars dingen die de rest van ons, die vluchtig door het leven gaan, nooit opmerken.

Ze observeren hun eigen schilderijen en gereedschap tijdens het werk en leren verbeelding te verbinden met beweging, op dezelfde manier als wij ideeën verbinden met spraak.

De visuele activiteit van het onderzoeken van de wereld en het begeleiden van een artistiek proces, omdat het zoveel meer inspanning vergt dan passief kijken, stimuleert de innerlijke visie. De visuele verbeeldingskracht wordt sterker, gevoeliger en autonomer. (Dit was bijvoorbeeld de reden waarom ik begon met het zien van luchten in aquarelverf .)

Deze visuele verbeeldingskracht is op haar beurt betrokken bij vele andere psychologische processen, waardoor de ontwikkeling ervan ook de intuïtie, het inzicht, het geheugen en het oordeelsvermogen versterkt, die visualisatie nodig hebben om effectief te functioneren.

De visuele verbeeldingskracht vormt de kern van ons innerlijke leven, en door die kern te versterken in de zoektocht naar beeldende kracht, wordt ons hele innerlijke leven gezonder.

Het lijkt alledaags dat de maag de verbeelding kan prikkelen en het beeld van een milkshake kan oproepen, of dat ziekte depressie kan veroorzaken, of dat hormonen seksuele fantasieën kunnen stimuleren. Bij artistiek ingestelde mensen kan een spirituele dorst de visuele verbeelding aanspreken en onverwachte, helende, magische beelden – zoals een enorme fontein – in hun gedachten oproepen.

Beelden beginnen van buitenaf op ons af te komen, omdat ze dankzij de versterkte en actievere werking van de visuele verbeelding snel van binnenuit naar ons toe worden getrokken.

Naarmate de visuele verbeeldingskracht sterker wordt en de beheersing van de methoden voor het creëren van artistieke beelden toeneemt, onthullen de beelden de innerlijke aard van de kunstenaar. Hoewel er geen menselijk gezicht of stem aanwezig is, lijken we ons in de aanwezigheid te bevinden van een leven dat zich zowel in als buiten ons bevindt. We komen oog in oog te staan ​​met onze individuele geest, zoals we die ontdekken in het proces van het leven dat we als individu leiden.