hulpmiddelen bij het tekenen
Je kunt gerust stellen dat foto's tegenwoordig het belangrijkste hulpmiddel zijn voor kunstenaars om te tekenen. Een geloofwaardige stijl van hedendaagse schilderkunst (fotorealisme) bestaat uit het nauwgezet kopiëren van fotografische documenten, en deze stijl heeft andere "realistische" schilders uitgedaagd met een eigen visuele wereld en kleurgevoel. Kunstenaars gebruiken foto's ook als basis voor schilderijen in een minder realistische stijl. Zelfs de "visuele cultuur" van een abstracte kunstenaar wordt verrijkt door het gevoel voor licht, contrast, kleur, verzadiging, scherpte, perspectief, scherptediepte, optische kromming, beweging, onscherpte, lichtvlekken en halo's die in ons allen zijn ingeprent door de dagelijkse blootstelling aan de producten van optica, fotografie, video, film en computerontwerp.
Mijn doel is om een aantal van deze thema's te laten aansluiten bij de methoden die kunstenaars gebruiken als hulpmiddel bij het tekenen. Ik beschrijf vier basisactiviteiten. Het belangrijkste is het gebruik van fotografisch materiaal voor basistekeningen. Dit materiaal kan ook worden gemanipuleerd om een schildereffect te creëren dat niet in fotorealistische termen is bedacht. Fotografische media kunnen worden gebruikt in de experimentele of speelse zoektocht naar nieuwe visuele effecten of visuele composities in de schilderkunst, door middel van beeldcollage of beeldbewerking. Ten slotte kan de kunstenaar fotografische media gebruiken om een specifiek visueel probleem te verduidelijken of te analyseren.
geen nieuw idee
Het idee om optische hulpmiddelen te gebruiken bij het tekenen of schilderen is al heel oud. Volgens de traditionele overlevering ontwikkelde de Florentijnse architect Filippo Brunelleschi (1377-1446) de principes van lineaire perspectief door het uitzicht vanuit een kamer nauwgezet op een ruit te schilderen. Verschillende houtsneden uit de 15e eeuw tonen kunstenaars die het perspectief van objecten bestudeerden door ze te bekijken door middel van draadroosters of gegraveerd glas; de contouren van de objecten werden vierkantje voor vierkantje op papier of doek gekopieerd als basis voor een voltooid werk.
Traditionele hulpmiddelen . Het eerste praktische optische apparaat was de camera obscura of 'donkere kamer', die al in de Romeinse tijd werd genoemd (in een verhandeling over schilderkunst van Plinius, 50 n.Chr.), maar vooral populair was van de 16e tot het begin van de 19e eeuw.
De oorspronkelijke camera obscura was letterlijk een kleine kamer met een draaibare metalen spiegel aan het plafond. De spiegel reflecteerde het omringende landschap naar beneden door een klein gat in het plafond, waar het op een platte witte tafel eronder kon worden bekeken. Tegen de 17e eeuw waren deze kamers gereduceerd tot een draagbare houten piramide (ongeveer zo groot als een moderne wasmachine), met een spiegel in de top en een opening aan één kant waardoor een kunstenaar het geprojecteerde beeld op een vel papier kon overtrekken.
Deze camera obscura's hadden twee belangrijke effecten op de artistieke praktijk: ze boden een hulpmiddel voor het overtrekken of kopiëren van complexe beelden, en ze creëerden een model van de visuele werkelijkheid — in de contouren, kleuren, waarden en zelfs optische vervormingen van tweedimensionale beelden — dat de verwachtingen van kunstenaars ten aanzien van schilderkunst en hun perceptie van de realiteit beïnvloedde.
Recent kunsthistorisch onderzoek van Martin Kemp heeft ons inzicht vergroot in de verbanden en overlappende interesses tussen de ontwikkeling van lineair perspectief door kunstenaars en wetenschappelijke studies door middel van diverse optische, landmeetkundige en 'beeldregistratie'-technieken.
Recentelijk heeft de Britse kunstenaar David Hockney, die in het buitenland woont , bewijsmateriaal verzameld voor het gebruik van camera obscura's, gebogen spiegels en lenzen door Europese kunstenaars, te beginnen met Nederlandse schilders uit het begin van de 15e eeuw. (Hij suggereert dat veel vroege schilders een bolle spiegel gebruikten om een fel verlicht beeld te reflecteren dat door een klein venster werd gezien.) Schilderijen van Jan Vermeer (1632-1675) van Delft zijn vrijwel zeker gemaakt met behulp van een camera obscura (waarschijnlijk een grote cabine, met Nederlandse lenzen in plaats van spiegels): de highlights in veel van deze schilderijen hebben de eigenaardige ronde, schijfvormige uitstraling die alleen kan worden geproduceerd door het vergrotende effect van een optische lens. Meer recentelijk heeft nieuw onderzoek naar Thomas Eakins bevestigd dat hij veelvuldig gebruik maakte van overtrekken van fotografische beelden om zijn schilderijen te componeren.
techniek |
|
het kopiëren van de afbeelding |
|
Tegen het einde van de 18e eeuw had de camera obscura het formaat van een kleine koffer (zie afbeelding rechts) en was de optiek voldoende verbeterd om het apparaat in het veld te kunnen gebruiken. Een verstelbare lens focuseerde het beeld op een spiegel aan de achterkant, die onder een hoek van 45° was geplaatst. Deze spiegel reflecteerde het beeld naar boven op een vlakke glasplaat, afgeschermd van daglicht door een vouwscherm, waar het beeld op papier werd overgetekend. Het gebruik van de camera obscura was ook veel openlijker geworden – minder geheimzinnig – en werd ingezet voor landschaps- of topografische fotografie.
Aan het begin van de 19e eeuw werd een ander instrument populair: de camera lucida , die doorgaans wordt beschreven als een uitvinding van de Engelse wetenschapper William Hyde Wollaston in 1806 (hij patenteerde het als een draagbaar tekenapparaat in 1807). Deze bestond uit een gedeeltelijk verzilverd prisma dat beelden uit twee verschillende richtingen reflecteerde of doorliet; het prisma werd vastgehouden door een mechanische arm die aan de zijkant van een tekentafel of tekenbord was geklemd. De kunstenaar zat aan de tafel of plaatste het bord op zijn schoot en keek met één oog in het prisma (afbeelding rechts). Het prisma werd zo afgesteld dat het doorgelaten beeld van het te tekenen object over het gereflecteerde beeld van de tekenende hand op het papier werd gelegd; dit stelde de kunstenaar in staat om de omtrek van het beeld op het papier te traceren. Cornelius Varley, de architect en broer van John Varley , patenteerde in 1811 een camera lucida waarbij het prisma in een kleine telescoop was ingebouwd. Hierdoor werd via één oculair het gereflecteerde beeld van het papier op ware grootte weergegeven, en via het doorgelaten beeld het te tekenen beeld onder beperkte vergroting.
Deze instrumenten waren lastig te gebruiken in het veld, maar zeker niet onpraktisch. John Cotman gebruikte een camera lucida voor zijn serie Engelse architectuuretsen (eigenlijk maakte een vrouwelijke assistente een basistekening voor hem, omdat hij zelf moeite had met het instrument), en veel topografische kunstenaars gebruikten soortgelijke instrumenten. De camera lucida werd niet gebruikt om alle contouren van een tekening over te trekken, maar eerder om snel de belangrijkste hoeken, randen en rondingen van de belangrijkste vormen te noteren (een klusje van een minuut of minder), die vervolgens uit de vrije hand met elkaar werden verbonden.
De New Yorkse criticus Susan Sontag merkte op: "Als David Hockneys these klopt, zou het een beetje zijn alsof je erachter komt dat alle grote liefhebbers van de geschiedenis Viagra hebben gebruikt." Leuk, maar niet erg accuraat. Kunst is de activiteit van het creëren van meeslepende beelden als fysiek waardevolle objecten – niet simpelweg het uitvoeren van handmatig moeilijke grafische taken. Kunstenaars gebruiken wat ze tot hun beschikking hebben, zo goed als ze kunnen, inclusief alle vruchten van de hedendaagse technologie. Het is hun verbeelding, passie en zorgvuldige aandacht – niet hun gereedschap – die hen tot grote liefhebbers maken.
Het visuele en documentaire bewijsmateriaal van David Hockney voor het gebruik van optische hulpmiddelen in de westerse schilderkunst vanaf 1430 wordt besproken in Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters (Viking Studio, 2001). Dit omvat zijn correspondentie met andere kunstdeskundigen, van wie sommigen zijn theorie hebben overgenomen.
het kopiëren van de afbeelding
Kunstenaars hebben deze traditionele hulpmiddelen tegenwoordig als ineffectief en omslachtig achter zich gelaten. Wanneer optische hulpmiddelen nodig zijn, fotograferen ze doorgaans de scène met een camera en gebruiken vervolgens een van de onderstaande methoden om deze afbeelding in de studio over te zetten. Het nadeel van deze methode is dat men voor de meeste of alle beoordelingen van belichting, waarde en kleur afhankelijk is van de foto: directe zintuiglijke indrukken worden uit het creatieve proces verwijderd.
De meest gebruikelijke oplossing is om de scène te fotograferen, maar ook om ter plekke kleurstudies en ontwerpschetsen te maken, en deze aantekeningen vervolgens te combineren met de foto om het uiteindelijke schilderij te creëren.
een draagbare camera obscura
(ca. 1800)
Het maken van een portret met
een camera lucida
(ca. 1810)
Methoden voor kopiëren op ware grootte . De meest directe aanpak is wellicht om een schets of modeltekening op ware grootte te maken en deze vervolgens op ware grootte (1:1) over te brengen op de drager.
Een handig en snel alternatief is de 'omdraai'-methode: ik plak de tekening lichtjes vast aan de ondergrond aan de kant tegenover mijn tekenhand, en draai de tekening met mijn vrije hand herhaaldelijk om en van de ondergrond af, waarbij ik telkens met een potlood de locatie van belangrijke lijnen, hoeken of zwaartepunten markeer. Met een beetje oefening kan deze schaduwtechniek (het is niet echt overtrekken) snel en nauwkeurig worden uitgevoerd. De truc is om je blik stevig op een specifiek punt in de tekening te richten, de tekening vervolgens om te draaien om het met je potlood te markeren, en de locatie te controleren door de tekening er weer overheen te draaien.
Geen van beide methoden mag worden gebruikt om de tekening volledig over te trekken. Dit leidt tot een kopie die er levenloos en stijf uitziet. Markeer in plaats daarvan de belangrijkste ijkpunten en teken de tekening uit de vrije hand op de ondergrond. Zo kunt u kleine onevenredigheden in de tekening corrigeren en alles samenbrengen met een uniforme uitstraling en beheersing.
"Kwadrateringsmethoden" . Traditionele methoden die nog steeds van pas komen, omvatten het overtrekken of "kwadrateren" van een ondoorzichtige afbeelding, zoals een ets, tekening, voltooid schilderij, tijdschriftillustratie of fotoafdruk.
De eenvoudigste methode is het overtrekken van de afbeelding . Leg een dun vel perkamentpapier (verkrijgbaar bij de meeste kunstwinkels en bij veel kantoorboekhandels in de afdeling tekenbenodigdheden) over de afbeelding die u wilt kopiëren en trek deze over met een potlood. Breng deze overtrekking vervolgens over op het teken- of schilderoppervlak. Om een stevige ondergrond te creëren en te voorkomen dat de overtrekking verschuift tijdens het werk, moeten zowel het tekenpapier als het perkamentpapier stevig met tape of nietjes aan een tekenbord worden bevestigd. Het overbrengen kan op vier manieren:
1. De sjabloon wordt iets opgetild en het potlood wordt uit de vrije hand onder het vel papier bewogen.
2. Het calqueervel wordt met de tekenzijde naar beneden op het tekenoppervlak gelegd en met een polijstgereedschap over alle getekende lijnen gewreven. Hierdoor wordt een vage afdruk van de lijn op het tekenvel overgebracht (maar dan in spiegelbeeld).
3. De achterkant van het calqueervel wordt met een grafietpotlood over alle getekende lijnen gewreven en vervolgens met de tekenzijde naar boven op het tekenvel gelegd. Alle getekende lijnen worden met een pen of potlood overgetrokken, waardoor een deel van het grafiet aan de achterkant van het vel op het tekenoppervlak wordt overgebracht.
4. Een vel carbonpapier kan tussen het perkament en het tekenoppervlak worden geplaatst, en de lijnen kunnen op dezelfde manier worden overgetrokken als in stap 3.
Aan deze methode kleven twee nadelen. Het grootste nadeel is dat de tekening op ware grootte moet worden gekopieerd – je kunt de tekening niet vergroten of verkleinen en de verhoudingen ervan op geen enkele manier aanpassen. Ten tweede laat de druk van de punt van het overtrekpotlood vaak ingedrukte lijnen achter in het papier, die moeilijk volledig te bedekken zijn bij het schilderen (de kwast vult de inkeping niet op, of de inkeping blijft zichtbaar als een donkere lijn in het geschilderde oppervlak).
de "spiegel"-methode gebruiken om
een tekening op ware grootte te kopiëren
De alternatieve methode, die al sinds de oudheid wordt gebruikt, is het vierkant maken van de afbeelding . Hiervoor is geen speciale apparatuur of een omslachtig kopieermedium nodig.
eerste stap: het originele plaatje vierkant maken
De eerste stap is het tekenen van een regelmatig raster over het schilderij dat gekopieerd moet worden. Het totale aantal benodigde vierkantjes hangt af van de verscheidenheid en complexiteit van de vormen in het te kopiëren schilderij, en van de gewenste nauwkeurigheid — kleinere vierkantjes maken het kopiëren nauwkeuriger, maar ook tijdrovender.
Je kunt ook een grof raster over de hele tekening trekken en een of meer van de grote vierkanten onderverdelen om de details in een lokaal deel van de tekening vast te leggen, zoals hierboven weergegeven.
Hoewel er geen speciale apparatuur nodig is, kunt u tijd besparen met een overlay . Veel tekenwinkels verkopen vellen perkamentpapier met een voorgedrukt raster, en bij ontwerpen met een sterk contrast kunt u zo'n vel over de tekening leggen om het raster te creëren. Sommige kaartenwinkels verkopen vellen transparant folie met zwarte lijnen om de tussenliggende afstanden op topografische kaarten en dergelijke af te lezen; of u kunt een blanco vel transparant folie kopen en de lijnen zelf trekken of krassen. Deze transparante vellen werken het best om donkere, vervaagde of subtiel getinte afbeeldingen te kopiëren.
Deze overlays besparen niet alleen tijd, maar voorkomen ook dat je het raster direct op de foto of tekening hoeft te tekenen, wat permanente schade zou veroorzaken. (Als het een afbeelding is die je vaak wilt kopiëren, is dit wellicht een voordeel.)
het vierkant maken en noteren van het tekenoppervlak
De tweede stap is het afbakenen van het tekenoppervlak . Dit raster moet zo licht mogelijk getekend worden, zodat het niet door de verf heen schijnt en je niet visueel afleidt van het tekenen van de lijnen van de afbeelding. Ik gebruik soms middengrijze aquarelpotloden om dit raster te tekenen, omdat de lijnen vervagen wanneer er verf overheen wordt aangebracht en de kleur erg licht is.
Door dit raster te gebruiken, kunt u het formaat van de afbeelding aanpassen. Wilt u de afbeelding verkleinen, dan maakt u de vakjes kleiner dan in het origineel; wilt u de afbeelding vergroten, dan maakt u de vakjes groter. U kunt ook de verhoudingen wijzigen. Om van een landschapsafbeelding een breedbeeldformaat te maken, maakt u de rasterafstand rechthoekig, waarbij de horizontale afstand tussen de lijnen groter is dan de verticale. Om de voorgrond kleiner te maken, maakt u de onderste rij vakjes rechthoekig, maar laat u de rest van de afbeelding vierkant.
De derde stap is het noteren van de belangrijkste lijnkruisingen in de afbeelding. Ik vind het het makkelijkst om systematisch te werken: bijvoorbeeld van boven naar beneden, de belangrijkste horizontale lijnen noteren; vervolgens van links naar rechts, de belangrijke verticale lijnen noteren, en tot slot eventuele diagonale lijnen of details toevoegen. Dit helpt om te voorkomen dat belangrijke lijnen worden overgeslagen, of dat je vakjes in het raster moet tellen om te bepalen waar een lijn zich bevindt.
Dit alles doe je uit de vrije hand, op gevoel. Je zet gewoon een klein streepje op de tekening op elk punt waar een lijn in de afbeelding een lijn in het raster kruist. Je kunt ook korte lijntjes gebruiken om de helling en richting van een lijn aan te geven. Om de nauwkeurigheid van je schatting van de locatie van een punt te verbeteren, plaats je de punt van je potlood in het midden van een lijn om deze in tweeën te delen en bepaal je de locatie van het punt in het halve segment.
de geleidingsmarkeringen met lijnen verbinden
De laatste stap is het verbinden van de hulplijnen in de tekening als levende lijnen. Ook hier werk ik van boven naar beneden, waarbij ik alle horizontale lijnen teken, en vervolgens van links naar rechts, waarbij ik de verticale lijnen teken. Tenzij nauwkeurigheid belangrijk is, is het het beste om de hulplijnen te gebruiken als geheugensteuntjes voor de vorm van de lijn, maar hier gerust van af te wijken in het belang van het ontwerp, de vereenvoudiging of de nadruk.
het beeld overtrekken
Moderne kunstenaars gebruiken diverse optische hulpmiddelen om zich te ondersteunen bij het tekenen of schilderen.
Opaque projectoren . Het populairst zijn diverse opaque projectoren of vergrotingsprojectoren (die ik in mijn jeugd gebruikte en waar ik dol op was, onder de naam Magnajector). Bekende merken zijn onder andere Artograph, Trace-Master, Seerite en Kopykake; de prijzen variëren van ongeveer $50 tot $630, afhankelijk van de kwaliteit van de optiek, de vergrotingsfactor, de lichtbron en het ventilatiesysteem.
Objectprojectie . Methoden om het hele object te projecteren. Vroeger werd hiervoor een camera obscura gebruikt.
Het volgen van de schaduw van een botanisch exemplaar
Microscopen zijn ook gebruikt als projectie-instrumenten, bijvoorbeeld bij het ontleden van micro-organismen, mineralen of levend weefsel.
Diaprojectoren . Met de komst van digitale camera's en beeldschermen is de technologie van de diaprojector inmiddels achterhaald. Wanneer er echter dia's of ander bronmateriaal beschikbaar zijn, kunnen deze op dezelfde manier worden gebruikt als een opaque projector.
documenteren met foto's
Foto's hadden een aanzienlijke invloed op de artistieke waarneming, omdat ze aspecten van de wereld visueel konden weergeven die met het blote oog moeilijk of onmogelijk te zien waren.
De baanbrekende teksten zijn de vele series analytische foto's van de Victoriaanse fotograaf Eadweard Muybridge (1818), die onder de titel Animal Locomotion (1887) boeken publiceerde met afbeeldingen van mensfiguren en dieren in beweging, snel achter elkaar gefotografeerd tegen een analytisch raster. Het was Muybridge die definitief een einde maakte aan een langlopend debat over de vraag of een dravend paard tijdens zijn gang ooit volledig in de lucht zweeft (het antwoord is ja).
Stromend water, rimpelende reflecties, de kleuren van de schemering, de vleugels van de kolibrie en de vorm van exploderend vuurwerk zijn slechts enkele van de visuele pracht die nauwkeurig is weergegeven in schilderijen op basis van foto's. En de meeste leerboeken over lineair perspectief zullen een foto van spoorrails of wolkenkrabbers in de stad afdrukken als 'bewijs' dat perspectief 'echt' is.
creatieve bewerking van foto's
Een van de meest opwindende mogelijkheden die digitale beeldverwerking heeft geopend – direct, met een digitale camera, of indirect, door een op de traditionele manier gemaakte foto of tijdschrift te scannen – is de mogelijkheid om digitale media als creatief hulpmiddel te gebruiken.
beeldbewerking gebruiken om details te verminderen
Het voorbeeld laat de verschillen zien tussen de originele afbeelding (links) en de afbeelding die is bewerkt met de "pixelate/facet"-functie van Adobe Photoshop (rechts). Door de pixelering wordt de afbeelding gereduceerd tot een onregelmatig mozaïek van kleuren, waardoor vormen worden vereenvoudigd en gedetailleerde of complexe texturen verdwijnen (let op het verschil in de blauweregenbloemen aan weerszijden). Ik vind dit met name handig om vormen te analyseren in grote kleurvlakken en om complexe, gedetailleerde texturen te reduceren tot vereenvoudigde, schematische patronen die gemakkelijker te schilderen en te verwerken zijn in decoratieve effecten.
Als je toegang hebt tot een krachtig beeldbewerkingsprogramma en bereid bent te leren hoe je het moet gebruiken, kun je je creatieve mogelijkheden op het gebied van compositie aanzienlijk vergroten. Het volgende voorbeeld laat zien hoe ik een spontane landschapsfoto heb bewerkt tot een basisafbeelding voor een landschapsschilderij.
Beeldcompositie herzien: formaatverhoudingen
Photoshop biedt de mogelijkheid om een transparante laag in te voegen, die gebruikt kan worden om hulplijnen of registratiemarkeringen te tekenen voor het verschuiven van beeldelementen. Deze laag kan worden uitgeschakeld, zodat het beeld ook zonder de laag kan worden bekeken. De afbeelding hierboven toont het landschap met daarop een raster van formaatverhoudingen .
De verhoudingen van het beeld suggereren dat de centrale groep bomen kan worden opgesplitst en de bergen in de verte lager en anders vormgegeven om de tweede horizontale lijn te definiëren. De donkere tinten op de voorgrond kunnen iets worden verminderd en de afbeelding van de weg kan worden vergroot. Al deze veranderingen zouden het gevoel van diepte en ruimte in het beeld vergroten en zo de compositie openstellen voor een meer nadrukkelijke weergave van het licht dat van links naar rechts stroomt.
Beeldcompositie herzien: voor en na
Deze vergelijkingsafbeeldingen tonen de landschapsfoto vóór en na bewerking. De veranderingen zijn subtiel, maar ik zie een algemene versterking van het gevoel van diepte en perspectief, een elegantere verdeling van de massa's, een betere weergave van de relatie tussen de weg en de groepen bomen in de verte, en een beter patroon van afwisselende donkere en lichte banden in het landschap.
Het beeldbewerkingsprogramma kan ook worden gebruikt om waarden of tinten aan te passen, kleurschema's te wijzigen, individuele objecten te vergroten of te verkleinen, objecten van links naar rechts of van boven naar beneden te spiegelen en een enkel object (zoals een boomtak) meerdere keren te kopiëren om een complex patroon of textuur te creëren. Merk op dat al deze wijzigingen ook door een kunstenaar in een waardeschets of kleurstudie kunnen worden uitgeprobeerd: het verschil is dat de wijzigingen sneller kunnen worden aangebracht en dat meerdere versies van dezelfde afbeelding eenvoudig kunnen worden vergeleken door de transparante lagen met elke bewerking in of uit te schakelen.
Landschapsformaten . Veel hedendaagse kunstenaars zijn zo gewend om een foto als basis voor hun schilderij te gebruiken, dat ze niet stilstaan bij de vele manieren waarop een foto kan worden bewerkt voor een dramatisch effect.
Landschapsschilders pasten van oudsher de verhoudingen van objecten en afstanden aan, soms door de regels van het lineaire perspectief te overtreden of te overdrijven, om een meeslepender landschapsbeeld te creëren. Deze overdrijvingen maken deel uit van de landschapstraditie. Ik gebruik vaak eenvoudige Photoshop-bewerkingen om een vergelijkbaar effect te bereiken.
Hier is een voorbeeld van een foto van de nabijgelegen Californische kust, gemaakt met de 18-70mm zoomlens die standaard op mijn Nikon D70 prosumer digitale camera zit. (Ik heb de lens ingesteld op ongeveer 30mm, oftewel groothoek, om deze foto te maken.)
De meeste digitale foto's hebben tegenwoordig ongeveer een verhouding van 30:20, wat dicht in de buurt komt van het standaardformaat van een A4-vel (30:22), te zien aan de toegevoegde zwarte rand onderaan de afbeelding. De techniek die ik beschrijf werkt echter voor elk formaat, mits je de foto eerst bijsnijdt tot de gewenste afbeelding en vervolgens de breedte van die afbeelding aanpast aan de breedte van het papierformaat dat je voor het schilderij gaat gebruiken.
landschapsfoto tegen volledig A4-formaat
In Adobe Photoshop is een eenvoudige manier om de formaten op elkaar af te stemmen het selecteren van de volledige digitale afbeelding ( Command+A ) en vervolgens de functie Vrije transformatie (in het menu Bewerken , of Command+T ) te gebruiken om alleen de hoogte met 110% te vergroten. Dit lost echter de fundamentele tekortkomingen van de originele afbeelding niet op. De kliffen in de verte lijken verder weg en lager dan ze in werkelijkheid lijken, terwijl de rotsen op de voorgrond in verhouding te groot zijn. De kijker lijkt over de branding heen te kijken in plaats van eronder, en de branding rond de landtong lijkt vlak en levenloos. De voorgrond lijkt aan beide kanten weg te lopen, alsof deze uit de onderste hoeken van het kader verdwijnt.
Hier is de oplossing. Gebruik het rechthoekige selectiegereedschap om de hele onderkant van de afbeelding te selecteren, vanaf de basis van de belangrijkste vorm in het midden van de afbeelding tot aan de onderrand (oranje rechthoek). Gebruik vervolgens de vrije transformatie om alleen dit deel van de afbeelding naar boven te vergroten (oranje pijl). Bepaal op gevoel hoeveel verkorting het beste past bij de hoogte van de vorm in het midden van de afbeelding. (Een reductie van een derde, oftewel 66%, is meestal voldoende.)
verticaal comprimeren van de voorgrond van het landschap
Selecteer ten slotte het volledige afbeeldingsgebied en gebruik opnieuw de functie Vrije transformatie om het naar beneden te trekken totdat het het volledige formaat van het vel vult. Dit compenseert grotendeels de eerdere compressie van de voorgrond, maar verlengt de vormen in het middengebied en op de achtergrond verticaal.
Bewerkte foto, formaat aangepast naar volledig A4-formaat.
De kliffen in de verte doemen nu op en komen mooi dichterbij, en hebben meer gewicht in verhouding tot de rotsen op de voorgrond. De horizon is lager komen te liggen, waardoor de verhouding tussen lucht en landschapsvormen groter is geworden. Het strand op de voorgrond lijkt onder de voeten van de kijker door te stromen en de kijker wordt naar het midden van het beeld getrokken. De branding in de verte lijkt dichterbij en daardoor levendiger. Alle landschapselementen worden in een strakkere, meer dynamische verhouding tot elkaar gebracht, deels door de perspectiefregels van groothoekfoto's te doorbreken, die objecten in de verte juist verder weg plaatsen.
Om u te helpen visualiseren wat hier is gedaan, heb ik exact dezelfde transformatie toegepast op een perspectivisch verloop en vierkante vormen (links), waardoor de gewijzigde perspectivische ruimte is ontstaan (rechts). De horizon is weggevallen en de orthogonale lijnen buiten de transformatiegrens zijn naar boven gekanteld. De voorgronddiepte en de verhoudingen van de objecten zijn verticaal iets samengedrukt.
perspectiefgradiënt voor en na transformatie
Deze methode vertaalt zich in een eenvoudige tekenprocedure bij het werken in het veld: verleng de verre objecten verticaal (zodat ze groter en dichterbij lijken) en comprimeer de voorgrond verticaal (vergroot de verkorting) met een evenredige hoeveelheid, zonder de verhoudingen van de objecten op de voorgrond te veranderen (of enigszins af te vlakken).
Het meest intrigerende is dat mensen die bekend zijn met het specifieke landschap dat je hebt geschilderd, de getransformeerde afbeelding mooier zullen vinden, maar niet zullen merken dat deze op enigerlei wijze is vervormd. Dit geldt zelfs voor veel gebouwen of architectonische vormen, die er dynamischer of indrukwekkender uitzien wanneer ze op deze manier worden vervormd.
Als landschapsgebouwen of -figuren na de transformatie onacceptabel vervormd lijken, selecteer en kopieer dan het betreffende gebouw of de figuur uit de originele afbeelding, pas de standaardtransformatie toe op de omringende ruimte (het landschap), plak de originele vorm over de vervormde vorm en transformeer vervolgens de originele afbeelding van het gebouw of de figuur vrij totdat deze de gewenste grootte en verhoudingen heeft.
Zoals je ziet, is het praktisch en soms zelfs krachtig om verschillende delen van een afbeelding te selecteren, te vergroten of verkleinen, te transformeren en op verschillende manieren te verplaatsen, en ze vervolgens samen te voegen tot een compleet nieuwe afbeelding. Je kunt ook bepaalde figuren horizontaal vergroten, bijvoorbeeld alleen de boksers in een boksring, om ze massiever te laten lijken. (Martin Scorsese filmde de boksscènes in Raging Bull met boksringen van verschillende afmetingen, om verschillende perspectief- en grootte-effecten voor de camera te creëren.)
Analyse van vorm en licht . Fotografische media kunnen ook worden gebruikt om een grote verscheidenheid aan visuele problemen te analyseren, met name door een complex beeld te overdrijven of te vereenvoudigen op een manier die het mogelijk maakt om het in een niet-fotografische stijl te schilderen.
Je mogelijkheden hangen af van het soort afbeeldingen en de fotobewerkingssoftware die je tot je beschikking hebt. Bijna alle digitale camera's worden tegenwoordig geleverd met eenvoudige fotobewerkingssoftware, en professionele schilders kunnen er baat bij hebben te investeren in een professioneel programma zoals Adobe Photoshop . (Het belangrijkste: experimenteer met het programma dat je hebt om te ontdekken wat er allemaal mogelijk is.)
Hier volgt een eenvoudig analysevoorbeeld dat een van de meest fundamentele landschapsproblemen behandelt: het schilderen van een boom.
Een boom analyseren met behulp van de beeldbewerkingsfuncties van Photoshop.
linksboven : originele afbeelding; rechtsboven : filter > pixeleren > facet; linksonder : filter > penseelstreken > geaccentueerde randen; rechtsonder : filter > artistiek > uitsnijden
De afbeelding links is waarschijnlijk wel te herkennen voor een ervaren schilder, maar voor veel beginnende landschapsschilders zal de boom een amorfe puzzel zijn – ze zien de boom niet door de bladeren heen. Photoshop stelt ons in staat de vorm te reduceren tot de essentie.
De specifieke methode die ik gebruikte was: (1) het originele digitale beeld verkleinen tot een geschikt klein formaat (dit is deels giswerk), (2) de beeldstructuur vereenvoudigen met behulp van het hulpprogramma Pixelate: Facet , en vervolgens (3) zowel de helderheid als het contrast verhogen (met het hulpprogramma Adjust Image: Brightness/Contrast ) om een duidelijke definitie van de vorm te verkrijgen. (Het beeld eerst vervagen en vervolgens het contrast verhogen kan vergelijkbare resultaten opleveren.)
Na transformatie lost het beeld zich op in in elkaar grijpende vormen die duidelijk geschilderd kunnen worden als een puzzel van vlakke kleurvlakken. De donkere "gaten" waardoor we in het diep beschaduwde binnenste van de boom kunnen kijken, zijn duidelijk te zien, de scheiding tussen de verlichte en schaduwrijke buitenste bladeren is nauwkeurig gedefinieerd, alle kleurvlakken vormen een basiskleur met willekeurige accenten van lichtere, geler of rodere tinten, en we ontdekken zelfs een onverwacht detail: die bijna witte reflecties in de bovenste takken.
Camera's bepalen niet je artistieke visie, tenzij je ervoor kiest om ze dat wel te laten zijn. Toch is het onjuist om te zeggen dat deze computermanipulaties andere manieren zijn om de werkelijkheid weer te geven – de werkelijkheid wordt immers alleen 'weergegeven' in de geest, niet daarbuiten. Ik heb methoden beschreven om de rijke informatie die de wereld ons biedt, via gemaakte beelden, te filteren of te vervormen op een manier die de perceptie van de kijker op artistiek wenselijke wijze beïnvloedt.
de wereld vertegenwoordigen
Toen David Hockney zijn onderzoek naar het vroege gebruik van optische projectieapparaten begon, was hij aanvankelijk getroffen door het unieke uiterlijk van tekeningen en schilderijen die mogelijk waren overgetrokken van de beelden die door lenzen of spiegels werden geprojecteerd. Tekeningen misten de aarzeling, de lijnen van vallen en opstaan en de gumsporen; schilderijen hadden unieke kwaliteiten van fysieke details.
Ook met fotografie konden eindelijk nieuwe visuele details worden vastgelegd: de gang van een paard of de sprong van een kat, het spel van waterreflecties.
twee ondoorzichtige projectoren
Draagbaar studentenmodel van Artjector (boven); professioneel tafelmodel van Kopykake (onder)
Bij elke stap bracht de artistieke toepassing van de technologie ook onhandige misinterpretaties met zich mee: schilderijen vertoonden merkwaardige afwijkingen in figuurproporties of houding, omdat de optische apparaten afzonderlijke, beperkte projecties vereisten die op elkaar moesten worden afgestemd. Een vroeg schilderij van Thomas Eakins, van dravende paarden, is absurd onrealistisch.
Het punt is dat de kunstenaar nooit de verantwoordelijkheid afstaat voor de keuze van het informatieve moment en perspectief dat in het beeld wordt gebruikt. Een fotorealistisch schilderij van een duiker aan het begin van zijn sprong zou er net zo komisch en eigenaardig uitzien als de dravende paarden van Eakins: de duikplank die onder zijn voeten naar beneden buigt, beide armen gestrekt en knieën gebogen, alsof hij zich voorbereidt op een val.
Handelingen kennen momenten van buiging, van nadruk, van maximaal dynamisch potentieel: de duik wordt pas zichtbaar wanneer de duiker in de lucht is, niet wanneer hij in zijn voorbereidende hurkpositie staat. Aan het einde van het parkeren zit de bestuurder gewoon in de auto, alsof hij op iemand wacht; aan het einde van een gevecht kan de aanvaller zijn weerloze slachtoffer benaderen op dezelfde manier als een barmhartige Samaritaan iemand benadert die per ongeluk is gevallen. Kunstenaars kiezen de momenten die dingen duidelijk maken, of juist opzettelijk prozaïsch en ambigu, en dat is iets wat technologie nooit kan.
Het is onjuist om te zeggen dat dit verschillende manieren zijn om de werkelijkheid weer te geven – de werkelijkheid wordt immers alleen "weergegeven" in de geest, niet daarbuiten. Het zijn veeleer manieren om de rijke informatie die de wereld ons biedt te filteren of te vervormen , de werkelijkheid samen te vatten en te abstraheren op een manier die een esthetisch effect heeft.
een verkeerde inschatting van het fotorealisme in Thomas Eakins "Een meiochtend in het park" (1880)