technische problemen

In deze fase combineerde ik technische studies, kleine schilderijen en grotere werken.

Ik begon een aantal specifieke technische moeilijkheden te herkennen in de manier waarop schilderijen uitpakten: het beheersen van de rand, het creëren van expressieve penseelstreken, het effectief contrasteren van waarden, het schilderen van ideeën of symbolen in plaats van objecten, het beperken van kleurvariatie, het versterken van de waardestructuur, en zo ging de lijst maar door.

Ik begreep niet hoe tekenen zich verhield tot schilderen, of wat het doel van tekenen los van schilderen was; mijn methode was om een ​​schets van contouren te maken en die vervolgens in te vullen. Later begon ik tekenen te gebruiken om de grote vormen heel globaal te schetsen, met een specifieke weergave van de details en randen die correct geschilderd moesten worden, omdat ze bijna onmogelijk te corrigeren zouden zijn als ze fout gingen (een lichte rand tegen een donkere schaduw).

Gelukkig heb ik nooit de pietluttige schildersstijl gevolgd waarbij je veel handdoeken en sponzen gebruikt, de kwast droogdept en fouten wegkrabt. Ik schud de kwast gewoon uit tijdens het schilderen, en als er een foutje in zit, jammer dan, zo gaat dat nu eenmaal.

Ik denk zelfs dat het niet corrigeren van fouten, omdat het ze alleen maar erger maakte, me dwong om sneller te leren opletten wanneer het erop aankwam en het meteen goed te schilderen. Dat is een goede vaardigheid om te hebben.

Je moet je concentratie tijdens het schilderen aan- en uitzetten; laat je die constant op volle sterkte staan, dan raakt die uitgeput (meestal rond het midden van het schilderij). Ik merkte dat ik even stopte om adem te halen en me echt te concentreren voordat ik aan iets moeilijks of gedetailleerds begon.

Het schilderen met waterverf was een heerlijke onderbreking, waarbij je gewoon kon kijken hoe het penseel en het pigment zich naar eigen inzicht verspreidden.

En ook het schilderij heeft zo zijn momenten van rust nodig. Alle schilderijen kennen momenten waarop ze moeten drogen voordat de volgende stap gezet kan worden, en dat zijn heerlijke momenten om te ontspannen en van het uitzicht te genieten... het schilderij, de omgeving, de sfeer, het licht, alles verdient een ontspannen blik.

Sommige schilders raden aan om die momenten, en de natte verf, met een föhn te bewerken... maar dat is ook niet mijn stijl. Als een schilderij te nat is om aan te werken, werk ik waarschijnlijk te slordig of probeer ik te snel te werken.

Sommige wet-in-wet-effecten hebben meerdere minuten nodig om zich te ontvouwen en kunnen niet worden versneld.

Aquarellen hebben hun eigen tempo. Dit hangt af van de warmte en de lucht, de hoeveelheid water die gebruikt wordt en de soorten pigmenten in de verf. Het tempo beïnvloedt hoe zwaar mijn concentratie wordt belast, wat weer invloed heeft op hoe ik het werk aanpak.

Door deze verbindingen komt de sfeer van het moment op een zichtbare manier in het schilderij tot uiting. Mijn energie, mijn stemming, mijn vaardigheid, de lucht, de hitte, het onderwerp – alleen aquarelverf kan dit alles tot één beeld versmelten. Dit is het bijzondere proces van aquarelschilderen, dat ik heb geprobeerd te doorgronden en naar believen toe te passen.

Tijdens dat proces merk ik dat ik moet stoppen en naar het schilderij moet kijken, omdat ik zo druk bezig ben met schilderen dat ik niet echt zie wat ik heb gedaan. Mijn besef van wat er daadwerkelijk op het doek staat, wordt vertroebeld door mijn plannen om iets anders te doen.

Ik was verrast te ontdekken dat ik de neiging had dingen te doen op basis van verwachting, in plaats van met nauwlettende aandacht voor het moment. Passages werden troebel omdat ik eraan bleef werken zonder echt te kijken naar wat er al was, wat zich langzaam ontvouwde zoals aquarelverf dat doet.

Het grootste deel van mijn wakkere bewustzijn is een klein laserlichtje van zekerheid en doelgerichtheid in een immense spelonk van onwetendheid en gevoelloosheid.

Ik begon met monochrome studies (in ivoorzwart of sepia en wit), waarbij ik foto's van Man Ray, Edward Weston of Paul Strand als voorbeeld gebruikte, om mijn gevoel voor waardestructuur te ontwikkelen.

Studie #1 is een ander voorbeeld van de technische studies uit deze periode. Ik begon eraan om de effecten van achtergrondtinten op geglazuurde kleuren te onderzoeken (elk kwart van het schilderij is getint met een andere aardverf)... maar het bleek een geweldige oefening in lange penseelstreken te zijn, en tevens een prachtige kleurcompositie.

Dit is wat ik zo leuk vind aan aquarelverf: het pakt nooit uit zoals je het gepland had.