Paul Cézanne (1839-1906) wordt vaak de vader van de moderne schilderkunst genoemd, een eer die hij deelt met Claude Monet. Als onwettige zoon van een naaister en een getrouwde landeigenaar uit Aix-en-Provence (Frankrijk) studeerde Cézanne tegelijkertijd tekenen en rechten (op wens van zijn vader) aan twee verschillende scholen. In 1861 reisde hij naar Parijs – tegen de wil van zijn vader en tekenleraar in, maar aangemoedigd door zijn schoolvriend, de romanschrijver Émile Zola – om te studeren aan de Académie Suisse en bij de Aix-en-Provence schilder Joseph-François Villevielle. De volgende acht jaar wisselde hij zijn studie in Parijs af met zijn werk in Aix, deed twee mislukte pogingen om toegelaten te worden tot de prestigieuze École des Beaux-Arts en werd de toegang tot de jaarlijkse Salon-tentoonstellingen geweigerd. Hij had ruzies met zijn familie en verwierf een reputatie als artistieke revolutionair. In 1869 ontmoette hij Émélie Hortense Fiquet, die zijn levensgezellin werd en de moeder van zijn buitenechtelijke zoon (feiten die zijn vader later ontdekte door de post van zijn zoon te onderscheppen) en in 1886 zijn vrouw. Tussen 1872 en 1881 verhuisde Cézanne regelmatig naar verschillende plaatsen in de Midi (Auvres, Pontoise en Melun in Zuid-Frankrijk), maar bleef wel regelmatig naar Parijs reizen. Hij bracht veel tijd door met schilderen in de buitenlucht met zijn oudere vriend en artistieke beschermheer Camille Pissarro (1830-1903), die hij "als een vader voor me" noemde. Cézanne exposeerde op de impressionistische tentoonstellingen van 1874 en 1877, maar bleef een artistieke buitenstaander – hij werd geweigerd door de Salons en in kritische recensies bekritiseerd. Hoewel zijn reputatie onder verzamelaars en avant-garde schilders zoals Monet, Renoir en Pissarro begon te groeien, bleef hij tot op hoge leeftijd worstelen met familieproblemen en artistieke richting. Vanaf ongeveer 1890 werd Cézanne prikkelbaarder en teruggetrokken (hij leed aan diabetes en depressie). Hij leefde van een toelage en later een erfenis van zijn rijke vader, en werd steeds meer geprezen als een meester in het impressionisme, mede dankzij een artikel van Gustave Geffroy uit 1893. De professionele kunsthandelaar Ambroise Vollard (1867-1939) organiseerde Cézannes eerste solotentoonstelling in zijn galerie in 1895 en bood Cézanne daarna onwrikbare persoonlijke steun en scherp zakelijk advies. Tegen de tijd van zijn dood had Cézanne een diepgaande invloed uitgeoefend op onder anderen Van Gogh, Gauguin, Matisse en Picasso. Voor aquarellisten is hij een opmerkelijke stilist, die lijn, tint en expressieve penseelstreken combineert in een analytische en contemplatieve benadering van het beeld.
aquarelkunstenaars |
|
Kijk eerst eens naar deze tekening van een gemberpot met fruit op een tafel (ca. 1890, 24x36 cm). De stevig geconstrueerde potloodschets is slechts hier en daar ingekleurd. 
Sterker nog, de kleurvlakken zijn niet eens ingekleurd: ze zijn transparant en subtiel, waardoor de potloodtekening op zichzelf staat tegen Cézannes favoriete beige papier. (In de ogen van Cézannes tijdgenoten waren de grote onbeschilderde vlakken papier een van de meest vernieuwende kenmerken van zijn aquarellen.) Let op de vervagende contouren van de bladeren rechtsboven (het patroon van een kamerscherm) en de strook gebroken donkere tinten die over het midden van de pagina is geschilderd. Deze vormen verbindende accenten, maar vestigen ook de aandacht op het fruit aan de voorrand van de tafel, dat kleurrijk is uitgelicht op een manier die het fruit als het ware uit het papier laat springen, alsof het wordt gezien door de ogen van een man die besluit welk fruit hij zal opeten.
De vele potlood- en aquarelstudies van Cézanne zijn opmerkelijk omdat zijn kenmerkende olieverftechniek de lijn deed vervagen onder een lappendeken van penseelstreken, soms in gelijkmatige patronen zoals de schubben op een vlindervleugel. 
In de tekeningen waar hij de lijn krachtig gebruikt, zoals Grote Den, Studie (1895, 28x44cm), springt de lijn eruit als de structuur onder de penseelstreken met een wonderbaarlijk robuuste helderheid. De monumentale kracht van de boom wordt overgebracht door een ruw gewicht en de fragmentatie van de lijn door de hele vorm heen, en in de stompe, gebroken takken aan de rechterkant die contrasteren met de lange, sierlijke takken aan de linkerkant. Dit krachtige effect wordt verzacht door de heerlijk gestructureerde penseelstreken die de dennennaalden weergeven die de boom bedekken, en de grote vlakken onbedekt beige papier.
Met Het Château Noir (ca. 1904, 41x53 cm) betreden we een artistieke visie waarin de lijn vrijwel verdwenen is. Kenmerkend voor de stijl van Cézannes late aquarellen, komen de vormen naar voren door middel van korte stippellijnen of overlappende lijnclusters, die subtiel de randen van boomtakken of metselwerk aangeven. 
De rest van de pagina is gevuld met honderden overlappende vlakken van transparante, pure kleur – aureoline, roze meekrap, gele oker, gebrande sienna, viridiaan, kobaltblauw, Pruisisch blauw en zwart – aangebracht op een manier die sterk doet denken aan de manier waarop Cézanne zijn late olieverfschilderijen opbouwde met dunne verflagen. Vormen worden slechts gesuggereerd door de modellering van kleur en de subtiele variaties in waarde, die samen een enkel beeld van licht vormen – sombere bomen die de gloeiende gevel van het bescheiden kasteel van de familie Cézanne omlijsten. Dit doet denken aan Cézannes beroemde uitspraak: "hoe harmonieuzer de kleuren, hoe preciezer de tekening." Het is tevens een radicale breuk met het dik geschilderde realisme of de atmosferische vaagheid van hedendaagse Victoriaanse aquarellen .
De tentoonstelling 'The Cézanne' (Harry N. Abrams, 1996) van Françoise Cachin en anderen bevat de grootste selectie aquarellen die ik ooit heb gezien; de toelichtingen zijn uitstekend en de olieverfschilderijen zijn zeer goed gereproduceerd. Er is een kort hoofdstuk gewijd aan Cézannes eerste tentoonstelling in Amerika in 1911 in ' Modern Art in America: Alfred Stieglitz and His New York Galleries' van Sarah Greenough (National Gallery of Art, 2001).
