Paul Klee (1879-1940) was een van de meest inventieve, productieve en eigenzinnige kunstenaars van de 20e eeuw. Hij was de zoon van een Duitse muziekleraar die in Zwitserland woonde en leerde tekenen en schilderen van zijn grootmoeder van moederskant. Hij studeerde in 1898 af aan het gymnasium van Bern , het jaar waarin zijn familie naar München verhuisde. Daar begon Klee zijn studie aan de Academie voor Schone Kunsten in München. Van 1901 tot 1906 reisde hij door Italië en bezocht Parijs en Berlijn, met tussenpozen terugkerend naar Bern, waar hij viool speelde in het Berner orkest. In 1906 keerde hij terug naar München en trouwde met de Zwitserse pianiste Lily Stumpf. In 1911 ontmoette hij August Macke en Wassily Kandinsky , die een levenslange vriend van hem zouden worden. Via hen leerde Klee Franz Marc en Alexei von Jawlensky kennen en nam hij deel aan de groepstentoonstelling Blaue Reiter in 1912, terwijl hij parttime als kunstcriticus werkte. Dat jaar reisde hij ook voor de tweede keer naar Parijs, waar hij kubistische werken van Pablo Picasso en Georges Braque zag, voor het eerst de satirische tekeningen van Daumier zag en de Franse schilder Robert Delaunay (1885-1941) ontmoette, die Klee liet kennismaken met symbolistische ideeën over kleur. In 1914 reisde hij met Macke en de Zwitserse schilder Louis Moilliet, een jeugdvriend, naar Tunesië, een reis die zijn gevoeligheid voor kleur voorgoed aanwakkerde. Na zijn terugkeer werd hij een van de oprichters van de Nieuwe Münchener Secession. Klee werd diep geraakt door de dood van Franz Marc in de strijd in april 1916, dezelfde maand waarin Klee werd ingelijfd bij het Duitse leger, waar hij vliegtuigen beschilderde en als betaalmeester werkte. Na de oorlog, in 1919, kreeg Klee een grote tentoonstelling van 362 werken van de Münchense kunsthandelaar Hans Goltz , wat hem onmiddellijk internationale erkenning opleverde. Hij werd door Walter Gropius (1883-1969) uitgenodigd om zich aan te sluiten bij de Staatsliche Bauhaus- kunstacademie, waar hij van 1921 tot 1924 (in Weimar) en vervolgens van 1925 tot 1931 (toen de academie naar Dessau verhuisde) een "meester in vorm" was in de werkplaatsen voor glas, muurschilderingen en boekbinden. Dit decennium kenmerkte zich door actieve deelname aan tentoonstellingen (op de Bauhaus-festivals, in Parijs en New York), uitgebreide zomerreizen (naar de Noordzee, Sicilië, Parijs, Corsica, Egypte en diverse reizen naar Noord-Italië) en de publicatie van zijn Pedagogisch Schetsboek .(1925), een verkorte versie van zijn Bauhaus-ontwerplezingen. Ontevreden met de richting die het Bauhaus was ingeslagen, nam hij in 1931 ontslag om les te geven aan de Academie van Düsseldorf, maar behield zijn woning in Dessau. Toen de nazi's in 1933 aan de macht kwamen, werd Klee bestempeld als een 'ontaarde kunstenaar', geschorst van het lesgeven, bespot in de kranten en thuis lastiggevallen door de politie; aan het einde van het jaar verhuisde hij met zijn gezin terug naar het veilige Bern. In 1935 kreeg hij de eerste symptomen van systemische sclerodermie (een pijnlijke auto-immuunziekte die de huid, gewrichten en organen verhardt); de ziekte verergerde in de daaropvolgende twee jaar en Klee reisde zelfs naar Montana (VS) op zoek naar een genezing. Naarmate zijn gezondheid verslechterde, het politieke klimaat in Europa dreigender werd en hij er niet in slaagde het Zwitserse staatsburgerschap te verkrijgen, raakte hij in een diepe depressie en stopte hij bijna met schilderen. In de zomer van 1937 kon hij echter zijn werk hervatten en zijn productie steeg in 1939 tot meer dan 1200 stuks. Maar dit was zijn laatste bloeiperiode. Zijn vader overleed in januari 1940; Klee stierf die zomer op 60-jarige leeftijd in een ziekenhuis in Locarno, Zwitserland.
aquarelkunstenaars |
|
Begin twintig worstelde Klee met kleur: "op het gebied van kleur vond ik het moeilijk om vooruitgang te boeken." Hij begon in 1903 met etsen en werkte ruim drie jaar (1908-1911) vrijwel uitsluitend in monochrome aquarellen , tekeningen en etsen, waarbij hij kleur als afleiding uitsloot. Tijdens een twee weken durende reis naar Tunesië werd hij echter diep geraakt door het schitterende licht en de kleuren van het Noord-Afrikaanse landschap. 
In zijn beroemde woorden: "Kleur heeft me gegrepen. Ik hoef er niet langer naar te zoeken: het heeft me voorgoed gegrepen, dat weet ik. Dat is de openbaring van dit gezegende moment. Kleur en ik zijn één – ik ben een schilder." Hij bracht onmiddellijk kleur in zijn werk en begon verschillende stilistische alternatieven te verkennen. Wind in Marc's tuin (1914, 22x27 cm) is een lyrische aquarel die laat zien hoe Klee zijn nieuwe gevoel voor kleur consolideert binnen een vereenvoudigd patroon van geometrische vormen. (Gedurende het grootste deel van zijn carrière behield Klee een sterke interesse in repetitieve of rasterachtige patronen van felgekleurde vierkanten.) Ook is Klee's methode om kleurmengsels te creëren door overlappende transparante verflagen duidelijk zichtbaar. De algehele sfeer van het schilderij is vrij vergelijkbaar met de stijl van Macke en Jawlensky in die tijd: de collegiale steun van Macke en Moilliet tijdens de reis naar Tunesië, en van de schilders van Blaue Reiter in München, was net zo belangrijk voor zijn doorbraak als schilder als het openbarende licht van Klee's geliefde mediterrane landschappen.
Klee bewoog zich vrijelijk tussen figuratie en abstractie, en veel van het speelse karakter van zijn werk komt voort uit zijn behendige spel met de grens tussen beide. Hij plunderde conventionele symbolische systemen – pictogrammen en perspectieftekeningen, grafieken en cartoons – als iconisch materiaal voor zijn kunst. Zijn constante vorm was de tekening met onderschrift, de titel netjes onderaan de pagina gedrukt, met een sardonische humor die doet denken aan de karakterstudies van Honoré Daumier . Avondscheiding (1922, 34x24cm) staat duidelijk in de landschapstraditie, een fragment van de horizon aan het einde van de dag. 
Maar de tekening omvat door middel van haar symbolische inhoud een web van verwante interpretaties. In zijn vaak onbegrijpelijke Pedagogisch Schetsboek worstelde Klee om abstracte symbolen te verbinden met natuurlijke processen. Hij beschrijft de pijl (een symbool dat vaak in zijn werk voorkomt) als een icoon van energie, fysiek effect en spiritueel verlangen: "De vader van de pijl is de gedachte: hoe kan ik mijn bereik vergroten? Over deze rivier, dit meer, deze berg? ... Het contrast tussen kracht en onderwerping impliceert de dualiteit van het menselijk bestaan. Half gevleugeld, half gevangen – dat is de mens! De gedachte is de bemiddelaar tussen aarde en universum. De twee pijlen kunnen dus een verscheidenheid aan tegenstellingen symboliseren: het omhoog stralende maar stervende licht van de zon en de dalende nuances van de nacht, spirituele opstijging en fysieke achteruitgang, doorzettingsvermogen en lethargie, creativiteit en dogma, het heden en de toekomst. In veel aquarellen uit zijn Bauhaus-jaren accentueerde Klee door middel van duidelijke banden de subtiele mengeffecten die mogelijk waren met overlappende aquarelglazuurlagen: hier gebruikt hij ze om, bijna als een toonladder, de kleurovergang tussen warm oranje en koel blauw te analyseren, Klee's symbolen voor veranderende warmte of energie. Andere resonanties verschijnen in het woord dat gewoonlijk wordt vertaald als 'scheiding' ( Scheidung , wat in het Duits "ontbinding", "gerechtelijke scheiding" of "scheiding" betekent. Licht en donker kunnen alleen creatief samenkomen als beide aanwezig zijn; hun scheiding beëindigt de mogelijkheden die uit hun combinatie voortvloeien, en ontbinding krijgt de betekenis van de dood. Maar gerechtelijke scheiding geeft elke kracht zijn eigen domein, waardoor een creatieve grens tussen hen ontstaat: het doet denken aan de Bijbelse scheiding van dag en nacht toen God zijn wetten aan het universum oplegde. Klee's speelse meesterschap komt vaak tot uiting in de precisie van zijn ambiguïteiten.
In Klee's totale oeuvre van bijna 9000 werken is het enigszins ongebruikelijk om aquarellen te vinden die simpelweg op papier zijn geschilderd. Klee was een buitengewone technische vernieuwer en richtte zich grotendeels op het creëren van nieuwe ondergronden of dragers die zijn schilderijen ongewone textuur- en kleureigenschappen zouden geven. 
Hij schilderde aquarellen op olie- of krijtgronden aangebracht op stof of karton, schilderde binnen olieverftransfers op papier, spoot aquarelverf rond sjablonen en combineerde olie- en aquarelverf in hetzelfde werk. Diana in de herfstwind (1934, 62x48 cm), een schilderij uit zijn eerste ballingsjaar in Zwitserland, laat zien hoe hij dit probleem oplost door het papier te textureren met overlappende penseelstreken. De figuur – we nemen aan dat het een figuur is gezien de benen en het witte hoofd – heeft zich ontvouwd tot een patroon van overlappende vellen, alsof ze door de wind uit elkaar zijn gescheurd of zich vrijwillig aan haar energie hebben blootgesteld. De grote grijsvlakken in de figuur zijn het resultaat van de complementaire tegenstelling tussen rood en groen, of oranje en blauw, in deze context symbolisch voor de overgang tussen zomer en winter, groei en oogst, rijping en verval. Maar geeft de figuur zijn warmte af aan de wind, en laat een grijze huls achter, of absorbeert hij de herfstkleuren? Het symbool van de pijl is verdwenen; richting en oorzaak, actie en gevolg doen er niet meer toe. Het Pedagogisch Schetsboek lijkt deze extatische, evenwichtige toestand te beschrijven wanneer het zegt: "Kinetic coordination is a intricate task and requires a concept of advanced mature. As norm for such a composition we may postulate: a harmonization of elements to a independent, calm-dynamic, and dynamic-kalm entity." In dat licht zou dit Klee's zelfportret in de herfst van zijn leven kunnen zijn, waarin hij door middel van zijn kunst op kalme wijze de dynamische mysteries van de wereld belichaamt.
Een uitstekend overzicht van Klee's werk is te vinden in de tentoonstellingscatalogus Paul Klee: His Life and Work van het MOMA in New York , samengesteld door Carolyn Lanchner (Hatje Cantz, 1987). Het compacte boek Paul Klee van Susanna Partsch (Taschen, 1993) vat de diversiteit van Klee's werk samen met vele voorbeelden van aquarellen. Paul Klee: Painting and Music (Prestel, 1997) van Hajo Düchting is een intrigerende studie van Klee's theorieën over kleurcompositie.
