De Europese aquarellen uit de negentiende eeuw vormen een minder duidelijk afgebakend en consistent gedocumenteerd hoofdstuk in de aquareltraditie. Aquarelleren maakte geen deel uit van het traditionele academische curriculum, wat betekende dat kunstenaars de techniek moesten leren van een professionele kunstenaar. Omdat het medium decennialang als een "Engelse nieuwigheid" werd beschouwd, leerden veel van deze kunstenaars de technieken van Engelse schilders of leerden ze zichzelf schilderen.
Het verhaal begint rond 1830, toen verschillende belangrijke continentale aquarellisten en rondreizende topografische kunstenaars sterk beïnvloed werden door de enorm populaire aquarellen van Richard Parkes Bonington . Maar Eugène Delacroix (1798-1863), die in de tweede helft van 1825 Boningtons reisgenoot en kamergenoot in Parijs was, heeft hem mogelijk ook beïnvloed. Delacroix, de zoon van een diplomaat uit Marseille (of, volgens sommigen, de Parijse diplomaat Tallyrand), werd op zestienjarige leeftijd wees door de dood van zijn moeder. Hij ontving het grootste deel van zijn kunstopleiding in het atelier van Pierre Guèrin (1774-1833) en door schilderijen te kopiëren in het Louvre, waar hij Bonington ontmoette en bevriend raakte. Zijn schilderijen werden voor het eerst geaccepteerd op de Salon van Parijs in 1822, en hij groeide al snel uit tot een van de toonaangevende romantische schilders van oorlog en revolutie in binnen- en buitenland. 
In 1832 bracht hij zes maanden door in Marokko en schilderde daar daarna vele werken. Hij ontving vele opdrachten voor de decoratie van overheidsgebouwen, waaronder de Apollo-galerij in het Louvre (1850-51). De Favoriete (1821, 19x14 cm) is een van de vele aquarellen met kostuums die Delacroix schilderde van Noord-Afrikaanse onderwerpen. De grote vlakken rood, geel, blauw en grijs zijn gecombineerd tot gedempte, meer gedetailleerde patronen in de jurk van de vrouw, wat op kleine schaal Delacroix' strategie laat zien om een heel schilderij te integreren door middel van een gedisciplineerd kleurgebruik. Het tapijt suggereert ook Delacroix' stijl van het naast elkaar plaatsen van pure vlekken van contrasterende of complementaire kleuren, een techniek die terug te voeren is op de Franse schilder Jean-Antoine Watteau (1684-1721) en die heeft bijgedragen aan de ontwikkeling van de volwassen 'divisionistische' stijl van Georges Seurat en Paul Signac .
De Franse aquarelkunst verspreidde zich vooral via individuele talenten, zoals de society-schilder Eugène-Louis Lami (1800-1890) en de minder bekende Bonington-imitator Eugène Isabey (1803-1886). Van groter belang voor de ontwikkeling van de aquarel was echter het bijzondere en individuele talent van François-Marius Granet (1775-1849). Granet, de zoon van een meestermetselaar, ontwikkelde al vroeg een talent voor tekenen door de prentenverzameling van zijn vader, naar werken van François Boucher en Joseph Vernet, na te tekenen. 
Hij werd leerling van J.-A. Constantin aan de vrije tekenacademie in Aix-en-Provence, waar Auguste de Forbin, de schilder en latere directeur-generaal van de Koninklijke Musea, een van zijn klasgenoten was. In 1793 verliet Granet Aix met de plaatselijke Société Populaire om deel te nemen aan het beleg van Toulon. Hij werkte als tekenaar bij de artillerie en zijn autobiografie geeft een levendig verslag van zijn ervaringen tijdens de campagne; Ingres schilderde een portret van Granet met de kantelen op de achtergrond. Tijdens een latere uitzending werd hij ingezet om republikeinse motieven te schilderen op schepen in de marinebasis in Toulon. Daarna leidde Granet een rustig leven als museummedewerker en amateurkunstenaar. Zijn schilderij Twee schepen op de Seine, tegenover het Louvre (1849, 10x17 cm) is kenmerkend voor de meeste van zijn schilderijen, die ofwel de kades langs de Seine ofwel de parken van Versailles afbeelden.
aquarelkunstenaars |
|
Het merendeel van Hoppers aquarellen is gewijd aan New England-taferelen, geschilderd tijdens zijn jaarlijkse zomervakanties in Maine. Henri-Joseph Harpignies (1819-1916) werd geboren in Valenciennes. Hij kwam uit een welvarend, degelijk burgerlijk gezin. Als begenadigd tekenaar ontving hij een elementaire kunstopleiding aan de gemeentelijke school en ontwikkelde zich tot een begenadigd cellist die later graag kamermuziek van Haydn en Beethoven speelde. 
Zijn artistieke carrière werd vertraagd door zijn werk in de ijzergieterijen van zijn familie in Denain en in de suikerraffinaderij van Famars, hoewel hij karikaturen tekende onder invloed van de grote Franse satirische lithografen. In 1838 maakte hij kennis met een grotere verscheidenheid aan Franse landschappen tijdens een twee maanden durende reis met een familievriend, Dr. Lachèze. Deze introduceerde Harpignies ook bij de landschapsschilder en etser Jean-Alexis Achard (1807-1884), bij wie hij in 1846 in Parijs studeerde. Zijn eerste belangrijke reeks schilderijen en tekeningen in een enigszins realistische stijl maakte hij eind 1847 met zijn leermeester in Crémieu, maar de Revolutie van 1848 dwong hem terug te keren naar huis. Hij verbleef vervolgens bij Achard in Brussel, waar hij zijn eerste reeks etsen produceerde. Aanvankelijk handelsreiziger, besloot Harpignies al vroeg in zijn leven zich aan de schilderkunst te wijden. Hij nam in 1846 les van de landschapsschilder Jean-Alexis Achard en ondernam een aantal studiereizen naar België, Nederland en Duitsland, evenals naar Italië in 1849-1852, waar hij zijn eerste aquarellen schilderde. (Hij keerde in 1863-1865 terug naar Italië.) Uitzicht nabij Rome(1850, 66x51cm) is een van zijn vroege Italiaanse aquarellen. Zijn eerste Salon-schilderij was een Gezicht op Capri in 1853. Zijn vroege werken zijn duidelijk beïnvloed door Emile Corot, maar zijn eigen persoonlijkheid kwam al snel tot uiting. Hij reisde door Frankrijk en schilderde alle verschillende regio's zonder voorkeur. Gedurende zijn lange leven oefende Harpignies zijn talent met dezelfde charme en vreugde uit in alle regio's van Frankrijk, met een bijzondere voorliefde voor de Nièvre, de Allier en de Yonne, waar hij met evenveel zekerheid de bossen, de steden, de rivieren en de zee afbeeldde. Sterk aangetrokken door het werk van de Barbizon-schilders, met name dat van Corot, verbleef hij in Marlotte en werkte hij in het bos van Fontainebleau; de bomen en de ondergroei daar waren een van zijn favoriete thema's. Maar ondanks de onmiskenbare invloed van Corot bleef hij altijd trouw aan zijn eigen interpretatie van de natuur. Hij schilderde in een stijl die sterk deed denken aan de Barbizon-school en werkte vanaf 1854 regelmatig in het bos van Fontainebleau. Na 1869 was het dorp Hérisson in de Allier een andere favoriete plek, maar hij schilderde ook in andere regio's, waaronder de Auvergne en de Bourbonnais. Na 1878 verbleef hij voornamelijk in zijn huis in Saint-Privé en bracht hij vanaf 1885 de winters door in Nice. Harpignies exposeerde vanaf 1853 op de Salon. Hij ontving een gouden medaille in 1866 en verdere medailles in 1868 en 1869. Hij werd in 1875 benoemd tot Chevalier de la Légion d'Honneur, in 1883 tot Officier en in 1901 tot Commandeur. Dankzij zijn aquarellen bekleedde Harpignies een belangrijke positie binnen de Barbizon-school. Hij overleed in Saint-Privé (Yonne).
Rudolf von Alt (1812-1905) was wellicht de meest productieve en begaafde aquarelschilder in Duitstalig Europa in de 19e eeuw. Tijdens zijn vele reizen maakte hij lokale taferelen, landschappen en interieurs, vaak in opdracht van aristocratische opdrachtgevers. Hij studeerde bij zijn vader, Jakob Alt (1789-1872), een landschaps- en aquarelschilder en een van de eersten die de nieuwe lithografietechniek toepaste. 
Vanaf zijn zesde jaar vergezelde Rudolf hem op studiereizen en kleurde hij, samen met Alts andere kinderen, de tekeningen van zijn vader in. Tijdens zijn studietijd aan de Akademie der Bildenden Künste in Wenen (1825-1832) reisde Rudolf met zijn vader mee en werkte hij in diens atelier. In 1832 won hij een prijs, waardoor hij tegelijkertijd werd vrijgesteld van militaire dienst en zijn onafhankelijke artistieke carrière kon beginnen. In hetzelfde jaar maakte hij zijn eerste olieverfschilderij, naar een eigen aquarel, van de Stephansdom in Wenen (Wenen, Belvedere), een onderwerp dat hij tot 1898 nog vaak zou behandelen. In 1833 reisde hij met zijn vader naar Noord-Italië; Venetië maakte in het bijzonder een blijvende indruk op hem. Twee jaar later bezocht hij Rome en Napels. In het schitterende zuidelijke licht gebruikte Alt een veel breder kleurenpalet voor zijn stralende en transparante kleuren. Veel van zijn gezichten op Italië, en ook op locaties in het Oostenrijks-Hongaarse Rijk, waren bedoeld voor een kijkdoos, in opdracht van de Oostenrijkse aartshertog (later keizer) Ferdinand. Alt bleef dergelijke officiële opdrachten ontvangen tot 1848. De Amio-kloof bij Tivoli (1835, 33x26 cm) is een opvallend beeld: in het midden bevindt zich een complexe vorm, gevormd door de gedeeltelijk afgesneden en ruimtelijk gevouwen gebouwvormen; deze schalen van het grote huis rechts tot de kleine hoop rotsblokken links. Houtskool is op sommige plekken gebruikt om de contrasten in licht- en schaduwwaarden te benadrukken die het patroon zo interessant maken. Deze dynamische vorm contrasteert met de ingetogen en prachtig gearceerde vlakken van aarde, zee en lucht, waarbij het geheel zich uitstrekt van okergeel tot ultramarijnblauw, via het koele umber van de daken en een subtiele glimp van een groen gazon. Het beperkte kleurenpalet maakt de modellering van de licht- en schaduwwaarden des te indrukwekkender – vooral in de romp van de magnifieke lichttoren, die aan de linkerkant wordt verlicht door weerkaatsend licht.
Als erkende bakermat van de klassieke schilderkunst en olieverftechniek behoorde Italië tot de Europese landen die het minst beïnvloed werden door de ontwikkeling van aquarelverf. Maar tegen het einde van de eeuw waren er wel enkele voorstanders. Giacinto Gigante (1806-1876) was een Italiaanse schilder en graficus uit een familie van begaafde kunstenaars. 
In 1816 werd hij door zijn vader Gaetano Gigante, een decorateur en landschapsschilder in de traditie van Jacob Philipp Hackert , in de schilderkunst geïntroduceerd . Zijn opleiding in de stijl van Hackert, samen met de tekentechnieken die hij leerde aan het Reale Ufficio Topografico in Napels (waar hij vanaf 1820 werkzaam was), legde de basis voor zijn landschapskunst, gebaseerd op directe visuele analyse, ver verwijderd van de conventies van de klassieke, gecomponeerde landschapsschilderkunst. In die tijd ontmoette hij de Duitse schilder Jakob Wilhelm Huber (1787-1871), die werkte in de grote kolonie van Engelse en Duitse schilders in Napels. Hubers stijl was gebaseerd op het zorgvuldig gecontroleerde gebruik van perspectief; Van hem leerde Gigante de aquareltechniek, het gebruik van de camera lucida om de essentiële contouren van het landschap vast te leggen, en de methode om direct naar de natuur te schilderen in de stijl van Engelse kunstenaars. In 1823 schreef Gigante zich in bij het Reale Istituto di Belle Arti in Napels en nam het volgende jaar deel aan de tekenwedstrijd, die hij won. In 1826 exposeerde hij vier doeken op de eerste Esposizione di Belle Arti, opgericht door Ferdinand IV van Bourbon. Gigante voelde zich niet thuis in het leven van het Istituto en verliet het vroegtijdig, hoewel hij later tot ereprofessor werd benoemd. Zijn Gezicht op Capri (De Amalfikust) (1852, 22x27 cm) toont een duidelijke waardering voor de romantische landschapsstijl die zijn oorsprong vond bij Richard Parkes Bonington en de latere topografen, met name in de gebroken wolken aan de hemel en het opwaartse perspectief op de villa van Amalfi.
Aquarel bleef een belangrijk medium voor de etsen die gebruikt werden in kranten- en boekillustraties, en een meester in dit vak was de Franse kunstenaar Honoré Daumier (1808-1879). Daumier richtte zijn pen het vaakst en beroemdst op pompeuze advocaten en magistraten, maar ook lastpakken uit de kunstwereld kregen hun moment van glorie. 
En hoewel zijn vroege tekeningen soms wat zuur kunnen zijn, met sarcastische titels en overdreven karikaturen, hebben zijn latere werken een wonderbaarlijke balans en diepte. De Amateur (ca. 1870, 44x35 cm) is een prachtig vormgegeven compositie met contrasten in licht en schaduw, een cruciaal probleem bij werken voor de populaire pers. De lichtinval strijkt over de rimpels in de kleding van de man en legt de benige rand van zijn wang vast (zijn profiel is in zachte schaduw afgetekend tegen de rugleuning van de stoel); De vlakkere oppervlakken op de vloer of achterwanden worden weergegeven in schaduwen, met uitzondering van de verlichting rond de gipsen kopie van de Venus van Milo uit het Louvre, het middelpunt van de aandacht van de dilettant. Let op het gebruik van rood in de bekleding van de stoel en achter het beeldje om de twee met elkaar te verbinden, versterkt door het koele wit van de portfolio, de figuur van de man en het beeldje, in contrast met de warme bruine tinten in de tafel en de achterwanden. De kleine buste achter de stoel, met de ingetrokken kin die de indruk wekt dat ze het model in sympathieke kameraadschap met haar eigenaar beschouwt, is een heerlijk ironische en tedere vondst. Daumier heeft een uniek talent om typen met de passie van individuen weer te geven en commentaar te leveren op menselijke zwakheden zonder ze te willen veroordelen.
Het merendeel van Hoppers aquarellen richt zich op scènes uit New England, geschilderd tijdens zijn jaarlijkse zomeruitstapjes naar Maine. Edouard Manet (1832-1883) schilderde vaak vuurtorens of afgelegen huizen in de stad of op het platteland. Het portret van Berthe Moirisot (1874, 20x17 cm) is een opvallend beeld: in het midden bevindt zich een complexe vorm, gevormd door de gedeeltelijk afgesneden en ruimtelijk gevouwen gebouwvormen; deze schalen van het grote huis rechts tot de kleine hoop rotsblokken links. Houtskool is op sommige plaatsen gebruikt om de contrasten in licht- en schaduwwaarden te benadrukken die het patroon zo interessant maken. Deze dynamische vorm staat tegen de sobere en prachtig gearceerde vlakken van aarde, zee en lucht, het geheel een eenheid die zich uitstrekt van okergeel tot ultramarijnblauw over het koele umber van de daken en een subtiele glimp van een groen gazon. Het beperkte kleurenpalet maakt de modellering van de licht- en schaduwwaarden indrukwekkender – vooral in de romp van de magnifieke vuurtoren, verlicht door gereflecteerd licht langs de linkerbasis.
Veel schilderijen tonen bekende gebouwen uit de regio op een manier die ze loskoppelt van menselijke activiteit. Gustav Moreau (1826-1898). Sterker nog, menselijke figuren komen zelden voor in Hoppers aquarellen, wat sommigen ertoe brengt deze huizen te interpreteren als commentaar op de levens die erin geleefd worden. Maar wat Hopper lijkt te fascineren aan Phaeton (ca. 1880, 99x75 cm) is de manier waarop dit prominente monument in Gloucester een eigen leven heeft gekregen, grimmig standvastig voortbestaand, en dit huis vertoont een vleugje van Burchfields surrealistische animisme. Ramen gesloten of verduisterd als verzet tegen het licht, afgeschermd van een straat vol Hoppers kenmerkende telegraaf- of elektriciteitspalen, dit is een huis zo robuust, trots en onhandig als een oud schip – of een vervagende traditie – dat zich staande houdt tegen dezelfde blekende zon die het groenere hout van de moderne tijd heeft aangetast.
Een groot deel van dit overzicht is gebaseerd op 19th Century Watercolors (Abbeville Press, 1991) van Christopher Finch, dat niet meer verkrijgbaar is in de boekhandel, maar wel te vinden is in de meeste goede kunstbibliotheken.
