Charles Burchfield (1893-1967) was een Amerikaanse original, een eigenzinnige behangontwerper die zich onderscheidde van de artistieke stromingen van zijn tijd en die, dankzij zijn doorzettingsvermogen en integere visie, uitgroeide tot een van de meest opmerkelijke schilders van de 20e eeuw. Geboren in Ashtabula Harbor, Ohio, verhuisde hij op vijfjarige leeftijd met zijn weduwe moeder naar Salem, Ohio. Van 1912 tot 1916 studeerde hij aan het Cleveland Institute of Art onder Henry Keller . Hij ontving een beurs om te studeren aan de National Academy of Design in New York, maar stopte beschaamd na zijn eerste dag tekenen naar een naaktmodel. Hij keerde terug naar Cleveland om als behangontwerper aan de slag te gaan en schilderde tijdens lunchpauzes en in de weekenden. In 1921 verhuisde hij naar Buffalo om als behangontwerper te werken voor NH Birge & Sons, en in 1925 naar de Buffalo-voorstad Gardenville, waar hij de rest van zijn leven woonde. Hij trouwde in 1922 en kreeg uiteindelijk vijf kinderen, maar gaf in 1929 zijn baan op om zich volledig aan de schilderkunst te wijden. Zijn werk werd wijdverspreid bekend en redelijk populair tijdens de regionalistische beweging van de jaren 30 en werd vertegenwoordigd door de Frank KH Rehn Galleries. In 1943 werd hij verkozen tot lid van het National Institute of Arts and Letters en na 1949 gaf hij voornamelijk zomercursussen kunst aan scholen in Buffalo, Cleveland en Minnesota.
Burchfields vroegste schilderijen, waarvan vele in de weekenden en tijdens zijn lunchpauzes in de behangfabriek zijn geschilderd, zijn technisch gezien wat wankel, maar tonen vaak een buitengewone visuele verbeeldingskracht. Decoratief Landschap, Schaduw (Wilgen op Vine Street) (1916, 50x35 cm; in de collectie van het Munson-Williams-Proctor Art Museum, Utica, NY) is een perceptueel raadsel en een gedicht van transfiguratie. 
Van de horizon naar beneden toont het schilderij twee bomen langs een landweg naast een landelijk huis; kleurnotities zijn geschreven binnen de dikke potloodcontouren. Bedek de bovenkant van het schilderij met een vel papier en er is niets dat een getalenteerde weekendschilder niet zou kunnen doen. Maar naarmate de bomen de hemel bereiken, veranderen de visuele symbolen in zwart-witte patronen. De takken worden dunner alsof ze worden verlicht door intens licht of etherisch worden gemaakt door een mystieke extase, en de bladerkroon lost op in vreemde seinen. Is het daglicht of donker? De zwarte vorm rechtsboven lijkt op de kruin van een donkere boom, maar heeft de impact van een met sterren bezaaide hemel – er is geen kleur die onze waarneming in de ene of de andere richting stuurt. De cluster van zwarte stippen rechtsboven en de chevrons van kleine streepjes die bladeren voorstellen, lijken op symbolen van een topografische kaart, of op notaties van kracht of beweging in plaats van vorm. Het schilderij presenteert het soort onmogelijke dubbele perspectief dat we vaker zien in het werk van J.C. Escher, maar Burchfield slaagt erin dit te bereiken zonder geometrische vervormingen door zijn eigenzinnige en oninterpreteerbare weergave van volkomen alledaagse objecten, en een gestileerde transfiguratie die zinspeelt op spirituele energieën, onheilspellende onderbewuste drang, of een geest die een transcendente dimensie in de alledaagse wereld kan bevatten zonder dat de ene reëler lijkt dan de andere.
In 1917 maakte Burchfield een soort mentale crisis of spirituele gebeurtenis door die zijn schilderstijl volledig veranderde. Hij ontwikkelde een gedetailleerd systeem van persoonlijke tekens, lineaire vormen die enigszins leken op letters of alchemistische tekens, die fundamentele emoties zoals angst of wanhoop aanduidden en die hij in zijn schilderijen kon verwerken als decoratieve patronen of de contouren van alledaagse voorwerpen. Hij koos ook voor een verscheidenheid aan alledaagse symbolen – vogels, sterren, zonlicht, maanlicht, bomen, bloemen, donkere waterpoelen – om aspecten van zichzelf, zijn lichaam, zijn spirituele verlangens en emotionele toestanden weer te geven. In deze vroege, volwassen stijl worden natuurlijke vormen weergegeven met abstracte, nerveuze contouren die meer geschikt zijn voor een houtsnede of een ikat- tapijt uit Tasjkent; de kleuren zijn vlak, zonder genuanceerde tinten of diffuse schaduwen. Sommige schilderijen leggen zelfs het getik van spechten of het getjilp van krekels vast als synesthetische vibrerende lijnen en aura's. 
Starlit Woods (1917, 85x57cm) laat zien hoe Burchfield zijn tekens en symbolen verweefde in gestileerde, maar figuratieve beelden van verbazingwekkende poëzie. De oprijzende, rechte boom zou Burchfields leven kunnen symboliseren: sterk, maar ook ontdaan van takken en doorsneden door een gapend donker gat. Het profiel van dit gat heeft de vorm van een "M" (die terugkomt in de takfragmenten bovenaan het schilderij), Burchfields teken voor angst of onrust. Achter de boom staan een heldere ster en de oplichtende horizon als natuurlijke symbolen van hoop en vernieuwing, versterkt door de omgekeerde "V"-vorm van twee bomen die tegen elkaar leunen in een soort gotische boog, Burchfields teken voor hoop en verlossing. Maar deze eenvoudige allegorie wordt verrijkt door het prachtige nachtelijke tafereel zelf, de kleurovergang van de koele hemel naar de warme grijstinten van de grond, de vuurvliegjes die de zwerm sterren herhalen. Burchfield probeert nog steeds twee realiteiten tegelijk te presenteren, maar nu nadrukkelijker en duidelijker, door enerzijds gebruik te maken van tekens en symbolen en anderzijds van een gedetailleerder realisme, beide samengesmolten in beelden van natuurlijke animisme. Burchfields aquarellen hebben vaak een obsessief geborstelde of modderige uitstraling, alsof er te lang amateuristisch aan gewerkt is, maar hij bereikt precies dezelfde uitstraling ook in zijn olieverfschilderijen, dus het effect is opzettelijk. Deze bijzondere en onmiskenbare voorkeur van Burchfield voor fluweelachtige of leerachtige penseeltexturen komt op grotere schaal terug in de gedetailleerde weergave van het knobbelige gras en de rieten takken.
aquarelkunstenaars |
|
Na een decennium lang in deze profetische stijl te hebben geschilderd (evenals in een lyrisch realisme van gebouwen in kleine stadjes en landschappen), veranderde Burchfield eind jaren twintig opnieuw in een soort 'American Scene'- realisme dat ik somber en deprimerend vind. Het lijkt erop dat Burchfield bewust meeliftte op de mode van 'regionalistische' schilders in de late jaren twintig en dertig, en zijn stijl aanpaste aan iets dat begrijpelijker en aantrekkelijker was voor kunstcritici en verzamelaars: hij had een gezin te onderhouden en was vastbesloten om een fatsoenlijk bestaan op te bouwen met zijn kunst. Het werkte misschien wel té goed. Hij verwierf grote bekendheid als de 'Sinclair Lewis van het penseel' en werd geprezen als een exponent van een unieke Amerikaanse kunstvorm, terwijl hij naar mijn mening nooit iets schilderde dat ook maar een sprankje vreugde of humor uitstraalde. Maar in 1943 – met een volwassen gezin, een verzekerd succes, net verkozen tot lid van de National Academy en genietend van de vrijheid die de late middelbare leeftijd met zich meebracht – beleefde Burchfield een nieuwe openbarende episode die hem terugvoerde naar zijn jeugdige stijl, zijn oude symbolen en tekens, en zijn animistische natuur. 
In deze laatste fase pakte hij vaak zijn jeugdige schilderijen weer op en bewerkte of schilderde ze volledig over, soms door papier aan de randen toe te voegen om het blad aanzienlijk te vergroten. Hete septemberwind (1953, 99x74cm) is een prachtig werk uit deze latere jaren. De gele patronen tegen de grijze hemel symboliseren zowel de hitte van de late middagzon als de opkomende hete windvlaag. De neerwaartse draaiing van de bloemen onderaan het schilderij laat zien dat de wind ons in het gezicht slaat en alle droge geuren van de nazomer met zich meebrengt; de gebogen ruggen van de bloemen suggereren een visueel patroon dat in prachtig gevarieerde aardetinten wordt herhaald in het droge gras en de verre heuvel van bomen. En centraal in het beeld, zwevend als het droge geluid van ruisende grassprieten, rafelig als de rimpelingen van windvlagen in het graan of de druk van de wind in de ogen, bevindt zich het oude "M"-symbool van angst, de beklemmende angst voor het leven dat op het punt staat zijn onvermijdelijke verval in te gaan. Maar die angst wordt getemperd door de warmte en rijkdom van de natuur, de cyclus van de seizoenen en de oogst van een leven gewijd aan de kunst.
Burchfield behoort tot de moeilijkst te doorgronden Amerikaanse schilders van de 20e eeuw. Het is verleidelijk om zijn schilderijen af te doen als het werk van een provinciaal, excentriek en soms mentaal gestoord talent dat zijn eigen weg volgt. Maar dit negeert Burchfields aandachtige reactie op hedendaagse kunststromingen, zijn herschrijving en gemanipuleerde publicatie van zijn dagboeken om een publiek artistiek imago te creëren, en zijn overduidelijke ambitie en harde werk. Burchfield heeft zich in zijn 'regionalistische' schilderijen wellicht aangepast aan kunststromingen, maar zijn vroege en late werken tonen een briljante visuele verbeeldingskracht die rusteloos op zoek is naar artistieke equivalenten voor een transcendente en zeer individuele visie op de natuurlijke wereld.
Er bestaat geen alomvattend naslagwerk over het werk van Burchfield, dat verspreid is over vele collecties en nog niet definitief is gecatalogiseerd. Het boek 'The Paintings of Charles Burchfield: North by Midwest' van Nannette Maciejunes & Michael Hall (Harry Abrams, 1997) bevat een grote selectie schilderijen en negen essays van kunsthistorici, en is waarschijnlijk de beste introductie tot zijn oeuvre. ' Charles Burchfield' van Matthew Baigell (Watson-Guptill, 1976), dat inmiddels niet meer verkrijgbaar is, is een interessant overzicht en een waardering van Burchfields werk, maar wordt ontsierd door het grote aantal zwart-wit reproducties en een oppervlakkige kennis van de schilderijen. ' Charles Burchfield' van het Whitney Museum , de catalogus bij de retrospectieve tentoonstelling uit 1956, is een kort overzicht en een waardering van zijn werk tijdens zijn leven – wederom met te veel zwart-wit reproducties.
