Emil Nolde (1867-1956) was de zoon van een boerenfamilie die in de Duitse kuststreek Sleeswijk (vlakbij de Deense grens) woonde. Hij volgde een opleiding tot houtsnijder en verhuisde op 21-jarige leeftijd naar München om sierlijsten voor meubels te snijden. Hij gaf zes jaar les in ambachten aan het Museum voor Industrie en Handel in St. Gallen, Zwitserland, waar hij begon te schilderen in een conservatieve stijl. In 1898, op 31-jarige leeftijd, begon hij fulltime kunst te studeren, wat hem terugbracht naar München en kortstondig naar Parijs en Kopenhagen, waar hij de kunst van Vincent van Gogh ontdekte. In 1906 leverde zijn zich ontwikkelende expressionistische schilderstijl hem lidmaatschap op van Die Brücke in Dresden en later van de Nieuwe Secession in Berlijn, maar zijn afstandelijke en prikkelbare persoonlijkheid zorgde ervoor dat hij binnen een jaar of twee met beide groepen brak. Van 1909 tot 1912 trok hij zich terug in Sleeswijk om religieuze thema's en het leven van Christus te schilderen, werken die in Berlijn en Brussel werden afgewezen. Hij reisde vervolgens uitgebreid door Duitsland en ging naar het buitenland met een koloniale etnografische expeditie door Rusland en het Verre Oosten naar Nieuw-Guinea (1913-1914), waar hij kennismaakte met 'primitieve' kunst. Daarna volgde een reis naar Italië en Spanje, waar hij veel werken van de Spaanse schilder Francisco de Goya zag. Deze vele artistieke invloeden lieten echter weinig sporen na in zijn schilderkunst; hij had zich al toegelegd op een brutaal ruwe tekenstijl met intense kleuren, een stijlkenmerk dat de rest van zijn leven onveranderd bleef. Hij werkte bovendien even vaak met waterverf als met olieverf. In 1921 keerde hij terug naar de regio Sleeswijk en vestigde zich in 1926 permanent op een afgelegen boerderij in de buurt van Seebüll. Daar bleef hij het grootste deel van de rest van zijn leven wonen, bijna als een kluizenaar met zijn vrouw (met af en toe een bezoek aan een appartement dat hij in Berlijn aanhield), en schilderde hij voortdurend landschappen, zeegezichten, dierenstudies en botanische onderwerpen. Tegen het einde van de jaren dertig begon zijn productiviteit af te nemen, omdat zijn werk steeds minder goed werd ontvangen. Nolde, een diepgelovig man, werd een fervent lid van de nazi-partij nadat de nationaalsocialisten in 1934 aan de macht kwamen. Hij zag echter hoe zijn schilderijen in de beruchte tentoonstelling van in beslag genomen Duitse museumcollecties in 1937 als 'ontaarde kunst' ( entartete Kunst ) werden bestempeld, en in 1941 werd hem door het Derde Rijk verboden nog langer kunstzinnige activiteiten te ontplooien. Hij reageerde hierop door zich terug te trekken op zijn boerderij, waar hij in het geheim in een kleine, half verborgen kamer meer dan 1300 kleine studies schilderde – zijn 'ongeschilderde schilderijen'. Deze waren vaak kleiner dan 25x15 cm en waren volledig geschilderd met waterverf en inkt, compacte materialen die indien nodig gemakkelijk konden worden verborgen. Sommige van deze studies werden in het decennium tussen het einde van de Tweede Wereldoorlog en Nolde's dood op 89-jarige leeftijd omgezet in olieverfschilderijen.
aquarelkunstenaars |
|
De essentie van Nolde's stijl ligt in zijn intense en onbeholpen artistieke persoonlijkheid. Dit portret van een man (1926, 41x28 cm), gemaakt na zijn terugkeer naar Noord-Duitsland, toont enkele van de belangrijkste kenmerken. De tekening is beperkt tot dikke penseelstreken met donkere verf, en hoewel Nolde in dit voorbeeld zorgvuldig de karakters van de geportretteerde heeft weergegeven, is zijn tekenstijl in de meeste van zijn schilderijen doorgaans grof en onhandig, met gestileerde karikaturen of lijnen die eerder massa of gewicht aangeven dan sierlijke contouren. Het hoofd krijgt gewicht door brede vlakken zwart en gedempt violet, nat-in-nat geïnjecteerd met groen of bruin, waarbij alle kleuren contrasteren met heldere, onbewerkte vlakken papier. De verf is aangebracht met penseelstreken die afwisselend sappig en vloeibaar of droog en krassend zijn. Nolde lijkt vaak een ruw, primitief icoon voor zijn onderwerp te creëren – een boerentekening van een persoon of religieuze figuur – om er vervolgens een rauwe mix van expressionistische kleuren in te gieten, zoals Frankenstein zijn monster met bliksem vulde. Het effect is bij de eerste kennismaking schokkend en desoriënterend, zelfs voor hedendaagse kijkers: maar na deze eerste reactie wordt de kleurervaring vaak genuanceerder en suggestiever.
Nolde's technische beheersing en emotionele intensiteit komen het best tot uiting in zijn vele landschappen, waaronder de gepassioneerde serie aquarellen die hij schilderde tijdens zijn reis naar Nieuw-Guinea en de vele dramatische landschappen die hij maakte tijdens zijn teruggetrokken jaren in Seebüll. Moeraslandschap onder de avondhemel (ca. 1943, 17x23 cm) illustreert de donkere sfeer van deze latere schilderijen, die geïnspireerd waren op het koude, winderige en sobere landschap langs de Noordzeekust. 
Nolde bezat een grote voorraad licht absorberend Japans papier, in verschillende diktes van dun tot zeer dik, waarmee hij een scala aan aquareltechnieken kon toepassen, vergelijkbaar met die mogelijk waren met warmgeperst papier. Jolanthe Nolde beschreef hoe hij met de hand onregelmatige, kleinere rechthoeken uit de grote vellen sneed en altijd 17 afzonderlijke, voorgemengde kleuren klaar had staan in kleine aluminium bekertjes, elk bekertje met een eigen aquarelpenseel, waarvan de haartjes gebogen waren doordat ze voortdurend in de bekertjes rustten. Hij laadde het papier op met sappige verflagen, de penselen zo verzadigd dat er af en toe per ongeluk druppels in het werk vielen. De verf had de neiging om door het papier heen te diffunderen, waardoor vage randen, plassen, uitlopende strepen en dichte, nat-in-nat kleurmenging ontstonden. Latere lagen vormden soms druppels, afgestoten door de opeenhoping van Arabische gom eronder, waardoor de kleuren eruit zagen alsof ze erop gespoten waren. De resulterende afbeeldingen worden opgeroepen door donkere, gedempte mengsels doorspekt met flitsen van intense, pure kleur – somber, turbulent en soms dreigend of aangrijpend.
Nolde's vele natuurschetsen tonen hem in een mildere stemming, wellicht aangemoedigd door de warmte en het aanhoudende licht van de noordelijke zomerdagen. Hieronder vallen vele schilderijen van insecten en planten die hij observeerde in zijn eigen tuin, prachtig aangelegd door Nolde en zijn vrouw. Deze schetsen tonen vaak een lichter, transparanter kleurgebruik en meer verfijning in de tekening. 
Blauwe klokjes (ca. 1935, 43x35 cm) is een prachtig voorbeeld van zijn botanische poëzie; hier is zijn tekening bijna decoratief in zijn delicate karakter. De onvoldoende lijmlaag op het papier zorgt voor de gekartelde randen van de drogende verf, een wazig effect dat wordt versterkt door het vrije gebruik van natte kleurverspreiding. De stengels en bloesems vloeien samen met de lichtpaarse achtergrond alsof ze een geur afgeven, en de contouren van de bloemen versmelten met de kleuren van de bloemblaadjes om hun doorschijnendheid te suggereren. Deze effecten lijken misschien grof of willekeurig, maar een schilder zal herkennen dat Nolde vertrouwd was met zijn materialen en wist hoe hij er het beste uit kon halen. Nolde is inderdaad een van de weinige aquarelschilders die de onvoorspelbare werking van water als een essentieel onderdeel van zijn stijl opzocht. (Zijn olieverfschilderijen ontstaan door het aanbrengen en uitkrabben van verf, wat resulteert in een chaotisch, vezelig oppervlak, net zo verward en complex als de aquarellen.) Het is opmerkelijk dat deze schilderijen de veeleisende en eigenzinnige aard van de schilder lijken te weerspiegelen, maar tegelijkertijd zoveel schoonheid onthullen in hun vurige imperfecties.
De beste introductie tot Nolde's latere aquarellen is waarschijnlijk Emil Nolde: Unpainted Pictures, samengesteld door Tilman Osterwold (Hatje Cantz, 1998). Een goede selectie van zijn schilderijen is te vinden in Twentieth-Century Watercolors van Christopher Finch (Abbeville, 1988), dat inmiddels niet meer verkrijgbaar is.
