Egon Schiele (1890-1918) was de zoon van een Oostenrijkse spoorwegingenieur. Hij begon al op jonge leeftijd met het tekenen van locomotieven en was een fervent landschapsschilder. Zijn vader, die door syfilisdementie invalide was geraakt, ging vroegtijdig met pensioen en overleed net toen Schiele een tiener werd. Zijn dominante en welgestelde oom, Leopold Czihaczek, werd zijn voogd, hoewel Schiele bij zijn moeder bleef wonen. Hij verveelde zich en presteerde slecht op de middelbare school, maar werd begeleid in aquarelschilderen door een kunstleraar op de middelbare school, die hem aanraadde de reguliere school te verlaten en zich aan te melden bij de Weense Academie voor Schone Kunsten. Schiele werd daar in 1905 toegelaten, verhuisde met zijn moeder naar Wenen en begon te studeren bij Christian Griepenkerl. In 1907 ontmoette hij Gustav Klimt (1862-1918), die zijn goede vriend en mentor werd. Schiele en andere kunstenaars verlieten de Academie in 1909 om de Neukunstgruppe (Nieuwe Kunstgroep) op te richten, die haar eerste tentoonstelling hield in de Salon Pisko. In de daaropvolgende jaren exposeerde Schiele met soortgelijke kunstenaarsgroepen in München en Boedapest en begon hij incidenteel te werken voor de Wiener Werkstätte (Weense Werkplaats), een kunstenaarscollectief opgericht door Josef Hoffmann. Hij ontmoette ook verschillende beschermers en mecenassen, waaronder Arthur Roessler , Carl Reininghaus en Heinrich Benesch, en ging samenwonen met een model, Valerie (Wally) Neuzil. Hij verhuisde naar het landelijke Krumau, vervolgens naar Neulengbach, maar wantrouwen jegens zijn bohemienlevensstijl leidde tot zijn arrestatie en korte gevangenschap wegens schending van de openbare zeden. Hij bleef in 1913 veelvuldig exposeren in Duitsland en in 1914 in Rome en Parijs. Hij trouwde in 1915 met Adele Harms en woonde met haar in Wenen terwijl hij van 1915 tot 1918 niet-gevechtsfuncties vervulde in het Oostenrijkse leger. Gedurende deze periode bleef hij reizen, exposeren, portretten in opdracht schilderen en bijdragen leveren aan Oostenrijkse tijdschriften zoals Die Aktion en Der Anbruch. Hij stierf op 28-jarige leeftijd aan de griep tijdens de grote epidemie van 1918.
Veel van Schiele's vroege tekeningen nemen de sobere, elegante stijl van de commerciële kunst van die tijd over, waardoor Schiele's zelfverzekerde en aantrekkelijke tekenvaardigheid effectief tot uiting komt. Schiele worstelde in deze periode om de beklemmende traditionele academische opleiding en de invloeden van Klimt, Kokoschka en de lineaire Weense Art Nouveau in zijn eigen artistieke persoonlijkheid te integreren. 
Het resultaat is te zien in Zittende vrouwelijke naaktfiguur met opgeheven rechterarm (1910, 45x32cm), een zorgvuldig afgewerkt werk dat hij inzond naar Josef Hoffmann van de Wiener Werkstätte. De figuur is zorgvuldig omlijnd met zwart krijt op getint papier, waarna aquarelverf is gebruikt om de figuur te decoreren in een gedempt warm kleurenpalet van oranje, geelgroen en oker; het kleine strookje hemelsblauw boven het hoofd voegt een complementair kleuraccent toe. De lijn vertoont een neiging tot pieken op punten van spanning (de omtrek van de heup, de bovenrand van de linkerschouder en onderarm), een truc die de contour statisch maar niet zwaar maakt. Het effect is decoratief, passend bij de ansichtkaarten en snuisterijen die in het atelier werden gemaakt, maar de figuur oogt ook gespannen of waakzaam, alsof ze wacht tot haar moeder door de deur stormt. Het rode haar, de donkere, rechte wenkbrauwen en het slanke figuur bevestigen dat dit Schiele's favoriete model uit deze jaren is: zijn jongere zus Gertrude (Gerti), die Schiele vanaf haar kindertijd obsessief tekende tot ze op zestienjarige leeftijd stopte met naaktmodelwerk.
aquarelkunstenaars |
|
Toen Gerti rond 1910 uit Schieles tekeningen verdween, verving hij haar door jonge prostituees en spijbelende kinderen – blijkbaar waren modellen in Wenen net zo moeilijk te vinden als vertegenwoordiging door een galerie. Schiele betaalde deze minderjarigen een symbolisch bedrag, of liet ze rondhangen in zijn appartement in Wenen en later in Neulengbach, waar hij hun vertrouwen won en hen overhaalde om voor hem te poseren, soms naakt. Een van hen, een tienermeisje uit Neulengbach dat verliefd was op Schiele, liep van huis weg en wist hem en zijn model/geliefde Valerie Neuzil over te halen haar mee te nemen naar Wenen; de volgende dag bedacht ze zich en ging met hen terug naar Neulengbach. Tegen die tijd had haar vader Schiele aangeklaagd voor verkrachting en ontvoering, en hij werd gearresteerd. Tijdens een huiszoeking toonde Schiele behulpzaam een of twee erotische tekeningen, waarna de aanklacht van "belediging van de openbare zeden" werd toegevoegd. 
Hij zat drie weken vast in afwachting van zijn proces, maar de aanklachten tegen het meisje werden ingetrokken. De rechter verbrandde een van Schieles tekeningen in de rechtszaal, waarna hij een boete kreeg en drie dagen later werd vrijgelaten. Ik beschrijf deze episode om de absurde realiteit en Schieles verantwoordelijkheid ervoor duidelijk te maken, want de naïeve Egon ervoer het als een afdaling in de hel. Tijdens zijn korte gevangenschap maakte hij een twaalftal zelfportretten, zoals ' Het belemmeren van de kunstenaar is een misdaad, het is het doden van leven in de kiem!' (1912, 49x32 cm), en de discrepantie tussen zijn juridische problemen en de theatrale houding in deze tekeningen is een soort maatstaf voor de emotionele desoriëntatie die door het grootste deel van zijn vroege werk loopt. Schiele gebruikte vaak figuurportretten van zichzelf, naakt of gekleed, als een soort imaginaire etnografie of narcistisch rollenspel – peinzend, juichend, lijdend, spottend, wellustig of grijnzend. Hier speelt hij de rol van vervolgd slachtoffer, een Christusachtige martelaar voor de kunst. Hij desoriënteert ons met een truc die hij vaak gebruikte: de tekening horizontaal maken (liggend in bed, bedekt met een deken), en vervolgens het blad verticaal signeren en van aantekeningen voorzien. Het grote contrast met het vorige voorbeeld is de zwakte van de lijn en de dominante textuur van de aquarelverf, aangebracht met grove penseelstreken. Deze worsteling om een evenwicht te vinden tussen schilderen en tekenen kenmerkt veel werken uit 1910-1913: Schiele waagde zich aan ambitieuzere olieverfschilderijen en probeerde wellicht zijn stijl in beide media te consolideren, of hij wilde misschien hogere prijzen vragen door meer uitgewerkte tekeningen te maken. Hoe dan ook, zijn stijl in deze jaren vertoont veel variaties, alsof hij tastend op zoek is naar een nieuwe weg.
Rond 1914 begon Schiele's stijl zich te ontwikkelen tot figuurstudies, waarbij hij inkt, houtskool of krijt gebruikte voor de lijnvoering en aquarel of gouache voor de kleur. Deze tekeningen minimaliseren steeds meer stilering en karikatuur en gaan verder dan louter seksuele confrontatie; de figuren worden substantiëler en sculpturaler; de lijn krijgt een nieuwe kracht en complexiteit, en kleur wordt gebruikt om oppervlaktestructuur en contouren aan te duiden. Schiele's toenemende succes bracht hem een groter scala aan volwassen modellen en portretopdrachten, en in 1915 trouwde hij, invloeden die een nieuwe gevoeligheid voor de individualiteit van zijn onderwerpen stimuleerden. 
Hurkend mannelijk naakt (Zelfportret) (1917, 46x29cm), getekend slechts een jaar voor Schiele's dood, onthult veel van deze ontwikkelingen. Het gevoel dat Schiele een narcistische fantasiefiguur speelt, is verdwenen; zijn leven als individu is belangrijker geworden. Zoals in bijna al zijn tekeningen is de figuur geïsoleerd tegen de lege pagina, ontdaan van context of rekwisieten. De linkerarm lijkt de negatieve ruimte als het ware vast te klemmen, een onzichtbare tegenstander die beide handen heeft afgebeten. (Vreemd genoeg lijkt Schiele een grote afkeer te hebben gehad van het afbeelden van handen en voeten: ze zijn meestal verborgen of weggelaten, en wanneer ze wel verschijnen, zijn ze hard getekend.) Een grijze kluwen steekt onder de grotesk ontwrichte heupen vandaan, getekend als een verfrommeld laken, maar verwijzend naar uitwerpselen of een verminking. Toch verlenen deze bizarre aspecten van de tekening de figuur een strakke energie, alertheid en veerkracht. De houding en de behandeling van lijn, textuur en kleur lijken sterk op de mannelijke figuur in Hurkend Paar (1918), een groot doek dat onvoltooid achterbleef bij Schieles dood. Het is een van zijn late allegorieën en toont een man, een vrouw en een kind die samen zitten in een sombere bruine ruimte, de figuren weergegeven met een oprechte, nieuwe sympathie en eenvoud. Hoewel deze veelbelovende nieuwe richting door zijn dood abrupt werd afgebroken, getuigen Schiele's werken op papier, hoe arrogant, gekunsteld of verontrustend ze vaak ook zijn, van een technische beheersing en visuele verbeeldingskracht die hen een plaats verzekeren tussen de meestertekeningen van de 20e eeuw.
De standaardreferentie voor het werk van Schiele is de uitgebreide (tweede) editie van Egon Schiele: The Complete Works van Jane Kallir (Harry N. Abrams, 1998), die een lange biografie en catalogus raisonné bevat. Een kortere, maar betere en uitgebreidere selectie kleurenreproducties is Egon Schiele 1890-1918: Desire and Decay van Wolfgang Fischer (Taschen, 1994). Kallir heeft haar volledige catalogusbiografie ook herschreven en meer persoonlijke details toegevoegd voor de kleinere, maar rijk geïllustreerde uitgave Egon Schiele: Drawings and Watercolors van Jane Kallir (Thames & Hudson, 2003).
